看完金馬最佳電影后，我確信這是它應得的…
這個周末，金馬獎落幕。
馬思純、周冬雨攜手封后，我們被兩姐妹清純不做作的激動刷屏了。
注意周冬雨的小動作...
除了演員，還有一部不做作的電影，本屆金馬最大贏家——
《八月》
這是導演張大磊的處女作，卻攬下最佳影片、最佳新演員兩個獎。
這部不出名的「小電影」到底好在哪？
Sir今天就請來好基友，@錢德勒給你們說說。
不久前，他在北京一次試映中看過《八月》，看後他最大的感受就兩個字——
沉醉。
53屆台灣金馬獎，稍微誇張一點說，在華語電影史上是有劃時代意義的。
最佳影片，最佳男女主角，最佳導演四個大獎，全部被來自大陸的電影人斬獲，空前的文化包容性。
最佳女主周冬雨、馬思純；最佳男主范偉；最佳導演馮小剛
金馬獎不落俗套的突破，不能讓所有電影人滿意，但這種勇氣，恰恰是一個電影獎挺直腰桿的底氣。
最大黑馬，當屬《八月》打敗《我不是潘金蓮》《再見瓦城》等熱門影片，拿下最佳影片。
據評委主席許鞍華透露：
最佳影片的評選過程中，第一次投票的結果大概是各自3票或者4票，沒有一部有絕對優勢。
最後是《八月》和《再見瓦城》的較量。
《再見瓦城》最後空手而歸，可惜
而評委最終選擇前者，是覺得電影的情感和故事雖然發生在內地，但超越地域，大家特意看了第二遍，越發覺得《八月》經看。
好久沒看到一部純粹的，真正回歸到創作領地的華語片。
相當長的時間裡，很多華語電影，特別是文藝片，都背負著沉重的意義，這種意義很大程度帶有廣義的政治性。
講特定的社會階段、社會現象、社會體制如何影響人的行為、生活狀態。
例如之前的《驢得水》
批判、反思的創作態度無可厚非。
BUT，主題先行也讓個別影片自行戴上無形的腳鐐、政治性，削弱了藝術性。
簡單說，這些電影看起來就是沖著獎項去的。
扯著脖子，用直白、清晰的情感吶喊去宣示存在感。
《八月》好就好在沒有立場。
《八月》是「小」的。
故事發生在1994年，主人公小雷即將升初的暑假。
小雷父親所在的電影製片廠正處在體制改革階段，很多職工都面臨著下崗的困境。
一個無法迴避的時代背景。
影片用白描的手法把小雷和他的父母引入到觀眾的視線——
一家人吃著飯，電視里放著電視劇《籬笆、女人和狗》（這是1988年在內地播出的熱門系列電視劇，被稱為「農村三部曲」或者「女人命運三部曲」）。
父親說，劇中的棗花看著煩人，一臉苦相，成天哭哭啼啼。
母親說，性格決定命運，然後就說起夏天要多吃苦。
苦，輕描淡寫中，成為影片的情感基調。
《八月》展示的是淡淡的苦澀。
導演通過大量瑣碎的細節，把苦味傳遞給觀眾，就像片尾母親種植的曇花味道，是潤物細無聲的滲透。
片中有一幕，母親在家裡抱怨拖把的棍子壞了，（上班的）父親沒空修，而（下崗的）舅舅一出場，就是用手擰拖把，做家務。
拖把，是一種有生活氣息的自然銜接。
之後，舅舅因為困難，要賣廠里分下來的毛線抵工資，母親私下塞錢，姐弟倆推搡。
小雷作為小孩就好辦事了，他奪過錢塞給舅舅。
這是對苦澀的「中國式抵抗」。
生活是苦澀的，很多中國人都能感同身受。
但這種苦澀不需要撒狗血地發泄，這不符合中國人的生活邏輯。
所以，當下崗的消息四處傳播時，職工們還是要下棋、搞夏季運動會，孩子們還去混錄像廳、打撞球。
電視機里明明還放著領導關於下崗動員的講話，錄像廳里放著《亡命天涯》的介紹，剛介紹完，廣播就又放了一段鼓勵下崗工人從頭再來的動員號召。
似乎一切都沒有變化。
但家裡客廳門上貼著崔健的《一無所有》海報，父親看了兩遍羅伯特·德尼羅主演的電影《計程車司機》，又隱隱泄露出對於未知命運的不安全感。
這些躲在暗處的細節，如果不去刻意捕捉，很容易被忽略。
恰恰也在這些纖毫畢現的脈動中，一個民族的性格慢慢顯影。
除了極個別聲嘶力竭的特殊年代，在更長的時間線里，中國人的生活不就是重複、輪迴，無意義。
這種無意義，不就是生活最大的意義？
除了小，《八月》還是靜的。
導演的個人態度，儘可能隱藏在故事後面。
一個青年導演的處女作，總會不自覺地通過作品展現自己的興趣、情懷，這種創作動機很正常，上進。
但表達一旦過於強烈，反過來也可能傷害到影片本身。
張大磊導演表現出超越他年齡的老道與耐心。
他抓住了表達的重點，把細節都收拾得乾淨利落。
他花心思最多的，就在黑白影像。
《八月》的影像風格很突出，在大多數場景中，畫面的景深都卡得很緊，除了需要突出的人物外，其他部分都是虛焦，即使在展現家庭生活的內景，傢具、燈等等也都是模糊的。
白天空曠的場景，小溪旁，田地里，全都過度曝光，畫面白得刺眼。
這樣的效果營造出一種虛無感。
像造夢。
這既符合小雷的主觀視角，也提示了創作者與真實時代保持距離的謹慎態度。
甚至連電影所處的地理位置，如果不去細心觀察，都很難確定。
故事似乎可以發生在中國內地的任何城市。
你完全看不出導演對於時代背景有任何明確觀點，就像英文片名一樣——
The Summer is Gone.
一個夏天會過去，一個時代也會過去，他所能做的，就是用影像留住個人的一些記憶。
個別時候，導演也會忍不住直抒胸臆，比如小雷愛不釋手的雙截棍，代表生理和心理的成長。
有一次他偷窺對面樓里換衣服的少女，自己背後褲衩里插著雙截棍；
還有他騎自行車去讀重點中學三中，雙截棍終於放下來，放在床上，造型就是一個「八」字。
努力剋制，收斂，但有時候又暴露心曲——
這種矛盾在《八月》里的感覺就像正在成長的少年，一些堅持，一些放棄，一些懵懂，然後突然有一些就明白了。
看《八月》，你會有侯孝賢電影那種雲捲雲舒的通透，《八月》的小孩視角，又像楊德昌《一一》的頓悟，而有一場小雷和父親在暗房看膠片的戲，又像《天堂電影院》般醇厚。
《八月》
《天堂電影院》
它從作者的個人經驗出發，營造出一種密不透風的時代通感，這種圍繞、滲透的詩意，值得每一個走過那段歷史的人，再轉身回望。
當然，《八月》還是存在一些缺憾，視角有時候出現凌亂，小雷的視角會突然讓渡給觀眾，影響了整體性……
但總體來說，作為一部處女作品，能夠得到以許鞍華領導的金馬評審團的青睞，被認為突破了地域限制，越看越喜歡——
就因為這部影片就像一個謙遜、低調的年輕人，在恰當的時候，恰當地表達自己。
不逼逼、不炫耀，反而達到更舒服的溝通效果。
對評委這樣，我相信對觀眾也是這樣。
據悉，《八月》最大的出品方是愛奇藝影業，這是愛奇藝出品的第一部文藝片，能夠有資本關注文藝片領域，對於今天喧鬧又聲調十有八九雷同的中國電影，無疑是好事。
現在，很多人因為《八月》得獎，產生了強烈的期待，期待它的上映，也期待更多有想法，認真的年輕人能進入創作領域，重建中國電影的價值體系。
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