為何如今的時裝秀越來越像藝術展？
2018年春夏時裝秀中，某大牌秀場裝置與二次元元素融合。
2018年春夏時裝周剛剛落下帷幕，受人關注的不僅是那些秀場華服，大牌們更越來越善於將秀場打造成大型裝置藝術展，來吸引觀眾的眼球與傳遞深層思想。
在過往的歷史中，有的時尚品牌曾直接將秀場搬至美術館。泰特現代美術館館長克里斯·德康（Chris Decron）認為：「我們前所未有地需要表演型作品，這樣才能感覺到我們的存在。」2018年春夏時裝秀中某大牌秀場中的裝置作品
奢侈品品牌與裝置藝術家們逐步聯手構建出一個如夢似幻的感官世界，激發著人們的消費慾望。而這些感官世界的創造者們又到底是誰呢？
造夢大師：菲利普·帕雷諾
（Philippe Parreno）
菲利普·帕雷諾被譽為是當今世界上最具影響力的法國藝術家。他生於1964年，在法國小城長大，家境平平。雖然他並沒有想過要成為一名藝術家，但從小就在音樂、電影、戲劇的包圍下成長，後來又機緣巧合地入讀藝術學校並在先鋒藝術中心工作，順其自然地開始了自己的藝術生涯。
帕雷諾在過去20年的努力中，徹底重新定義了觀展體驗。在他的作品中，觀者往往能夠進入一個有腳本的空間，玄妙的事件就在空間中逐一展開。帕雷諾的代表作《Marilyn，2012》還原了瑪麗蓮·夢露生前常住的華爾道夫酒店客房，她的雙眼在房間內游移，十分逼真。其實，房間內只有一個大型機械裝置在不斷地反覆書寫她的字跡，她的視線也只是攝影機而已。
參觀帕雷諾的作品時，我們會看到合奏的燈光、跳舞的窗帘、展廳里飄著的雪……觀眾在精心編排的聲音和影像的引導下不斷前行。他不僅在不斷地顛覆人們的觀展體驗，還希望將展覽變成一種絕無僅有的體驗。他在把玩時空邊界的同時又在向觀者發問：現實與虛構的界線到底在哪裡？
在作品《Anywhen》中，帕雷諾打造出在空間中自主浮游的魚，綜合各類機械影像裝置，在渦輪大廳中為觀者提供了沉浸式的觀展體驗。
帕雷諾喜歡觀察人們聚在一起的行為模式。足球、戲劇之類能把人們聚在一起的活動引起了他強烈的興趣。他常常還會利用自己的展覽來探索這類活動，基於對這種聚眾形式的興趣和偏愛，他便與各品牌發布會產生了合作。菲利普·帕雷諾的旋轉座位裝置在品牌秀場
在秀場上，帕雷諾把傳統的看台設置成了能夠360度旋轉且具有梯度的座位，並在所對應的天花頂上懸掛數百盞劇場射燈。當觀眾在欣賞四面八方走過來的模特時，自己也有如雕塑般被呈現出來、被他者所見。其作品正如那句名詩：你在橋上看風景，看風景的人在樓上看你。
植物魔法師：東信康仁
（Azuma Makoto）
1976年出生於日本福岡的插花藝術家東信康仁（Azuma Makoto）本是一名搖滾樂隊吉他手。他偶然在一家花店打工時學到了一些插花技巧，在這個過程中，作為音樂人的東信康仁敏感地發現了每朵花的特點和價值。
其後，東信康仁堅持以一種「高級定製」的精神將植物與花的美提升到了藝術作品的高度，並在全球範圍內開展藝術活動，探索花卉與植物的無窮藝術魅力。他的作品都以花卉與植物所體現的積極向上的生命價值為表現的核心。
東信康仁的植物裝置幾乎去過世界的每一個角落
東信康仁在2005年開始了自己的植物裝置藝術家生涯，並在2009年創建了自己的花樹研究所。其中，他和團隊為某品牌周年慶創作了極富挑戰的項目，他們用氦氣球將一團花球帶往了高空。
氣球爆裂後再慢慢返回，本被置於一體的蘭花、繡球花、百合花、鳶尾花和其他花朵在空中四散，這樣的場景美輪美奐。
此後，東信康仁成為了奢侈品品牌最愛合作的裝置藝術家之一。他不僅創作了一系列充滿視覺衝擊力的藝術作品，還能夠在極致張揚與極致簡樸之間遊刃有餘。他為了不破壞花朵和綠植自身的生命力，常常不對花木進行精剪修飾，籍由它們自然蓬勃的狀態去呈現生命體與時間和空間的關係，或揭露在繁盛之中暗藏的悲傷。
他思考人與自然以及自然與商業的關係：「許多人說一段音樂或一首歌能勾起他們一段特別的回憶。同樣的道理，在我創作的作品中，試圖通過傾聽植物來表現我的回憶，每種植物都有屬於它們自己的聲音。」
多媒體實驗家：FOS
（Thomas Poulsen）
出生於1971年的丹麥藝術家FOS（真實姓名為：Thomas Poulsen），1999年畢業於丹麥皇家美術學院，目前在哥本哈根生活和工作。記者採訪他時，他表示自己忘了從什麼時候開始叫FOS，也忘了由來。
多年來，FOS一直在國內外各種場所展出作品。他挖掘和探索了多種表現形式，創造鼓勵人與人互動的作品，並將材料、空間和美學完美地融合在一起。FOS認為自己的工作實則是一種「社會設計」。
無論是女性身上的時裝，還是生活場景中的實用物件或裝置藝術，FOS與各品牌的創意總監總擁有相似的藝術理念。他們都想逃避互聯網時代盛行的消費主義，以及社會高速發展所引發的粗製濫造，他們期待以工匠的精神悉心地打磨出屬於自己的精緻作品。
FOS為品牌秀場創作過巨大的帳篷，大幅的尼龍布從天花板垂下，將整個空間分隔開。在黃、橙、藍三色尼龍圍幔構成的空間中，配合著微妙的旋律和具有工業感的音效，模特們緩緩走出。沙土質感的地面也與模特身上貼近自然色系且具有戶外軍旅風格的時裝風格相契合，整場時裝秀更像是某個藝術雙年展現場。
馬塞爾·杜尚的經典作品《泉》，他利用現成品在博物館的展示打破了藝術的邊界。
從杜尚發表於1917年的作品《泉》開始，裝置藝術便擁有了對抗正統和刻板的基因，其態度更易受到時尚界的認可。作為一種年輕的藝術語言，裝置藝術也是綜合性較強的一種表現形式。
某大牌在周年慶的秀場上，特別邀請藝術家Maya Lin在秀場上建起七座土山，該品牌趁此之際表達著自己對當代性的認知以及堅持聽從自我內心的觀點。
目前，裝置藝術儼然成為了當代藝術的寵兒。它能夠加強表達設計理念，與時裝秀場的結合也日漸成熟，引用裝置藝術來營造與眾不同的秀場氛圍顯然已成趨勢。
某品牌與英國藝術家Alexander Crove合作的裝置。花瓣中會噴出帶有香氣的氣泡，碰到衣服滑落，接觸皮膚則隨即炸破且香氣四溢，裝置的靈感來自日本的物哀美學。
設計師們受到視覺個性化、消費多元化以及人們審美水準不斷提高的影響，力求服裝設計創新的同時更注重在秀場的展示形式上的創新與突破。在此形勢下，優秀的裝置藝術家們可在秀場中大展拳腳。
品牌秀場的一些其他經典裝置
這也就不難理解，為何當奢侈品的溢價如此之高昂，購買者仍然趨之若鶩。或許，其中一個原因正是：在物質豐富的今天，美學、文化、故事、觀念等精神層面的內容才是人們最需要並為之買單的東西。
[編輯、文/翠西]
[本文由《時尚芭莎》藝術部原創，未經許可不得轉載]
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