當模特還得會跳舞，為什麼時裝周現在不流行傳統T台秀？

時裝秀（Fashion Show）作為時裝周的重要組成部分，每年都能帶給大眾很多視覺上的享受。但提到Fashion Show，大多數人映入腦海的第一印象應該長這樣：

了不起誇張一點的也就是這樣：

簡單說，大多數人認知中的Fashion Show，就是T台秀。

但其實，Fashion Show自出現以來，從來都不是簡單的T台秀，它的呈現方式一直是非常豐富的，尤其隨著科技和經濟的發展，近十幾年來的呈現方式也是越來越多元，花樣也更是層出不窮。

比如與裝置藝術的結合：

用一個大家最熟悉的牌子Chanel來舉例，不得不說，自從老佛爺1983年執掌Chanel以來，這牌子每年的大秀就離不開場景設計 (set design) 和裝置藝術 (installation art) 了:

比如和建築藝術的結合，還用大家最熟的另一個宇宙大牌Dior來舉例：

再比如，跟高科技的結合：就拿一直以時尚界的科技領袖定位自己的Burberry舉例，近幾年他們的城市旗艦店開幕大秀就經常使用全息投影和3D投影技術：

當然，上述三種方式的運用絕不只這三個品牌，而且第一個在Fashion Show里使用高科技的也絕對不是Burberry，但除了以上這幾種方式之外，你要說歷史最長，最喜歡被時尚藝術家們用在fashion show中的，那一定是表演藝術了（performance art）。

早期的時裝秀是沒有聲音的，但自從二十世紀六十年代聲音和光影被運用到時裝秀中之後 (Diehl 1976, p.1)，時裝秀中就開始出現各種跟舞台藝術相關的元素，比如光影，音樂，和場景設計等等。

然而，這種和表演藝術的結合，從1990年左右，開始出現了一個巔峰時期，這個時期有不少熱衷於做Fashion Performance而不僅僅是單純做Fashion Show的時尚藝術設計師，比如大家熟知的Alexander McQueen, 比如John Galliano, 再比如小眾一點的品牌：Maison Martin Magrgiela，表演性質的時裝秀也一度從水準和數量上都達到了峰值。

先來看看McQueen的2001秋冬系列，靈感來自1988年恐怖電影《靈異入侵》（Child s Play）， Alexander McQueen選擇了小丑妝容來演繹他的旋轉木馬。

還有他最出名的2001年的Fashion Performance：「Voss」

Alexander McQueen Spring/Summer 2001 "Voss"

「Voss」秀場被設計成一個巨大的玻璃房，開場前，觀眾只能看到一面鏡子，但開場後，視角轉變了，外層的鏡面變成透明的玻璃，觀眾能夠看到裡面，但裡面的模特卻只能看到一面鏡子，於是旁若無人地擺起了嚇人的姿勢，猶如關在精神病院里的病人一般。

窒息，壓抑的觀感撲面而來，是服裝秀還是故事表演？是衣服還是雕塑藝術？是販售衣物的精品店還是藝術長廊？沒有定論，McQueen 為後人留下了對時裝秀形式無限的探討空間。

再來看看John Galliano，也是畢業於聖馬丁的英國設計師，這個曾經為Givenchy 和 Dior兩大品牌擔任過首席設計師及藝術總監的鬼才時尚藝術設計師，你已經很難再用簡單的Fashion Designer去定義他的存在了。

他用誇張的，戲劇化的手法，以極高的藝術性詮釋了時尚，他創作的每一場時裝秀，無論是視覺衝擊力抑或傳遞的情感，都極其地豐沛。

這種無與倫比的時尚藝術表演秀，為時尚存在的多種可能性提供了多角度的探討價值，時尚產業究竟應該是以簡單的，商業性的運轉為基礎而存在，還是應該更多地跟藝術結合，向純藝術（Fine Art）的領域進行多角度的延伸？這是一個永遠被時尚界探討與爭執的話題，永遠沒有定論。

說到這裡，可能有小夥伴問了，你說的都是非常大牌的設計師和宇宙大牌的秀，有沒有獨立設計師或者小眾一點的品牌做過類似的表演呢？

當然有，舉個最近的例子，正在進行到尾聲的2017巴黎男裝周期間，我們跟拍了一場非常精彩的Fashion Performance， 它來自於巴黎男裝周官方邀請名單上的華人獨立設計師靳又嘉和她的品牌 「Youjia Jin」， 這位同樣畢業於倫敦聖馬丁的旅英華人設計師，用藝術表演的形式，為觀眾講述了一個男人童年的回憶。

Photo: Herve, After Effects: Ginnie Wang

表演中運用了很多超現實主義的敘事手法，描述了很多小男孩兒兒時的夢境，還有長大成人之後，需要戴著假面具面對世界的無奈。

Photo: Herve, After Effects: Ginnie Wang

Photo & After effects: Ginnie Wang

Photo & After effects: Ginnie Wang

設計師想講述這樣一個故事：不是每個人的童年都是完全美好而幸福的，小孩子也有屬於他們世界的壓力，比如童年對床下鬼怪的恐懼，學生時代的霸凌，課業的壓力，在我們兒時都時常壓得我們喘不過氣，但即使是這樣，當長大成人之後，我們卻發現成人的世界更加艱難，回看兒時，才發現，即使充滿了壓力，對比成人的世界，也還是那麼地美好與純粹。

Photo & After effects: Ginnie Wang

比如兒時上課時折的那些紙飛機，你還記得嗎？

Photo & After effects: Ginnie Wang

再比如兒時反叛，不想上課的狀態：

Photo: Herve, After Effects: Ginnie Wang

頹廢的姿態，延伸至二樓的信紙，浮在空中的書包，不合邏輯地呈現手法，都源於超現實主義的展現方式，描述了一個兒時的夢境：

Photo: Herve, After Effects: Ginnie Wang

Photo: Herve, After Effects: Ginnie Wang

但這些美好，直到長大之後才體會得到，而長大之後的我們，又要面對新的煩惱，於是每一個階段的對美好的感悟，都是滯後的，仔細想想，這其實是一件無比悲傷的事。

分不清鏡子中的自己和現實中的自己，到底哪一個才是真實的，融化到地面的鏡子，都用超現實主義的手法，暗示了這一切都是夢境。

Photo: Herve, After Effects: Ginnie Wang

這場表演里，還運用了一部分舞者代替模特，來用現代舞更加生動直接地向觀眾傳達設計師想表達的情緒：

Photo: Herve, After Effects: Ginnie Wang

Photo: Runan Xie

Photo: Runan Xie

沒見過這種形式？覺得新穎？沒錯，這種形式的確很新穎，因為傳統的時裝秀有幾個必要的元素：模特走秀，T台場地，規律排列的觀眾席，音樂以及燈光。而這幫不甘於平庸的時尚設計師們，發揮他們的腦洞，在場地，呈現手法，甚至模特使用方式等方面進行改變，勾畫了一個個讓你能在現實世界裡親眼看到的夢境，而這種表演性質的服裝秀，和純粹的舞台表演藝術最大的不同就在於，它有跟觀眾直接相關的元素，那就是服裝。

這種類型的時裝秀，以服裝為載體，加之多維度的呈現手法，很容易讓觀眾產生強烈的代入感，幻想自己如果穿著表演者的服裝，自己是這個故事的主人翁，會是一副怎樣的場景。

這種類型服裝秀的作用，從商業的角度來說，一方面，作品的情感傳達會更加到位，容易激起觀看者對服裝的共鳴，從而產生購買的慾望，另一方面，對品牌傳播也是非常有利的一件事，媒體更容易找到報導的切入點從而更願意去傳播，這樣一來，品牌傳播效應就能夠在短時間內實現最大化的擴展，比如有位評論家曾說過，「Chanel每辦一場大秀，一整年的公關費都省了」，當然這有點誇張，但也從一個方面，反映出了這種非傳統類型時裝秀在品牌傳播角度的大力推動作用。

而服裝秀是否可以被看作是表演藝術的一種，這在目前是沒有定論的，很多人反對，是因為他們認為時尚相較於純藝術，在表達的內涵與深度方面，還是略顯淺薄；而贊同的聲音認為，這是一種非常重要且必要的存在，因為如果沒有了藝術，時尚就會失去原本最具吸引力的的生命力與美的創造力，變成與普通製造業沒有任何差別的「服裝工業」，如此這般，時尚將會變成一灘死水，再無魅力可言。從這個角度，我們應該為這些不停堅持自己並為時尚注入新的生命力的設計師致以敬意，因為是他們，讓這個產業，變得不那麼無聊。

Reference:

Duggan, G.G., 2001. The greatest show on earth: A look at contemporary fashion shows and their relationship to performance art. Fashion Theory, 5(3), pp.243-270.

Skov, L., Skjold, E., Moeran, B., Larsen, F. and Csaba, F.F., 2009. The fashion show as an art form. Creative encounters.

Diehl, M.E., 1976. How to produce a fashion show. Fairchild Publications.

（英倫圈推薦，原文刊載自圈哥的小夥伴「識尚東西」，轉載請註明。）