為什麼《愛樂之城》值得奧斯卡 14 項大獎提名？

第 89 屆奧斯卡金像獎 於 2月26日就要舉行頒獎典禮，《愛樂之城》（La La Land）繼「金球獎」全拿七項大獎後，又風風光光地在奧斯卡獲得 14 項提名，與《泰坦尼克號》、《彗星美人》並列最多提名記錄作品。不過，從電影上映到現在，除了一面倒的讚賞與驚嘆以外，互聯網上也出現了一股「質疑」的風潮，許多網友、影評人都對於這部電影能夠獲得如此高的讚賞表示「不以為然」。今天要來帶大家解析，為什麼《愛樂之城》完全有資格入圍奧斯卡這麼多獎項？

（溫馨提醒：文章中多少觸及電影劇情，怕雷者請斟酌閱讀。）

★ 最佳攝影、剪輯獎

從先前釋出的幕後花絮中，我們可以感受到整部電影的拍攝充滿了大量的吊臂裝置，因為攝影機必須跟著大型的場面調度不停更換構圖與位置，除此之外，還必須跟著音樂的節拍移動，在技術上必須要仰賴導演與攝影師十足的默契，以及天生的節奏感。也由於電影有大量的致敬與引用，在攝影機的移動上不僅該拍的都要拍進去，更要在這些經典作品的基礎上發揮攝影師的串連能力，不同的場景轉換又必須要配合節拍，整體的拍攝過程需要相當精細的計算才有辦法呈現出如《愛樂之城》正片中的完美銜接。

在《爆裂鼓手》我們已經看到導演達米恩·查澤雷對於電影音樂性、節奏性的要求，而在《愛樂之城》中這個元素進展成為不可或缺且相當重要的一環。擔任兩部電影剪接師的湯姆·克羅斯（Tom Cross）在對於電影畫面的音樂性相當有一套，不過《愛樂之城》在剪接上的難易度是高過《爆裂鼓手》的，因為大量的攝影機移動必須隨著不同的音樂有不同的節奏移動，場景的連貫讓《愛樂之城》的剪接無法透過太碎的畫面營造出整個場景的氛圍，反而要利用大場面的人員調度堆疊熱鬧氣氛。在攝影機、演員都有相當的音樂性之下，《愛樂之城》的剪輯工作成為了錄音室的混音機，才能讓各個環節完美合作，讓每個環節發揮最大的效用。

★ 最佳男、女主角、原創歌曲、原創音樂

《愛樂之城》這次有兩首歌曲入圍此獎項，分別是相當洗腦的〈City of Stars〉，以及艾瑪·斯通對於生命旅程自白的〈Audition（The Fools Who Dream）〉。前者以簡單但相當抓耳朵的旋律，包裝了瑞恩·高斯林 的角色對於好萊塢這個「繁星之城」的呢喃，這首歌串連了整個故事，以不同的節奏與編曲出現在電影的不同場景，對整部電影來說就像段落與段落潤滑劑。對於歌舞片來說，一定會有這麼一個串起整部電影的曲子，而歌詞也就簡單地說完了對於身在好萊塢的渴望與夢想。後者則是艾瑪·斯通從影以來最令人印象深刻的片段。

我們在《鳥人》裡面看到艾瑪·斯通對於飾演父親的邁克爾·基頓暴怒，連續快速的情緒在一線之間全部爆發，廣角鏡頭的構圖完全讓艾瑪·斯通的角色展現出外放激烈的演技。不過回到《愛樂之城》的這個橋段，艾瑪·斯通不僅透過演技講述一個關於他姑姑（阿姨）的故事，更要利用自己歌聲的強弱與停頓，述說自己在追求夢想中所遇見的困難，讓觀眾隨著歌詞一起墜入賽納河中。這兩首歌曲在詞曲創作的層面上都非常切題以外，前者悅耳地伴隨著整個觀影經驗，後者則貼切地讓艾瑪·斯通交出了一張漂亮的演技成績單。

男主角瑞恩·高斯林過去的演技稍微被定型為憨厚、溫暖有時候冷麵，在《愛樂之城》中仍然保持著一股溫暖的氣息，不過更展現出了一種身在好萊塢的世故與任性，成熟中帶有一絲玩心的表現更加強了這個角色所經歷的矛盾與掙扎，內斂卻又飽滿的情緒相當令人讚賞。另一方面，為了此片加強訓練琴藝與舞技的萊恩，在許多幕後花絮中都展現出現場彈奏的高超技巧，雖然本身能唱能跳，但如同《爆裂鼓手》主角邁爾斯·特勒 一般，這樣程度的角色準備以及最後所呈現的成果是相當優秀的。

這一切都出自於賈斯汀·赫維茲（Justin Hurwitz）之手。歌舞片與一般劇情片相比，在音樂製作上的空間相對開放但也相對限制，因為在串連劇情的過程中，不同的曲目之間必須有所連結，在編曲上必須要以同樣的曲子製作不同曲風，配合著故事的起伏。又因為此片大量使用了歌舞曲風，歌舞曲風涵蓋了爵士、搖擺樂…等不同樂風的元素，對於作曲家來說要在一部電影中使用如此大量的配器與編曲，以配樂烘托齣劇情的氛圍已經相當不容易，又能夠畫龍點睛般地祭出兩首帶有流行風格，夾雜不同情緒的歌曲作品（其中還有西部電影元素），正是受到奧斯卡獎青睞的原因。

★ 最佳服裝設計、美術設計

好萊塢是一個沒有時間性的場域，在電影的世界裡導演希望畫面是什麼時代，最後觀眾看到的就是什麼時代。而在《愛樂之城》中除了男女主角兩人的造型變化以外，更令人驚艷的是在片場背景中所出現的配角的造型，在致敬的跳台上，服裝設計瑪麗·索弗瑞斯（Mary Zophres）運用了自己在好萊塢工作的經驗，讓每個畫面看起來都像從不同的電影中擷取出來，卻又完美地交融在一起。在顏色的使用上我們可以看到電影的開場戲就相當講究，以最實際每個人都可能穿上的衣服，鮮豔的色彩在大太陽底下看起來沒有一絲突兀，創造出好萊塢多元、多彩、多麼有夢想的美麗場面。

美術設計在《愛樂之城》中也扮演著相當重要的角色，由於導演達米恩一開始就設想好了融合大量地經典作品，所有的場景與場景變化都成為美術設計相當重要的工作。我們看到萊恩與艾瑪相戀時所穿越的各個電影場景，都以後設的方式出現在電影中。《雨中曲》的斗舞場景，變成兩人誤闖的拍片現場，《瑟堡的雨傘》、《錦城春色》、《百老匯旋律》……等經典作品都變成了攝影棚的一環，在真實與虛幻的交錯之中，《愛樂之城》從電影的場景的設定就帶領觀眾快速瀏覽了一次電影史，豐富、精采又完美融合。

★ 最佳原創劇本獎

許多「質疑」的朋友們對於《愛樂之城》入圍「最佳原創劇本獎」頗有微詞，認為這個故事中的追夢、愛情、自我…等元素過於老梗。不過，達米恩·查澤雷最厲害的地方就在這裡，一個架構看起來平淡無奇的追夢故事，還串起了陳腔濫調的愛情邂逅，照理來說並不是這麼的吸引人。然而，正如我們前面所提到，將大量對於電影史中經典作品的致敬考量在內，又要做到讓一般觀眾也能看起來不吃力，達米恩在劇本的編寫上肯定下了非常多苦心。

另一方面，我們仔細深入這部電影的設定，這一個發生在好萊塢的故事，好萊塢對於每一個有明星夢的人來說，就像是有機會讓你觸碰到頂端星星的跳台，在這裡每個人都有機會成名，在這裡每個人都願意交換自己的一部分成為心目中耀眼的那顆星。這完美體現了在西方文化裡面人們對於「個體」的重視。如同我們在《少年時代》（Boyhood）漫長的 12 年旅程的最後，看到主角梅森開車往自己的大學出發，或許犧牲了親情、愛情甚至是友情，人們在流動的時間裡面還是回歸到自我個體的實現。

回到《愛樂之城》，陳腔濫調的作法或許可以讓男女主角私定終生，兩人將就於現況活得平凡，一個美好的故事就這麼開始。但正因為最後他選擇了成就自己，而非困在平凡的情感世界中，或許對於愛情至上的觀眾來說有些絕情，然而這個選擇發生在《愛樂之城》的故事中卻再正確不過，因為好萊塢、因為夢想、因為西方文化重視的自我實現，女主角做的就只是吃飯或吃麵般的選擇，也成就了這個愛情故事包裹的追夢歷程，美的實際卻又不同凡響。

★ 最佳導演獎

對於許多影迷來說，觀賞《愛樂之城》除了精彩的歌舞與動人的演技外，還有另一個樂趣就是從中感受到導演對於經典電影的熱愛。電影上映後不久就有非常多外國媒體整理了《愛樂之城》對於好萊塢歌舞片的致敬，包括舞步、場景、服裝…等等，甚至連鏡頭使用與構圖都與電影史有所呼應。對於電影愛好者來說，「看」懂電影的當下並不會有太多的驚喜，「讀」懂電影的那一刻感受到文本上與技術上的互相呼應，或許才是真正讓《愛樂之城》成為評審團心頭肉的原因。

導演達米恩·查澤雷的才華不僅是把這些經典丟進了一部電影中，電影裡頭大量的歌舞場面都是相當精緻的安排，不論在畫面構圖或是場面調度，導演達米恩都展現了強大的導演技巧，把舊的、經典的、傳奇的元素解構，以摩登的方式重新包裝，配合著兩人的愛情與追夢故事，產生了一個多層次的觀影經驗。對於一般觀眾來說，這個故事美麗動人且實際，對於影痴影迷來說，在上述的觀影經驗上面又增加了翻玩與呼應，猶如電梯一般提供站在巨人的肩膀上進入電影的世界，也能在平地的觀眾席感受影像的渲染力。

★ 最佳影片獎

許多觀眾、影迷、評論認為這個獎項更應該留給具有教育意涵、富有政治色彩，或是更加「正經」、「嚴肅」的劇本。去年拿下最佳影片的《聚焦》（Spotlight），故事內容講述波士頓最令人垢病的神父性侵案，在政治、正經與嚴肅等環節都得分，的確在各個方面都提出了令人省思的議題，且完善地發揮了電影之為文化傳播媒介的身分。然而，電影之於媒體與藝術甚至娛樂三者之間，《愛樂之城》能夠在娛樂的包裹下傳達出實現個體的教育性，甚至保有對經典的致敬、電影史料的引用…等藝術價值，對於電影產業來說的確是一個各面相都做的相當紮實的作品。

《愛樂之城》好不好看見仁見智，但它可以被放進教科書是無庸置疑的事實。