蜂巢4、5月展推出張德建、李文光、於林漢三位藝術家 探討多維度的繪畫

蜂巢當代藝術中心4、5月展覽開幕，推出三位藝術家： 張德建、李文光、於林漢的個展。左起：藝術家於林漢及其展覽策展人楊鑒、藝術家李文光及其展覽策展人趙小丹、藝術家張德建、閆秉會、夏季風。

(雅昌藝術網訊)2017年4月16日，蜂巢當代藝術中心4、5月展覽開幕，推出了三位藝術家： 張德建、李文光、於林漢的個展。三位藝術家的創作均是繪畫，且都會空間有不同方式的探討。

藝術家張德建在開幕式上發言

其中A廳推出的張德建個展：「形式的意味：張德建繪畫三十年」。呈現張德建自上個世紀八十年代至今的繪畫作品，並以近年創作的布面與紙本作品為主，同時輔以資料文獻，梳理藝術家的創作路徑。

藝術家張德建1952年出生於天津，1989年碩士畢業於天津美院油畫系後留校任教至今，一直以來，這位藝術家以無限趨向內觀的方式推動自身的繪畫實踐，但卻幾乎不為藝術界所知。

張德建個展現場

與絕大多數學院背景出身的國內畫家一樣，張德建在創作初期也受到「蘇派」寫實體系影響。20世紀80年代後期西方文藝思潮洶湧東來之時，就讀於天津美院的張德建對印象派、後印象派、野獸派、表現主義、抽象表現主義及新表現主義等流派做了深入的研習。1998年，他曾公派赴比利時安特衛普皇家美術學院留學，在那裡，他充分地接觸了西方現當代藝術的真實狀態：頻繁而日常化的展覽、藝術與生活不分彼此、各種觀念和媒介不斷湧現，一切都向藝術家呈現了完全不同於中國學院以及新潮美術的另一番洞天。

1990年代初，在藝術家的個體繪畫意識覺醒後，將繪畫作為一種有效的進行自我認知的方式，張德建開始探尋切入繪畫實踐的個體路徑。在他的早期作品中，形象從來沒有缺席，這些作品既從容不迫，帶著整體的氣定神閑，色彩精道而節制，雖然仍帶有馬蒂斯等現代大師的影子，但也包涵了很多他感性深處比較恆常的審美傾向，比如他對強烈體量感和衝擊力的反感、對整體造型質量的注重、對輪廓線的細膩運用，這些特質在後來趨於抽象形態的畫作中仍然潛在著。

張德建嘗試在繪畫中捕捉一種靜態觀看氛圍中的流動意識，在他的畫面中，靜止與運動之間似乎達成平衡。狹義地說，在複雜的繪畫行為中，形式是唯一能夠直接被眼睛辨認出來的維度。對任何一位畫家而言，關於形式的理念和經驗都是至關重要的。張德建反求諸己、不求於外，所謂的畫面內容無非就是形式所攜帶和暗示出來的信息，形式建構並非為了語言內部的完美，而旨在將個體內在精神表現於外的精確性。基於這一點，2010年後他的繪畫接近於純粹的抽象效果就是順理成章的事情。他的用色和用筆不斷走向簡約和純然，沒有一點滯重感，質感清亮舒展、活潑爽利，乍看閑情逸筆，但凝視後就會發現這些輕柔的光色伴隨著自由的筆意，呈現出呼吸般的動感。從色彩關係和畫面節奏感來看，可謂秩序井然，色彩如隔薄霧，色相卻通透清澈，在整體的灰色基調中閃爍著不易察覺的光感，被陌生化了的空間感走向介於虛幻與實有之間的中間狀態。

縱觀張德建的繪畫實踐，他對朝向內在視野道路的探索從未間斷，而作為他摸索並檢驗心中藝術哲學的中間載體就是繪畫。儘管在充滿不確定性的「中間區域」中看不到任何明確的信號，但這一切並不冰冷，反倒透出人性的溫情，可見他對手感和性情的維護。一個人的「自我」是虛妄和無法確定的，或者說它是流動的，風格樣式都無法對「自我」進行證明，因為「自我」從來不是固定之物，它也是一個「中間物」，接受著不同的衝擊，一直有待再造。對張德建來說，這種再造並不必對應外部世界的活動，而旨在激發自身的無限可能性。他以無限趨向內觀的方式推動自身的繪畫實踐，是當下非常獨特的個案，對進一步討論中國當代繪畫實踐的複雜性和深刻性具有珍貴的認知意義。

右一：李文光展覽策展人趙小丹，以及右二：藝術家李文光

在B廳推出了藝術家李文光的同名個展。展覽由青年策展人趙小丹策劃，呈現藝術家李文光的近年創作。

李文光，1985年出生於上海，自2004年繪畫創作至今，依靠自身純然的創造力，已然建構了一個能夠盛得下其內驅力的純粹世界。

李文光早期的作品具有某種格物性質，弗洛伊德的精神分析法亦在當中扮演一定的角色。儘管結構化是李文光關注的主線，《盆栽》、《浮石》、《向日葵》等作品肇示著其作品來源的現實性，實際上並不同於荷蘭風格派藝術家杜斯伯格對諸如將一頭牛也即具象的物通過不斷簡化，從而達到抽象效果，其所採用的是完全不同的方式。從最近的作品來看，李文光的思維導向要更為偏向純粹數理邏輯一方，且作品數理化作為他從早期創作至今，一直延續並且將會著重考量的因素。同時，不可忽略超現實的顯影依舊在某些作品的名稱以及抽象圖式當中以某種詩意化的方式存在，比如新作《雨季》，像是歷經持續凝視產生移情效應之後，反向衍射出了某種具有與作品本身相悖的詩性。這種詩性特徵一者是來源於在創作者自我著重的點與呈現之物之間，會有一個創作的實在界存在，它涵蓋了其作品當中無意識的一面;一者是由於當中看似無限重複的線條由於繁密度極高的手工性賦予了作品人性化的特徵，之中線條的不完滿，不同形態線條之間的銜接，以及試圖縫合的痕迹著實令人著迷。

藝術家李文光導覽作品

具體到李文光的創作的方法，似乎與對時空線性結構的認知相關，畫面以紅藍以及灰黑色為主，同時看似繁密的畫面構成僅僅是以「一」、「+」、「1」為基調。另外，因其作品底層網格線的設定，上層的宣紙拼貼以及第一次樹脂的加入，繼而塗抹顏色之後再加一層樹脂，內部中性水筆的線條，參差的帶有碎屑、絲縷意味的邊緣，與摻雜了地域性顏色的，在生成與呈現類似於超現實狀態的軟物質中，造就了質感上的愉悅。這一混合了日常因素與超現實元素的愉悅感，與畫面當中的數理公式，產生了某種意義上的交融。於是，整個畫面並非從一個點開始並向外擴張的衍射，底層的網格印證著紙本拼貼之前裁切式工作，同時，這也可以看做是對於現實移植的佐證。也應注意到，在李文光作品底層線條與上層拼貼結構，之中存在的縫隙、扭曲以及變體，是在模擬宇宙維度當中存在的非一致性結構。對於李文光而言，思維導向高處，與其線條與鑿刻等繁密的手工性勞作之間，存在著某種互補關係，加上瓷磚等現成物品的介入，增添了一層沉重的質感。

策展人趙小丹導覽作品

具體到本次展覽，其中參展作品從其早期至今都有擇選，可以清晰的感知他近年來創作的演變，展廳凹處以40塊等大瓷磚為材料創作的作品平鋪於地面，並且之中有與現成品相結合，試圖營造出一個淋浴間的效果。在此，他所呈現出的是藝術最終是一種訴諸生活、訴諸日常的精確化體驗。以其同名個展命名亦有此用意，從某種程度而言，均為藝術家意志存在的確證。

藝術家於林漢導覽作品

另外，C、D、E三個廳呈現了年輕藝術家於林漢的個展。

1990年出生於北京的於林漢，2009年與2013年分別畢業於中央美術學院附中和中央美術學院油畫系第三工作室，2014年遠赴德國進入德國不萊梅藝術學院自由藝術系，並於2016年獲得碩士學位，2017年開始於不萊梅藝術學院跟隨導師斯蒂芬·葆姆科特(Stephan Baumk?tter)進行大師生學位的學習。於林漢自2013年起多次在中國、德國、奧地利參加群展，曾獲奧特斯伯格藝術獎、Werner Kühl藝術獎、第40屆不萊梅藝術獎等多個獎項提名。本次展覽由青年策展人楊鑒策劃，將呈現藝術家充滿個人性和實驗意義的近年創作。

於林漢的創作順延自己的肉身經驗與行事邏輯，從中倒模個人化的工作模式，這種個人化的方式輸出的不僅僅是繪畫和圖像製造，也是在創造一套個體經驗基礎上的繪畫方法與機制，建立能夠填補自身情感間隙卻又能保持穩定推進的繪畫程序，讓作品在看似穩定與理性的狀態之中透露出不安的情緒與迷人的破綻。

鏈接於林漢繪畫程序步驟之間的邏輯是後者對前者的描摹，然而並不等同於複製，而是再次生產了形式，對於藝術而言形式又是重要的內在價值，再次的形式生產又像是再次生產了與描繪對象有關的理念，同時也標記、印刻和實現藝術家自身的某種情緒。這種描摹程序不滿足於對上一階段進行一種技術語言的轉譯式的記錄，更像是對之前進行標註，以此已知的、安置好的對象的觀念作為固定的、可以確認的信息，去實現一種開敞，它所趨向的是一個意義額外的意義，像是進一步發明自身、發現自身、喚醒自身。這種程序可以被看做是一個形式生產的事件，使形式被生產，藝術家的感受能力被記錄。

藝術家於林漢與策展人楊鑒

將自身打斷，再出發，在不斷的反抗與消解當中再生產形式，構建自己對於繪畫的言說方式。於林漢繪畫實踐中的程序感與邏輯性在當代的繪畫試驗中顯得充滿了個人性和實驗意義。禁慾系的節製表達，安靜冷峻的視覺成功也透露著極富魅力的「破綻」。藝術家將自己的作品比作「咳嗽之後的短暫體會」，像是一種病痛中的短暫舒緩和觸發精神性的緩釋。

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