動作之美——迪士尼的動畫電影藝術

從無聲到有聲，從黑白到彩色，多平面攝像機的問世……迪士尼製片廠從發展之初就體現出對於技術創新的執著追求，來真實表現它鏡頭下的動畫形象。

自2016年10月14號至2017年3月5號，巴黎趣味藝術館策划了一期特別的展覽，「迪士尼動畫電影藝術展——因自然而生動」： 30餘部迪士尼動畫里的400多幅草圖以及手稿通過精美的智能顯像屏展現在觀眾眼前。在華特·迪士尼動畫研究所的協助下，博物館館長讓-雅克·洛尼耶（Jean-Jacques Launier）讓人們回顧了迪士尼公司是如何在發展過程中打破固有觀念，不斷創新的。

隨著時間的流逝，迪士尼電 影作品已經成為了電影史上的經典。而它們在誕生之初，在藝術層面以及技術層面所實現的創新成果卻是有著革命性的。

1928年問世的《威利號汽船》標誌著由Ub Iwerks所創作的米老鼠米奇形象與大眾的第一次見面。這是迪士尼公司所發行第一部短片動畫電影。如果說直到今天電影都還會在放映時奉上一段由一位或多位音樂家演奏的配樂，那麼電影配音則實現了和動畫節奏的完美同步。每一個音符，每一聲動靜，都與人物的動作完美契合，聽起來就像是從銀幕里發出來的一樣。動畫史學家查爾斯·所羅門（Charles Solomon）在他的參考書《迷人繪畫樣式的歷史》中寫到：「當米老鼠在電影開場時鳴響比爾號汽船的時候，他同時也無意識地敲響了美國無聲電影動畫的喪鐘。」

同樣地，在著名系列作品《糊塗交響曲》(Silly Symphonies)中的一部短片作品則為讓觀眾開啟了彩色動畫電影的時代——《花與樹》，這部電影獲得1932年奧斯卡最佳短片動畫電影獎。

生命以外別無其他

1935年時，華特·迪士尼寫道：「我覺得我們肯定創造不出什麼以現實生活為基礎的驚艷的事物，除非我們能很好地了解現實生活。「要將真實性注入到動畫創作的意願也使得迪士尼公司的藝術家們不斷地從周圍真實世界獲取靈感，依據自然事物創作。

1937年在美國首映的《白雪公主與七個小矮人》（Snow White and Seven Dwarfs）是電影史上第一部長篇動畫，是由迪士尼製片廠的工作團隊設計的多平面攝影機拍攝而成。它能同時拍攝多部膠捲，這樣就能在得到第一個平面的圖像後，還能得到後續的多個平面，這樣在拍攝畫像時就營造出了一種和拍攝實物一樣的立體效果。

1940年的《木偶奇遇記》（Pinocchio）是他們製作的第二部長篇動畫電影。該片以木偶為主角，拓寬了動畫角色的範圍，木偶的表情和動作都像極了一個真正的小男孩。這部片在藝術方面的高級之處在於它加入了一些前所未有的特效，例如仙女手中的魔法棒，還有海底世界裡那些令人過目難忘的場景。

《幻想曲》（Fantasia，1940）則在視覺和聲音方面實現了一次大膽突破。這個作品是迪士尼動畫自《威利號汽船》起就不斷嘗試的結果。這部交響樂式作品共分為七章，理念前衛，畫面炫目，內容豐富，既有創世紀的場面，又有一群穿著短裙的河馬組成的芭蕾舞團。而一些純粹以色彩和光影為內容的場景自身也成為了一幕幕抽象的視覺作品，隨著音樂節奏變換。這種藝術形式的創新也同樣在《小飛象》（Dumbo，1941）里湧現，通過人物的幻覺以及夢中的場景將電影與這一時期著名超現實主義作家的作品聯繫了起來。

迪士尼動畫電影的很大一部分美學靈感都來自於現實生活，觀察那些最普通的日常和做本能的動作，通過精美的繪畫或是人物的動作將它們以獨特的方式在作品中重現。在華特·迪士尼的支持下，動畫家埃特·巴比特（Art Babbit）率先引入了以鮮活生命為動畫模特的做法，以使得動畫師們在理解人物外形和姿態時更加有靈感。

在製作《小鹿斑比》（Bambi，1942）時，一些幼鹿甚至在攝影棚里蹦跳雀躍，為的是動畫家們能夠仔細觀察它們移動的方式以及從解剖學的角度分析它們的動作效果。

這種從現實中汲取靈感的做法從未停止過：半個世紀過後，為了製作《獅子王》（The Lion King，1994），一頭小獅子踏進了製片廠的大門。動畫師們通過觀察它的動作和姿態，來刻畫辛巴（Simba）和木法沙（Mufasa）。

上世紀50年代標誌著以設計和現代性為重心的新藝術浪潮的到來。在迪士尼公司內部，這一藝術運動通過一系列長篇動畫電影的創作來體現，如《愛麗絲漫遊仙境》（Alice in Wonderland，1951）、《睡美人》（Sleeping Beauty，1959）、《101斑點狗》（101 Dalmatians，1961）這些作品至今仍被不斷提及。這一時期的動畫電影樂於採用扁平視角，展現精美的畫面設計，這構成了現代性運動的一大特徵。而每部電影的視覺風格也深受畫家風格的影響， 他們有些以及成為了傳奇性人物，如艾溫德·厄爾雷（Eyvind Earle），瑪麗·布萊爾（Mary Blair）以及華特·皮瑞格依（Walt Peregoy）等。

作為第一部在寬熒幕上放映的動畫，《小姐與流浪漢》（Lady and the Tramp，1955）的動畫家們藉助這一新技術在很大程度上體現了影片的現代性。這一放映技術允許影片在一個更寬的屏幕上放映，也就能展現出更為宏大壯觀的背景環境。

身為《睡美人》（Sleeping Beauty，1959）一片的美術指導，艾溫德·厄爾雷在中世紀繪畫與現代美術設計之間架起了一座橋樑。複雜宏大又有著強烈視覺衝擊力的「觀念藝術（concept arts）」正是他的繪畫風格從建築學角度追求純幾何美感的見證。

從這個角度講，《101斑點狗》，可以說在環境與人物構建上達到了一個頂峰。華特·皮瑞格依的概念藝術在這部片子里選取了一個更為抽象的維度，形式的簡化和虛化的配景賦予了作品以立體派的繪畫風格，觀眾在觀影時可以看出大塊色彩填充到線條輪廓里的痕迹。

《森林王子》（The Jungle Book，1967）是華特·迪士尼生前製作的最後一部動畫電影，距離第一部長篇動畫電影《白雪公主與七個小矮人》的問世正好過去三十年。這部作品的誕生標誌著動畫電影走上了更為寫實主義的發展方向。在過去十幾年關於現代性的大膽嘗試之後，這部電影將重心放在了表現人物個性魅力與緊密的角色關係上。

二十世紀八十年代，創作出早期迪士尼代表作品的藝術家們將接力棒交給了新一代的設計師和動畫師，這些人自身便是自孩童時期就深受迪士尼動畫的影響。憑藉他們在藝術與技術方面驚人的革新能力，迪士尼再一次投身於全球範圍內興起的動畫黃金時代。如果說1986年上映的《妙妙探》（The Great Mouse Detective）與1988年的《奧麗華歷險記》（Oliver &； Company）是這一藝術復興的標誌，那麼1989年上映的《小美人魚》（The Little Mermaid）則又一次將迪士尼公司的創新能力推到了時代前列。該片有著獨具一格的敘事方法，風格類似百老匯的音樂劇。它的成功標誌著以新一代藝術家裡的傑出人物為代表的新一類動畫藝術派別的出現，格蘭 吉恩便是其中一員，他參與監製了《小美人魚》中愛麗兒的動畫製作。也有傳聞說，多虧得他，迪士尼公司才聘請到蒂姆·伯頓（Tim Burton）和約翰·拉賽特（John Lasseter）。

《獅子王》是迪士尼動畫的一部巔峰之作，它的成功一方面得益於於創作團隊從非洲之旅中獲得的創作靈感，一方面要歸功於傳統動畫與計算機動畫的完美結合。我們可以觀察到，自然元素以及它們的圖像化處理技術在迪士尼的經典之作中向來佔據著重要位置，例如閃電，風沙，火焰等景觀。

從許多方面來看，《長發公主》（Tangled，2010）都是一部開啟了計算機動畫時代的轉折之作。為了達到一個完美的效果，藝術家們需要坐在一起，講傳統技術與數字技術進行一番比較，以得出所謂的「兩個世界中的優勝一方」。

如果說畫家們筆下的畫紙經常會被繪圖儀所取代，從今以後走向數字化的「概念藝術」相比水彩畫與鉛筆畫提供了更高的圖片強度。電腦成為了畫家們手上的一個新的工具，而它也使得自華特·迪士尼本人開始便追求真實感的原則得以延續：正是這樣，在製作《冰雪奇緣》（Frozen，2013）時，一個專門的軟體被設計出來，它可以生成2000片不同的雪花，為的是實現落在熒幕上的雪花看起來都是不一樣的，正如自然界的真實情況一樣。

自創始之日起，迪士尼公司都不僅僅滿足於實現人物與環境的動態化，而是要截取處於動態的真實世界，並超越它。

翻譯：DaringDabbler 校對：Piggy

迷影網(Cinephilia.net)創立於2010年，聚焦於創作和搜集最好的華語電影文字內容，翻譯傳播海外電影學術界和評論界的聲音，用更為生活化的方式解讀電影，結合編輯部、專欄作者群以及所有願意分享個體電影體驗的讀者們，共同創造出中文世界裡獨具特色、質量兼備的電影網站第一品牌。