作為身價最高的網紅，他50年前就玩直播了

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在時尚圈裡如今還流行著復古風，而在混跡時尚圈20多年的潮人·蟬來說，這些復古都是小意思。

因為最近我發現了一組感覺很潮很復古的照片，是我認為安迪·沃霍爾這輩子都想刪的照片。

真·大頭照

只能面露尷尬的圍笑

成為一個洗澡都面帶歡欣的好孩子

以及，如果我是安迪·沃霍爾，這輩子再也不想看的一張照片。

媽

你看我

這小紅臉蛋可愛嗎

這簡直是沃霍爾最呆萌的一副照片，畢竟我們平時看到的安迪·沃霍爾是這樣的：

所以，今天潮蟬就想聊些藝術圈，說一下這位看上去柔弱多病但又牛逼的藝術家。

在地下室的第18人

安迪·沃霍爾出生在1928年，當時正好是美國經濟大蕭條時期。

作為從斯洛伐克移民而來的家庭，安迪·沃霍爾的父母並不富裕，所以從小住在貧苦區的安迪·沃霍爾在長大之後回憶，曾經童年的那個家，是他到過最破的地方。

但就算是這樣的環境，安迪的媽媽卻給了他最大的愛。

在安迪·沃霍爾8、9歲的每一個暑假，他都會得一種叫「風濕性舞蹈症」的病，而這個病讓他對外界越來越敏感和自閉。

而他母親卻經常給他帶回電影雜誌、彩色的書籍漫畫，讓安迪自己做拼貼玩。每當安迪畫完一幅畫，他母親都會獎勵他一塊巧克力。

可能是受到母親的從小啟發，才讓安迪在他未來藝術的道路上能那麼牛逼。

長大後的安迪，考上了匹茲堡的藝術學院，在畢業後的一個星期，也才21歲的他，他離開了匹茲堡，帶著他的幾幅作品和一個小箱子就來到了紐約，開始想著以商業插畫為生。

剛開始在大城市謀生也並不容易，為了省錢他不停的搬家，跟17個人住在地下室里。

一次他帶著作品去《時尚芭莎》辦公室，拉開作品集拉鏈，竟然還有蟑螂爬出來，這讓內心明感的他，下定決心一定要在紐約這座城市被所有人都知道。

憑什麼這些都能算是藝術

艾迪·沃霍爾在開始自己的藝術創作的時候，處於美國工業發展的頂尖時期，在這個商業高度發展，人們消費旺盛的時代，一件物品似乎更能代表在這個時期里，藝術的追求。

所以，他選擇第一幅畫就畫可口可樂。

因為他喜歡喝可口可樂。以及，只有可口可樂才能代表著一個平等的社會。

五支可樂

一牆可樂

之後，他又開始畫罐頭。

不同口味罐頭

沃霍爾在買罐頭

安迪·沃霍爾認為，在一個消費型社會中，這些商品更能代表這個社會所有人的真實需求，而這種最膚淺、最常見的物品成為藝術品後，反而更有這個時代的藝術價值。

就連吃漢堡都能作為一個藝術作品被追隨者們拿來各種分析。

網紅直播吃東西的梗

他早就玩過了

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對於安迪·沃霍爾來說，他的所有作品都是商品的複製，但作品裡的那種單調、無聊和重複，也更有工業社會的冷漠、空虛、疏離感。

就像是流水線上批量生產的罐頭一樣，複製的藝術，其實體現的是這個時代的意識，而並非再是刻意追求藝術創作中的獨特性。

但在當時還是很少有人能理解這個概念。

在1962年，安迪·沃霍爾第一次在洛杉磯畫廊展出《金寶湯罐頭》的時候，引發了很多爭議，畢竟這種滿大街都有的罐頭怎麼就能成為藝術了呢？

並且就在安迪辦展的隔壁畫廊就開始以60美分3罐的價錢賣金寶湯罐頭，就是為了諷刺安迪·沃霍爾的藝術。

但，這些其實並不會影響到安迪的藝術創作，他依舊用著自己的理念去創作藝術，比如大香蕉。

比如瑪麗蓮夢露。

比如錢。

所有值得消費的消費品，他都可以當做藝術品。畢竟他很早就知道，這個年代最後的生意就是藝術。

成為一個藝術家的代價

在他把自己的藝術形式越做越牛逼之後，他被藝術界的人稱為波普藝術的發起人和倡導者。

波普藝術意指popular art，大眾流行時髦的一種藝術表達。所以對於安迪·沃霍爾來說，藝術，最重要的是一種想法。

他用作品諷刺著藝術，用藝術消費著這個被消費的社會。

在安迪·沃霍爾來看，錢，和藝術，是完全不衝突的。

「商業藝術(business art)乃是藝術(art)的下一個階段。 賺錢是一種藝術，工作是一種藝術，而賺錢的商業是最棒的藝術。」

在陳丹青為《安迪·沃霍爾的哲學筆記》作序里寫到：

沃霍爾以無辜的自私、病態的天真、備受困擾的好奇心，

以及對任何外部信息與內心活動的天然平等意識，

向我們證明什麼才是自由和誠實。

沃霍爾的藝術更像是一種以原始方式呈現本質的表達方式，就連他的電影作品也是。

在1963年，他拍一個男人睡覺，做成了6個小時的電影。

他在1964年的紀錄片，就是用一個固定鏡位拍攝紐約帝國廈從天黑到早上的八個小時。

你們感受一下，

這個畫面要看8小時。

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這估計才是安迪·沃霍爾的藝術品雖然看上去毫無創作可言，但依舊能代表著這個時代的藝術行為。

安迪·沃霍爾說：

在六十年代，每個人對每個人都感到興味盎然。

在七十年代，每一個人開始拋棄每一個人，

60年代吵吵嚷嚷。 70年代空空蕩蕩。

就在這樣繁亂又空虛的時代里，安迪·沃霍爾抓住了藝術、時尚、快速消費、明星，成就了他的藝術高度。

但他的知名度也讓他付出了代價，1967年的秋天，安迪被一位極端的女權主義者刺殺，所幸的是活了下來，而這件事竟然還能被拍成一部電影。

安迪·沃霍爾心真大。

但是被槍擊之後的沃霍爾一直處於槍傷的併發症中，直到1987年，安迪死於外科手術。刺殺他的維米莉判了3年的有期徒刑。

似乎沒人能比安迪·沃霍爾更波普了。也許這個浮躁又簡單的時代，它所需的永遠就是最直接的藝術。

而安迪·沃霍爾，從商業產品最本質發覺它自身的美感，將生活和藝術相融合，更貼合了人們對藝術的理解和需求。

在他那麼多的作品裡，他總能將商品和藝術完美的結合。

比如，在1979年，他為BMW創作的藝術車。

安迪說，我喜歡這輛車，它比藝術品更加迷人。

從40多年前，第一輛BMW藝術車由藝術家亞歷山大·考爾德Alexander Calder在BMW 3.0 CSL上進行繪畫，創作了第一輛寶馬藝術車。

該車於1975年參加了勒芒24小時耐力賽，並備受青睞。

從此在這40年多年裡，BMW就邀請一位又一位的藝術家創作了18輛BMW藝術車。

1967年，Frank Srella 設計的第2輛藝術車

1995年，David Hockney設計的第14輛藝術車

2017年，曹斐設計的第18輛藝術車

第18輛BMW藝術車將多媒體藝術和實體車身相結合，打造出了一部穿越時空與現場的裝置藝術作品。

通過一部視頻短片、一款app應用和這架整體塗裝為黑色的車，構建了「三位一體」的互動裝置。只要掃描車身，就能將光線和多媒體技術融合，把色彩和花紋投射在黑色的車身上，而這部黑色的BMW藝術車，也正是對「黑科技」的致敬。

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從虛無的光線，和多變的花紋設計，以及黑色的車身，體現了虛擬和現實、「有和無」的這一哲學思考。

這部第18輛藝術車，將光線、藝術、速度，和未來世界的科技融為一體，體現了在這高速發展的中國社會的發展進程中，從有到無，從技術到科技，未來的世界將會進入減少人工操作的一個高科技「無人之境」的狀態之中。

藝術家曹斐將光線作為「介質」，從黑色作為虛無的出發，卻又在黑色的車身上，點亮了繽紛的色彩。

曹斐設計的第18輛藝術車，超脫了對「車」的固定視角，用新科技代表未來無數的可能性，從而讓人感知到未來向更豐富的全景世界延伸。

未來有無限的可能，藝術也有著無限可能，就像是當年安迪·沃霍爾作為第18個地下室租客，他也沒有想過，未來的藝術會有這樣的走向。

就像是這第18輛BMW藝術車一樣，它承載的未來和可能性，也是如此的與眾不同。

誰知道未來的藝術，又是如何走向呢？而這種無法預估的期待，難道不是更讓人期待么。

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