唱片听感的差异——巴赫无伴奏大提琴组曲

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在进行音乐赏析时，听友对于一张唱片好坏与否的判断可能由主观的听觉感受决定，但实际上，从作品类型、乐手的演奏表现力到前期录制、后期混音、母带制作，再到唱片载体，听音环境和重放设备，每一个环节都会成为影响我们听觉体验的因素。今天，我们先不去谈不同音乐风格和作品类型，而主要分析不同唱片带来的听感上的差异。

这次选择的是巴赫的《无伴奏大提琴组曲》第一首第一乐章前奏曲（Prelude），作品编号BWV1007。这首曲子曾被众多大提琴演奏家演绎过，也是大家相对熟悉的曲目之一。相传这首作品写于1717至1723年间，也就是巴赫担任柯登的宫廷乐长期间，据说能找到的最早乐谱还是其续弦安娜的手抄本。选择这个作品进行分析的优势在于，相比起分析大乐队需要先分辨不同乐器组的音色、在水平和纵深上的位置等等，单件乐器更易入手。

首先说下最直观易感的区别——信噪比。

大家可以听一下Casals的版本，在第一个音出来之前，就能够听到明显的底噪，并且这样的噪声是伴随着整个乐曲的，甚至有些时候会分散掉一部分的注意力，这种情况就可以称作“信噪比低”。信噪比顾名思义，就是信号与噪声的比值，当我们需要的有效信号相同大小时，噪声越大，则信噪比越低。

从封面就能够看出，目前这张出版于2000年的唱片，实际上是对于1936年的录音进行修复的版本。由于1936年的录音技术远远逊色于现在，当年的载体也决定了记录下来的版本无论在音色还是动态上都会有所欠缺，加上随着时间而形成的损耗，这一切导致了即使经过修复也仍然难以改善的低信噪比。然而衡量唱片好坏的标准不是单一的，这张唱片虽然在信噪比方面有着明显的劣势，但乐手对于曲目深刻的理解以及优秀的演绎，仍然使得它成为很多人心目中首选的版本。

在没有其他乐器的情况下，大提琴在水平方向上居于正中，这毋庸质疑。那么在纵深上呢？笔者建议大家尝试听一下匈牙利大提琴家Csaba Onczay的录音版本，相比起德国大提琴家Maria Kliegel的录音版本，Csaba Onczay的录音会明显更人感觉大提琴更远，这就是在纵深上位置的不同。

影响到我们对于远近的定位常见的两个因素分别是声压级大小和混响效果。通俗地说，如果大提琴声音相对比较小，基于“近大远小”的简单逻辑判断，我们从听觉的直观感受能够推断出大提琴可能距离我们是较远的。

另外，想象一下将耳朵贴在大提琴上，此时我们听到的声音干涩且单薄，对于很多听友而言，这与我们认知中的大提琴音色有着天壤之别，而这种区别就是混响带来的。我们所熟悉的声音，不仅有声源直接传达到人耳的，还有许多经过复杂反射之后的声音信号，这些声音信号也因此包含了不同房间的声场环境特性。人耳对于声音的定位原则其实很简单：在一定范围之内以先听到的为主，简单地说，当直达声的比例比混响声大很多，也就是所谓的“声音较干”的时候，我们容易感觉到乐器距离近。

如果要分析曲目之间混响的区别，有一个简单的方式是听乐曲的尾音。比较一下Torleif Thedéen的录音以及Alexander Rudin的录音版本，在结尾的部分，区别是比较明显的，有空间大小的区别，也有发送量的区别。

事实上，混响不仅能够影响到声源在纵深方向上的定位，还会在一定程度上影响到最终听到的声音的音色。大家应该都已经很熟悉，频率与音色有着密切的联系，比如高频可以对应“明亮的”或是“刺耳的”，中频对应“丰满的”“厚重的”，而低频可能对应“有力的”“压抑的”等等。在自然声场中，声音从近处向远处传播的过程中，由于空气阻力的存在，会导致自然衰减。而高频的衰减相对低频会更快一些，因此混响声中高频的分量相对会更少，也因此在有些情况下，增加混响的量可以改善高频的刺耳感。当然，万事总有正反两面，混响的量过多也会导致声音听起来模糊不清、缺乏细节等等。

当然，审美是非常个人化的事情，即使混音师在进行制作的时候出于不同的考虑进行参数的调整，我们也无法明确地说某一版本就比另一版本更好。笔者在此仅希望通过简单的分析帮助大家选择更适合自己的乐曲版本，以资交流。丰满迷人的大提琴，缓慢悠扬地铺垫在声场的氛围里，分弓起，顿弓落，一切分析都是为了更好的欣赏，希望大家能够享受这一首经典的无伴奏大提琴曲。

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