博物館第十一茶?不止是有趣的泰特現代美術館Tate Modern

最新 09-24

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LET S STAR

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......

可不可以說

一株檸檬茶

一雙大力水手

一頓雪糕梳打

一畝阿華田？

可不可以說

一朵雨傘

一束雪花

一瓶銀河

一葫蘆宇宙？

......

西西《可不可以說》

到底什麼可以說

到底什麼是藝術

一首有意思的詩

打開

一個有意思的Museum

封面圖小花絮

詳情至文末

這幾天是跳蚤蕾子的水逆期，翻閱起兩天前泰特現代美術館的觀展照片，歌單里正好播放起《Dancing Under the Stars》，風拂簾動，豁然開闊，一下子心情好得不得了，想和閱讀中的你分享蕾果在泰特現代美術館所見之感動，請打開音樂吧。

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泰特現代美術館由一座發電廠改造，坐落於泰晤士河南岸，橫跨千禧橋與聖保羅大教堂隔岸相望，設計精妙，位置極佳，專門收藏20世紀現代藝術，畢加索、馬蒂斯、安迪沃霍爾、蒙德里安，達利的作品吸引著世界各地的人，在美術館六樓餐廳可以邊享用美食，邊觀賞泰晤士河流的生生不息。

Tate Modern

Bankside, London, SE1 9TG

Sun.~Thur. 10:00-18:00

Fri.~Sat. 10:00-22:00

泰特現代美術館採取的主題性呈現方式部分是基於其收藏的特點——因其深度不足以支撐起一個內容豐富，按照藝術史演進的現代藝術展。但這種非歷史性的展示背後也包含了一種後現代的態度——拒絕用單一的方式來進行文化分析。除了獨特的、線性的歷史線索，對於同一批館藏來說，有許多不同的視角可以呈現藝術創作。

泰特現代美術館館藏展廳外牆壁上的時間軸局部（該圖來自網路）

在這裡沒有唯一的真相，卻有很多的事實；不是編製一個故事，而是串聯起很多故事。其中的每一個真相和故事都可以從一個連貫的視角表現過去，以及過去與現在的關係。在泰特現代美術館，傳統的藝術編年史與主題性的展示並存，這從館藏展廳外牆壁上的時間軸可以看出來。

～滴～滴～滴～

小長文的旅程開始了

請乘客做好準備

Creativity is part of human Nature. It can only be untaught. [Ai Weiwei]

創造力是與生俱來的一個部分，它是無法教會的。——艾未未

創造力是點亮世界的光

奧拉維爾?埃利亞松(Olafur Eliasson)

1967年生於丹麥首都哥本哈根

1989-1995于丹麥皇家藝術學院學習

於2017.3在冰島新落成的工作室

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丹麥藝術家奧拉維爾?埃利亞松(Olafur Eliasson)的裝置藝術

奧拉維爾是在我看過實物展示後，深深為其著迷的當代藝術家。奧拉維爾生於二十世紀後半葉，在無邊的網路資源中可以接觸他的眾多作品，「光」和「氣象」是我們可以從眾多作品中感受到的共同氣息。展示顛倒的瀑布、雙重落日、令人迷戀的浩瀚宇宙，奧拉維爾在自然界的廣闊思維和自由的意識形態都飛進了他浪漫直接的藝術作品中。他對裝置藝術，展覽的形式感把控極其到位，充分利用展廳的每一個空間角落，每一個視覺角度，每一絲光亮，是藝術家必備的素質，奧拉維爾是我有限的見識里做得最好的。

其他作品（非泰特現代美術館展出）

Atmosphere with Orbiting Light, 2016

Orbital Life, 2016

2017work from studioolafureliasson

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2017work from studioolafureliasson

藝術的現代性

很多人在踏進當代藝術館時會有看不懂的感受，尤其在看到抽象流派作品的時候，常常不知所云，久而久之就會慢慢止步對當代藝術的了解。

Composition B (N0.ll) with Red -- Piet Mondrian(左)

Composition in red yellow and blue -- Piet Mondrian（右）

研究西方美術史的曹意強教授曾和我們說過：藝術永遠存在著一個悖論，一方面必須追求時代性;另一方面它必有不變的審美價值。誠如我國古人所說，藝無古今，跡有巧拙。藝術當隨時代而變，而衡量作品的標準只有不變的原則：好的與不好。每個藝術家面臨的挑戰是藝術必須反映時代，而時代性就是具有現代性。

Still Life witha Beer Mug, 1921-2 --Fernand Léger (左)

Bowl of Fruit, Violin and Bottle, 1914 --Pablo Picasso（右）

引申波特萊爾的觀念，我認為，現代性就是一種突破，而突破只構成了藝術的一半，構成了油畫的一半，另一半則是從藝術傑作歷史中所體現出來的不變的、永恆的美學價值。這兩面必須融合在一起而產生真正的藝術。

Autumnal Cannibalism, 1936

Salvador Dalí

於我們觀感而言，一件好的當代藝術作品，離不開藝術家本人良好純熟的技藝奠定，在這一半的傳統精神飽和的基礎上，再創造才能發之有力，言之有物。

馬克 ? 羅斯科(Mark Rothko)

1903-1970

美國抽象派畫家

生於俄國

羅斯科個人作品大廳

比起同時代的抽象表現主義畫家波洛克、冷抽象主義蒙德里安，羅斯科似乎只是潮流中的一個配角，今天將他的作品一起欣賞，一方面是泰特現代美術館對其作品的用心布局陳設，另一方面當你「設身處地」地去聆聽他的聲音，你一定能聽出來些什麼，慢下來，我們給自己一個聽的機會。

羅斯科在泰特當代美術館的獨立展廳要比別的區域的光暗很多，當然這並不是泰特為了節約用電哦，在昏暗燈光的配合下，紅色、灰色、黑色交融的巨幅油畫畫作，就像夢裡的帷幕一樣安靜的落在你眼前，它像是一塵不變的多個巨幕將你吞噬，又讓你在沉浸前清晰地看到水膜一樣的畫布上，漣漪般的細微起伏，見微知著。

因為馬克 ? 羅斯科自身經歷的原因，其作品格外注重精神內涵的情緒表達。他力圖通過有限的色彩和極少的形狀來反映深刻的象徵意義。

「我對色彩與形式的關係以及其他的關係並沒有興趣……我唯一感興趣的是表達人的基本情緒，悲劇的，狂喜的，毀滅的等等，許多人能在我的畫前悲極而泣的事實表明，我的確傳達出了人類的基本感情，能在我的畫前落淚的人就會有和我在作畫時所具有的同樣的宗教體驗。如果你只是被畫上的色彩關係感動的話，你就沒有抓住我藝術的核心。」

羅斯科大量的展出畫作尺幅都是極大的，1951年羅斯科這樣解說，「畫小幅繪畫是把你自己置於體驗之外，把體驗作為一種投影放大器的景象或戴上縮小鏡而加以考察。然而畫較大的繪畫時，你則是置身其中。它就不再是某種你所能指揮的事物了。」

1958年，他又說，「我畫大幅畫，因為我要創造一種親切的氣氛。一幅大畫是一種直接的交流，它把你帶進畫中。」

「與過去藝術家的命運不同之處，恰恰就在於我們有選擇的權利，這是因為選擇能夠反映出一個人對於自己的良知是否負責，對於藝術家的良知來說，最重要的就是藝術的真實性。」

我想馬克 ? 羅斯科的本人語錄也許是對他作品的最好的解讀。

布里奇特·路易斯·賴利

（Bridget Louise Riley ）

1931—至今

1931出生於英國倫敦

1955年畢業於英國皇家藝術學院

這幅波動的畫作也是這期我們主打的封面背景，如此豐富好看的背景來自於英國一名奇女子手中——布里奇特·路易斯·賴利，她是一位有創造性女畫家，光效應繪畫的奠基人之一，也是歐普藝術的傑出代表。被譽為「歐普藝術」的創始人之一。

Evoё3, 2003

賴利的作品處處傳達著一種律動的美感，畫布成了無窮無盡思想相互交融的陣地。尤其是她獨具特色的波紋繪畫作品不論是它的外延還是內涵，最終都達到了一種效果--律動。

曲線形態的變化和色彩的漸變都成為賴利作品中特定場合的視覺語言，不論向邊緣還是向內部，都體現了視錯覺。

Nataraja, 1993

儘管她的作品似乎並沒有從現實世界的任何特定模式中得到，但賴利仍然受到了自然對人類眼睛的影響，比如陽光折射在漣漪的水中、日光穿梭在樹葉的縫隙，肉眼可見的世界往往比她的畫更加令人眼花繚亂。她指出自然對她的作品至關重要，大約在1970年她投入了更多的色彩創作，她說如此「更接近我們真是世界的感受，無法把控的無窮的自然界，也是豐富且讓人欣慰的」。

To a Summer』s Day, 1931

這幅畫作的題目取自莎士比亞的十四行詩「我可否將你比作一個夏日？」彩色條紋穿過一個普通的長帶，猶如扭曲的絲帶創造的一個波浪形圖案，顏色搭配醒目，色與色之間也不失豐富關係，淺藍色與黃色是這幅畫的基本配色，在這其中，偶爾又跳出一些玫瑰和紫羅蘭色，強調了畫中一些溫暖又冰冷的音律。

更多泰特畫作

Water-Lilies after, 1916

Claude Monet

Detail

Coffee, 1915

Pierre Bonnard

Preparatory Sketches for 「Coffee」, 1915

Pierre Bonnard

Bust of a Woman, 1909

Pablo Picasso

畢加索的立體派畫作常常如同懷舊的雕塑，在1909年中期，他創作了這幅女人半身像，在畫中，他用暖灰和深褐色去體現人體的體積，繪畫中人物的形變與位移既顯現了人體表面的深度，又強調了人物的特徵，如那有著圓錐形深度的眼窩。

Bust of a Woman, 1944

Pablo Picasso

畢加索創作於1944年5月的這幅半身女人像與35年前有很大的不同，風格與心境皆是。畫中的女人朵拉·瑪爾（Dora Maar）既是他的攝影師，也是他的情人。畫中重組的面貌或許反應了當時納粹佔領巴黎最後幾周的複雜氣氛，整個城市都處於高度緊張中。同年2月，他的兩位好友（詩人RobertDesnos和Max Jacob）被驅逐出境。即使是這樣，仍然有反抗與希望，3月，朵拉策划了畢加索有名的展覽『Desire Caught by the Tail』。

Weeping Woman, 1937

Pablo Picasso

《哭泣的女人》是畢加索後期畸形女人作品中最動人的一幅。有人說，他把自己給了魔鬼，把畫筆給了上帝，而對於這一幅作品，他把痛苦給了女人，這個女人，就是朵拉（Dora Maar）。這個哭泣的女子抱著她逝去的嬰孩，畢加索僅以一些散亂而緊湊的線條、劇烈變化著的粗獷的顏色和挺直有力的筆觸輕而易舉地表現出了痛苦之情。這幅畫是畢加索於現代派藝術中最具先驗性效應和性格特徵的傑出肖像作品，是立體派理念的一個發展，他在藝術里果斷地把醜化為美，同時又在現實中義無反顧地使美向丑沉淪。

Painting, 1927

Joan Miró

A StarCaresses the Breast of a Negress (Painting Poem) , 1938

Joan Miró

Winifred Nicholson Quarante Huit Quai d』Auteuil

當代藝術家把自己的畫作做成了雕塑作品

更多泰特裝置

Babel, 2001

Cildo Meireles

巴西藝術家梅勒內斯用搭起來的巴別塔

XL Tips:

巴別塔是宗教傳說中的高塔。於《聖經·舊約·創世記》第11章記載，當時人類聯合起來興建希望能通往天堂的高塔；為了阻止人類的計劃，上帝讓人類說不同的語言，使人類相互之間不能溝通，計劃因此失敗，人類自此各散東西。此事件，為世上出現不同語言和種族提供解釋。

馬塞爾·杜尚（MarcelDuchamp）

1887-1968

法國藝術家

達達主義及超現實主義的代表人物

Fountain, 1917（Photographed by Alfred Stieglitz）

Marcel Duchamp

1917年，馬塞爾·杜尚（Marcel Duchamp）做了這件作品《噴泉》（Fountain），這是他稱為「現成品」的作品之一，因為他使用了早已存在的物品——這個作品用的是小便兜，有「R. Mutt」的簽名字樣。杜尚把這件作品提交給一場藝術展作為挑釁，這件作品，以及提交這件作品的行為，被認為是20世紀藝術的一個重要里程碑。

首次展示後不久，《噴泉》就遺失了。根據杜尚的傳記作家卡爾文·湯姆金斯（Calvin Tomkins）的說法，最有可能的猜測是史提格利茲把它當成垃圾丟了，杜尚早期的現成物作品通常都落得這樣的下場。

『Fountain』 Replica, 1964

Arturo Schwarz

倫敦泰特現代藝術館收藏的這件噴泉，是1964年由杜尚授權收藏家阿圖羅·須瓦茲（Arturo Schwarz）依據艾爾佛雷德·史提格利茲的照片重製。

《噴泉》的第一個重製品是杜尚在1950年為紐約的一場展覽授權製作的；另外兩件重製品分別在1953年和1963年製作，1964年則製作了八件，2004年12月，500位英國藝術界的專家將杜尚的《噴泉》票選為20世紀最具影響力的藝術作品，杜尚用這件作品發明了概念藝術，並永遠切斷了藝術和價值之間的傳統連結。