抽象畫為什麼看不懂

美術界的一個現象就是，自畢加索之後的繪畫作品，人們越來越看不懂了。原因在於畫面里的內容越來越抽象了，沒有具體、規律性的形狀、色彩，觀眾無法閱讀作品，這就造成了抽象繪畫與觀眾之間無法逾越的鴻溝。

其實不要說普通觀眾，即便是職業畫家，對於抽象繪畫，也同樣是難以閱讀。為什麼呢，因為觀眾看畫，第一感覺憑的是畫面內容和他的過往記憶有沒有聯繫，能不能有所呼應。寫實繪畫為什麼大家都覺得能看得懂，因為它描繪的場景和觀眾真實的生活場景沒有來去，頂多是組合形式有所差異，基本元素都是和真實生活一樣的，比如人體、服飾、材料、水、自然界萬物等等，只有量的區別，而沒有質的區別，所以大家形成了一種閱讀慣性，越寫實、越具象的繪畫，大家越能夠被吸引，反之，越抽象的東西，大家因為一時之間看不懂而選擇忽略過去，這其實是一種觀察惰性。

那麼抽象繪畫是不是就是胡亂塗抹呢，當然不是了，你不相信可以嘗試一下，你馬上會發現胡亂塗抹的作品比起專業抽象畫家的作品要差很多，這個一般人都可以區別出來。回過頭來我們說繪畫的欣賞功能，寫實繪畫就不用說了，大家覺得畫面的意境、視覺衝擊力這些東西，一般人都會有同感，都會覺得達芬奇的蒙娜麗莎不錯，都會覺得羅丹的思想者雕塑不錯。但畢加索呢，畢加索之後的抽象畫家如波洛克的作品呢，就像達利為什麼有人覺得看得懂，因為他畫裡面的元素還是來自於真實生活，只不過變形了、錯位了而已。但波洛克、塔皮埃斯就完全不同了，沒有任何真實物體的印象存在，在觀眾的生活中找不到聯想元素。所以觀眾覺得自己沒法評價這種藝術。

那麼回頭我們說繪畫的目的是什麼，它掛在牆上的目的是什麼，難道就是為了把真實生活的各種元素裝進去嗎，難道就是為了讓我們看到另一個真實生活的縮影嗎，如果是這樣的話，照相術就完全可以解決了。繪畫的目的其實是用一種固定的畫面形式，讓人們產生某種感覺，這種感覺有不同層次和深度，我們睜開眼睛看所有東西都是具象的，但閉上眼睛呢，半夢半醒之間呢，或者閉上一半眼睛呢，你會發現看到的畫面都是不具象的，沒有規律、沒有規則、隨時恍惚在變，你能說這種狀態不叫看嗎，難道說瞎子就不能評價一幅畫嗎，他一定也有自己的構想和理解，那麼難道繪畫不能是給夢境中的你觀看的嗎，至少你三分之一的時間是在睡覺。如果我們否認這一點的話，我們就變成了把繪畫的功能範圍極其狹小地框定在了某個實用領域，但繪畫的路子應該是越走越寬不是嗎，文藝復興的時候是為宗教服務，後來是貴族服務，再後來是為革命服務，為所有人的現實生活服務，那麼繪畫能不能為未來服務呢、為潛意識服務、為心理學服務呢，為不可知的、模稜兩可的東西服務呢。每個人的生活中有多少是肯定的東西，又有多少是說不清楚、模稜兩可的東西，太多了不是嗎，抽象繪畫也是這個道理，有具體的就應該有抽象的。人們為什麼能夠從心電圖的曲線上而不是從心臟的形狀上來判斷一個人的心臟健康，這就說明抽象的圖形同樣能夠給予人們一個準確的答案，抽象繪畫也是一個道理。

抽象繪畫源於畫家們感覺具象繪畫難以表達真實的、深層心理狀態，具象繪畫讓人們把視線和理解心態停留在表面上，自然界的表象、人物的表象等等，但所有事情都有表裡兩個層面不是嗎，抽象畫家感覺自己想要表達的東西就是各種現象裡面的東西，這裡面有什麼呢，可能就是點狀的、線狀的、片狀的、蠕動的東西。這些東西難道不重要嗎，沒有它就沒有我們的外表。

所以抽象畫家首先是個概念畫家、觀念畫家，如果我們要想欣賞抽象畫，首先就一定要了解這個畫家，了解他的想法、觀念、概念，他的基本人生觀念，他要想表達什麼。這個是必須了解的，所以抽象畫家其實是這幅作品的一部分，因為畫裡面融入了他的想法，想法的重要性比畫面形式還要大，而這種不一樣的想法對於觀眾來說，就是一種新鮮的藝術。

第二，畫家當時的環境也很重要，這個環境是自然環境、人文環境都有因為不同環境下，畫家的心理感受是不同的，一個人在冷和熱的情況的、在飢餓和享樂的情況下、在戰爭年代和太平盛世，他所想的事情、他的觀點、他的態度都會隨時在變。七十年代的美國，是嬉皮士、垮掉的一代、憤青的時代，年輕人對社會不滿、不想工作、只想刺激，這個環境狀態下，畫家的心理肯定平靜不了，所以他的繪畫是當時他那個狀態的一個反映，我們只有把自己拉入到他當時的那個狀態，才能夠品味出他這個作品特有的味道。

第三點才是傳統的畫面欣賞模式，比如構圖、色彩、造型、肌理等等，這其實是一個畫家功力的事情，功力強的畫家，這幾方面無論在具象繪畫還是抽象繪畫，都能做的很好。一個最簡單的觀看方式就是，你把它和你周圍的自然環境做一下比較，你會很容易發現，好的抽象繪畫，它的畫面的不一樣之處在於，它的穩固性能夠超越時間概念，也超越了空間概念，它等於是時空的重組和壓縮版，而常規來說，自然環境是隨意在變的，光色在變，你的心情也在變，而抽象繪畫則可以把一切凝固，假如你靜心觀看的話。

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