為什麼要收藏系列：自由的起點
前些年，在巴黎的畢加索國家博物館看了一個名為《
畢加索與歐羅佳》的個展。展出很精彩，
畢加索各個時期的畫都被一個個小小的隔間分開。每走進一個展廳，
便似走進他生命的某個時期，足以窺探他心中的每一絲情愫和秘密。
他筆下的歐羅佳，從典雅到為人母后的溫柔，
再到後來患病後的抓狂直至完全從他的作品中消失。
他開始感興趣新的人，新的話題。那些昔日的情愫與私密，
都被鎖進黑色的畫室，像一個個保守住秘密從而不見天日的精靈。
(畢加索:歐羅佳)
(畢加索:歐羅佳)
(畢加索紅:沙發上的女人)
早年的畢加索是討厭把自己的畫給人看的，他總覺得這樣會讓人看到他內心裡最深也最隱秘的事。直到後來，
他也許慢慢明白，這些秘密都成了往昔，再說起來也都不癢不痛，
才讓這些畫見了天日。正如他自己所言：「繪畫就像一台印表機，
列印出畫家某時某刻的所思所想，所感所悟。當你買到這幅畫，
你所買到的你只是畫的本身，
而是作畫的人生命的某個特定的一瞬間。」
而這便是收藏的價值！
當日展出的畫從他早期的寫實人物肖像，到後來的立體畫派，
直到最後的抽象主義，讓人不禁想問：
這些變化記錄的到底是藝術家情感，視覺的變化，
還是甚至說整個美術時代性的改革？又或者，
美術本來就是藝術家情感，視覺的世界，
他們看法的改變從來和新的美術技巧的變革相輔相成？
從十九世紀以來，影響派被保羅·塞尚和安德烈·
德朗搬上藝術史的舞台，藝術家的眼睛和顏色徹底被解放了。
他們的畫筆之下便是他們所見，而這種所見，
不再是柏拉圖所摒棄的模仿造物主造物的贗品，而是一個人，
在光影中所見的真實。畫家用顏色和形狀去追光，
去還原他們眼中和心中的所見。這是一種最主觀的客觀，
而他們還原的每一刻，都成為特定的那一刻，不因時光流轉。
(德朗:海港)
從印象派到野獸派再到點彩派。主題，形狀，顏色達到了高度的自由。畫家不再是滑稽的現實臨摹者，
而成為真正的形色王國的創造者
。
擁有了這種自由的畫家，
不再滿足於將自己限制於自然賦予的形狀和顏色里，
他們要開始打造屬於自己的符號。畢加索和喬治·
布拉克率先用立體派打破了僵局，開拓了新世界。羅伯特·
德勞內曾經抱怨：「藝術始終和現實的物體聯繫在一起，
甚至已經成為它的奴隸。」
而立體畫派就正是為了打破這種藝術被自然物體鉗制的困局：
一切物體都被變形，解構
。
(喬治布拉克:瓶子和魚)
在畢加索看來，人類對任何物體的認知都是集中在某一個部分，
而這些部分足以讓人識別出該物體，立體派便是去除掉多餘的部分，
只留下那個足以讓人識別的關鍵點。從這個思路走下去，
以後的未來主義，造型主義，荷蘭的風格派運動，
以及抽象派變都是這種想法的產物了。
(蒙德里安: 風格派代表畫家)
立體派打破了畫家的枷鎖。他們不再滿足於臨摹雙眼所見，
他們將物的形體抽象出來，形成一幅幅他們的美學黃金值，
從而表達出一種強烈的情感。他們用色澤，用形狀，
用直曲的線條去表達一種動態，一種深度，一種視角
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一個美術世界的秩序。
從米開朗基羅到達芬奇，到傑利柯，到秀拉（Georges Seurat）到畢加索，費爾蘭·萊熱，到杜尚，再到康坦斯基，
蒙德里安。
美術從對細節的無限追求到對美學的科學化再到對極致情感的表達。
何謂美學？何謂藝術？
從一個時間點破開，單獨來看，美學看起來獨立而凌烈。
然而放進時間長河，它的變遷卻也有跡可循。
當今的藝術已經進入一種抽象的時代，
或者我們可以把它看作一種形狀，顏色，透視的科學；
也或許我們應該把它看作藝術家對內心情感表達的一種無盡探索。
而這條路上，人類的智慧之光讓這一進程顯得格外耀眼。
喬治·弗梅爾，節奏組的創世人之一，
他和20世紀初的很多畫家一樣，深深被立體派所影響。
也是以此展開了自己對於美學的近乎科學實驗以及探索。
他的美學黃金數（nombred"or)公式，
他對空間對構造對造型藝術的探究和影響正是源自於對於已有的自然
形態的不滿足。與畢加索一樣，
他不再是自然的臨摹者而是美的製造者。
(喬治·弗梅爾)
抽象藝術最大的魅力就在於它是美學的本身，而不是物體的奴隸。
在抽象藝術的世界裡，美學在藝術家手中終於得到自由。
藝術是什麼？可以是畫，可以是詩，可以是音樂或者舞蹈。
藝術是萬物的節奏！
美學是什麼？是藝術家心裡被深深打動的時代或者生活留下的情感。
像得加的《芭蕾舞者》，像梵高的《向日葵》，像德勞內的《
窗外鐵塔》，也像弗梅爾的《色塊研習》。他們的追求不會一成不變，卻是生活給予他們最主觀的客觀。
(德加:綠舞)
這便是收藏的意義：綿延在藝術史長夜的珍珠，你們便是那拾珠者。
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