漫畫VS當代藝術

「講故事」和「表達觀念」雖然說起來不過是一件事，但礙於表現形式的不同，兩種模式各玩各的，偶有交集，還是存在一個門類和鄙視鏈的問題。

藝術界現在呈現出逐漸明顯的兩極走向，兩種景觀：一個是裝置、影像、行為、新媒體藝術的大行其道，成為一種最主流的實驗藝術形式。所有的主題都傾向於世界性地談論某些重大議題，似乎只有這樣才可以被世界性地陳述，世界性地討論，納入世界學術體系，成為世界性的當代藝術；而另一個是藝術作品圖像化、扁平化、漫畫化的趨勢愈加明顯，和手機屏幕的二維介質、時尚潮流緊密結合。也說明了所謂的「精英文化」和「大眾文化」之間的二元對立之姿進一步消弭。年輕收藏家群體的崛起也是這種形式的藝術作品興起的直接原因之一。

這兩極其實分屬於兩個維度。塗鴉、漫畫藝術應該在第二個領域裡被展開思考。問題在於，它們和傳統漫畫究竟有何不同？傳播的方式、展覽的方式、運作藝術家的方式等究竟有何區別？這個研究路徑在我看來是最有趣的。

最近觀看了紀錄片《井上雄彥：最後的漫畫展》，看此片的目的就是為了學一學平面小幅故事作品怎麼做成當代藝術展。井上雄彥作為日本首屈一指的漫畫大師的確厲害，幾十張大畫全部現場完成。從早上十點畫到凌晨三四點收工，一直畫到展前最後一刻。

井上雄彥和助手第一次在美術館看場地的時候就被大空間「嚇到」，可是作品全部完成後又覺得空間被擠壓了，空間不夠了。空間分好幾種，不同的功能會賦予相同的物理空間以不同的意義。在井上雄彥這裡，漫畫故事的連貫性還是首當其衝的追求，「觀眾是否能夠讀懂故事」是他考慮的最重要問題，在這個意義上，儘管他的展覽具有比較宏偉的規模，但仍然是一場傳統漫畫展，他仍然是一位傳統意義上的漫畫家。因為對他來說，故事是他的作品，圖畫（分鏡和畫功）是承載故事的載體。「漫畫意義上的空間」——把空間做成《浪客行》長篇的載體才是他要的效果。

「講故事」和「表達觀念」雖然說起來不過是一件事，但礙於表現形式的不同，兩種模式各玩各的，偶有交集，還是存在一個門類和鄙視鏈的問題。傳統的漫畫一定要通過故事表達思考，媒材是其次，故事本身才是最重要的。而當代藝術是通過一切（媒材）表達思考，故事（敘事性）在某種程度上是被壓抑的，因為這會讓人聯想起古早時期的聖經插圖和歷史風情畫，何況當這樣的故事還是「長篇多幅巨制」時，就更顯冗贅。但在這個時代，真的還會有完全不接壤的玩法兒嗎？鄙視鏈本身到底意味著什麼？

按照這個路徑思考，讓我想到了胡安·科爾內利（Joan Cornellà），他是2017年朋友圈和微博上非常火的一位西班牙漫畫家，生於1981年，曾為紐約時報等雜誌刊物繪製插畫，但真正讓他走紅網路的，卻是一系列風格詭異的卡通漫畫。這些漫畫就連我都覺得比起井上雄彥等漫畫大師的作品更加好玩、更加當代。觀眾不需要首先是一名漫畫迷，他（或她）可以是任何一個走進展館的人。且不非得了解井上雄彥和日本漫畫史，換句話說，他們的經驗可以是陌生的。

胡安·科爾內利（Joan Cornellà）的作品辨識度高，無論做成小招貼、小海報，或者在任何介質上被展示，都有一種「就是他畫的」這樣的直觀感受，這一點和大多數知名藝術家都很一致，比如草間彌生的圓點，村上隆的飽和度極高的花和人物，安迪·沃霍爾的絲網，梵·高的筆觸，羅斯科的色塊兒，波洛克的書法性，畢加索的怪人兒等等。辨認起來毫不費力，圖像清晰、結構簡單：黑眉毛黑眼睛的小人兒，與鼻子永遠連在一起的法令紋。這張臉就像一個模塊，隨時準備拆卸和重組。另外，「單色+特別的色彩設定」也是特色之一。

這種展覽的氣質和井上雄彥的有何不同？還有哪些因素導致了他們的不同？當然，這種不同絕沒有高下之分，卻是一種有趣的現象。他們的展覽上，他們的作品後，觀眾的結構有哪些不同？井上雄彥的展覽上會出現平面材質以外的東西嗎？記得他們的牆許多都是塗黑的，還設置了屏風樣的巨型冊頁，總是在模仿黑白書籍的翻閱感，讓觀者時刻感受到：「這是漫畫」，他們要做的是不斷把出神的讀者拉回故事本身。好像在說「想起書里的什麼場景什麼氛圍了嗎？」緊扣主題、緊扣故事。

井上雄彥從紙本漫畫起家，一個故事接一個故事畫到今天。胡安·科爾內利（Joan Cornellà）的起家從臉書（facebook）開始，至今已有幾百萬粉絲。有一點是胡安·科爾內利（Joan Cornellà）和其他從事當代藝術的藝術家非常一致的：他的作品全部在反映自己的思考，而且主題均涉及制度、種族、日常生活等，他在試圖「處理時代」。

對「漫畫與當代藝術」這個主題的探討還將繼續，伊藤潤二等其他漫畫界大拿，他們紛紛在中國辦展（不過好多人遺憾地說伊藤潤二的展覽真的好小，是微個展，把他作品的格局都做小了，變成了小女生熱愛的那種黑魔法風格）。他們的展覽形制、運行規則和我們所熟悉的「標準當代藝術展」有何不同，他們何以成功，或者何以不成功。

喜歡這篇文章嗎？立刻分享出去讓更多人知道吧！