同一本小說，日本人拍成7分，而我們只有5分……

每個人家裡，或多或少都有幾本東野圭吾的書。

他筆下的故事，有股難以言喻的魔力，讓你自打開第一頁起，便被下了咒般停不下來。直至曲終人散，雖掩卷，卻依舊沉溺於另一世界的詭計與悲喜，無法脫身。

無數的影視作品翻拍，《嫌疑犯X的獻身》《白夜行》《惡意》......但我最期待的，還是淚目無數次的《解憂雜貨店》。

最近，最期待的事情終於發生了：《解憂雜貨店》兩次來到大銀幕。

然而事實很殘酷：國產版不倫不類的改編，看得我腦殼生疼、無動於衷。

抱著忐忑的心理，我去電影院看了日版。沒想到，再次找回曾經的感動。

來看看這部作品，改編得多好——

浪矢解憂雜貨店ナミヤ雑貨店の奇蹟

原著《解憂雜貨店》，是一個經典的非線性敘述故事。

上世紀70年代，有一家會回答大家煩惱的浪矢雜貨店，只要寫下煩惱投進捲簾門的投信口，第二天就會在店後的牛奶箱里得到浪矢先生的回答。

2012年，三個年輕人闖進人去樓空的雜貨店，卻意外捲入了一場奇遇......

故事橫跨幾十年，通過雜貨店的投信口，讓過去的信穿越未來，未來的信又回到過去。

每封信的主人公都因為浪矢先生的回信而得到不同的影響，隨著劇情的發展，不同的人生漸漸交會......在揭開全貌時，相信許多人都會熱淚盈眶。

因為東野圭吾的寫作題材嚮往皆是推理類，所以催人淚下的《解憂雜貨店》被譽為「最不東野圭吾」的文學作品。

然而稍一回味，書中龐大而複雜的敘述線，若非邏輯縝密與寫作了得，又何能講述這麼結構巧思的故事。每每扣人心弦，一翻書便停不下來。

因此，憑藉「東野圭吾」這塊吸金招牌，即便在紙媒蕭條的低潮下，《解憂雜貨店》依舊勢不可擋：

全球銷售量突破1000萬本，長期佔據亞馬遜最暢銷書籍。

豆瓣的評價人數多達26萬，這在書籍類中非常罕見。

但同時，改編問題也隨之而來——小說的優點，時常會變成電影的缺點。不是有句話這麼說么：

「三流小說能改編成一流電影，而一流小說往往難以改編好。」

為什麼？

第一，電影是有體量限制的。

因此，如何將小說內容進行取捨，是一個萬般糾結的問題。

更何況，《解憂雜貨店》還是一部故事線眾多、而粉絲基數又龐大的大IP。

第二，小說最強大的力量，是以筆觸勾畫主角的內心；電影的魅力則在於，無須解釋，就能用視覺表達信息與意義。

換言之，一個是告訴，一個是展示。

所以，如何將小說的文學性，轉化為電影的視覺性，又是一個令人頭疼的難題。稍不注意，就淪為一杯兌了水的威士忌，沒勁。

我認為，如果能做到這兩點，電影的改編就算成功。

令人驚喜的是，日版做到了。

它有割捨，將「回答在牛奶箱里」與「聽著披頭士默禱」兩個故事相對獨立的章節剔除。

兩個小時內，小鎮音樂人、想要自殺的少女、迷茫的陪酒女，與32年後的三個年輕人，由一封封信牽針引線，交織成羈絆的圖案。

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再者，它化少為多，也化多為少。

怎麼化少為多？

日版把原著寥寥數筆但又意義重大的片段放大、再創造，讓每個觀眾都體驗到決堤般的情感衝擊。

舉個例子——

《深夜的口琴聲》中，迷茫而潦倒的音樂人克郎。他有三個重要片段，在原著中只有數筆描寫。

一個是深夜裡，他前來投信，面對著貌似無人的雜貨店，急切地想向浪矢先生證明自己。於是躊躇片刻，在店前盤腿而坐，吹起了口琴。

琴聲揚起，是《重生》的曲子。

克郎躬著背走路、垂著脖子吹口琴，結束後局促望向四周，再孤身走回街頭的場景，有令人心碎的力度。

我想，每個看完的人，都能感受到他孤獨而絕望的心緒。

發現么？這份「多」，來自表演的「多」。

當演員有了足夠的空間，去注入角色的生命，那麼無需多少對白，單透過一個眼神或動作，就能看到他的內心掙扎。

另外一個場景，是天才女歌手水原芹站在舞台演唱克郎的歌。

克郎填曲，她填詞。這是一個多麼美好的象徵：克郎為了死去的父親，毅然朝著自己選擇的道路前進。少女為了英勇就義的克郎，帶著他的音樂走下去。

這份愛的流傳，始於親情，卻因恩義而更動人。

值得一提的是，書中的《重生》，讀者聽不到，光憑想像達到意境美。

而片中，在日本著名音樂家山下達郎的操刀下，天才歌手完整地唱了一遍《重生》，非常好聽。

裡面的歌詞寫道：「是你教會我生活之道，我也始終難以忘記你。」

電影讓音樂更具意義，音樂讓故事得以成長。我想，這就是電影與音樂互相成全的典範。

所以，這份「多」，來自音樂的「多」。（不是數量，而是質量）

可以說，日版很好地抓住了東野圭的語言留白，再用視與聽打造齣電影世界的《解憂雜貨店》。

但它更重要的優點是，以「少」襯「多」。這就回到原先的問題，怎麼化多為少？

三個方面：鏡頭克制、對白乾凈、背景靜謐。

不得不拿滿是槽點的國產版來對比一下（演技差、植入多就先不提了）。

《解憂雜貨店》是一本感人的書。但濫用「感人」，就會變成膩味的雞湯。而國產版，正中圈套。

泛濫的煽情配樂與特寫鏡頭，一眼就能看出它強行感人的企圖心。

話說，胖迪的造型是模仿趙本山嗎？

再拿《深夜的口琴聲》舉例。

克郎與尚在孤兒院的水原芹，怎麼建立「知音感」？

國產版非常偷懶，以過多無用的對白和偶遇，來掩蓋其動機不足的尷尬，再強行製造兩人因音樂而結識的進展。

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日版怎麼做？

克郎在屋內作著曲，忽然聽到門外傳來《重生》的稚嫩哼聲。他一推開門，小女孩在遠處佇立，他側耳傾聽，然後緩緩走近。

一句對白都沒有，兩個人之間的羈絆卻已通過簡單的鏡頭傳遞給觀眾。

希區柯克曾說過：「當劇本寫好，對白加上之後，我們就可以開始拍攝了。」

說白了，就是錦上添花的意思。

只不過鏡頭是錦織，對話是鮮花，當故事已經通過鏡頭傳達出信息，隨之而來的對白才自然而有意義。

在這點上，日版做得不錯。

許多場景捨棄不必要的背景音樂，才換回高潮時更有力的感人；台詞精簡，讓場面調度代替語言說話；鏡頭多用中遠景，拒絕太泛濫的煽情。

那日版有缺點嗎？

當然。

因為故事與人物太多，它長跑到一半時，明顯把控不住呼吸節奏，導致中間疲軟。

也因此，使得整部電影有些鬆弛，少了原著中幾條線交會後螺旋式上升的閱讀快感。

但我認為，它依舊是一部值得稱頌的改編作品。因為，它抓住了電影的「魂」。

什麼是「魂」？

對《解憂雜貨店》而言，是一群內心破了個洞的寫信人，在寫信的同時也找到了自己的路。這是人生分岔口的選擇，一段萬般痛苦掙扎的內心歷程。

對電影二字而言，是一門視覺表達的銀幕藝術。

這其中的矛盾在於，電影不是小說。

小說的語言是文字。一部小說，可以用辭藻華美的對白，與長達數十頁的內心對話構成。

電影的語言是影像，是由人物在外界壓力下的選擇而不斷推動的故事。

而日版改編成功的地方正在於此——

它做到了以表演、鏡頭、配樂與劇本為利器，讓每個人物不可言說的內心衝突，在銀幕的光影中再現。

它動用頭腦，用心地調和了文字與影像的矛盾。

這個「魂」，就是5分與7分的差距所在、庸片與佳作的一線之隔。

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