是什麼區別了攝影師與攝影藝術家？
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由於曝光時間過長，最早拍攝人像時，頭部需要一個支撐架。
自1839年達蓋爾拍下了
第一張模糊的靜止圖像後，
攝影師獲得了史上
最佳的現實紀錄能力，
只因為他們能比畫家
更有效率地完成這個使命。
20世紀的紀實攝影傳統
和羅伯特· 卡帕的名言
「你的照片不夠好，是因為你離得不夠近。」
都讓人們忽略了，
攝影最重要的根本是——思想！
達蓋爾拍攝的第一張有人的照片，由於曝光時間過長，只拍到了右下角還在擦鞋的人。
和其他形式的當代藝術一樣，
攝影作品應當是關於思想及表達，
而不是關於現場感，
更不是關於技術和構圖。
特別是在這個任何人
都可以自稱攝影師的時代，
是什麼區別了一位「攝影師」
和一位「攝影藝術家」？
當然是——思想觀念！
我非常介意一個老套的標籤，
叫做「觀念攝影」，
這個分類製造了一種誤會，
似乎「觀念」只是攝影作為
藝術的一個可選項，而非必要項。
羅伯特·卡帕是匈牙利裔美籍記者，在越南採訪第一次印支戰爭時，誤入雷區踩中地雷被炸身亡
這是顯而易見的，大眾在看待
不同的當代藝術形式時，
對以攝影為手段的作品是最為挑剔、
最為武斷的，因為相比雕刻刀、
油畫筆、電影機和舞蹈鞋，
照相機恰恰是他們最熟悉的工具，
因此他們不免將注意力放到拍攝技巧，
而不是藝術家的所思所想之上。
「你使用什麼相機？
你主要拍攝肖像還是風景？」
—這就像是質問魏爾倫「你用什麼筆？
你寫的是人物還是風景？」
在假想中，這位與達蓋爾同時代的
詩人一定會被問得滿臉驚愕。
在flickr上發起的話題「when did u start photography?」中一位年輕攝影師的作品。
之所以希望與讀者分享這些觀點，
並不是因為「藝術家」和「攝影師」
這兩個稱呼哪個更重要，
而是從根本層面上來看，
這是兩個完全不同的社會職責。
在慣性思維中，將鏡頭對準好的、美的、
超越日常經驗的畫面是攝影藝術的固定形式，
但事實上，乘高空氣球航拍
東非大裂谷的角馬遷徙、
在巴黎街頭見證好萊塢巨星的一顰一笑、
去火線地帶記錄敘利亞戰爭的
槍林彈雨都不能算作「藝術」，
也不是以攝影為手段的藝術家們的職責。
攝影藝術家拿著相機
就像畫家拿著畫筆一樣，
他們並不是再現一個人物或場景，
而是把人物和場景當著一種構成的要素，
去表達他們對現實的看法和觀點。
他們更應該像醫生，
相機只是他的手術刀，
他要用相機破開現實的口子，
讓人們看到口子下面的東西，
告知世人他們的看法並試圖解決問題。
或者揭示一種現象，
然後，挖掘出現象背後的秘密！
攝影藝術家不是在反映現實，
而是在引領時代！
Matthias Heiderich，一位27歲開始自學攝影的柏林青年拍攝的建築題材的作品。
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※她將花與水融合，來敘述一個美好而又夢幻的故事
※攝影，教會人懷疑
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