怎麼拍好恐怖片？
最近兩年什麼類型最火和最賺錢？你稍微有主要觀察電影產業就知道，肯定是恐怖片。最近這兩年票房黑馬也都是恐怖片。成本不高，也就意識著主創玩的開，所以這兩年也真的出現了不少的經驗恐怖片。
moviemaker雜誌，找來了9名專門拍攝恐怖片的攝影師，讓他們針對自己如何拍攝恐怖片，每個人都給出了自己的感悟，推薦大家一看。
馬克西姆·亞歷山大（《顫慄》，《隔山有眼》，《安娜貝爾2：誕生》）
拍攝恐怖片，怕是每個攝影師都畢竟的階段，其他類型片也沒有機會讓你同時可以把玩黑暗和色彩的機會，從視覺上，讓某人置身深陷荒無人煙的沙漠或空蕩蕩的壁櫥，或在渲染屋子美麗的同時，又將它變成一場噩夢。、
處理重拍或續集
電影攝影師的語言已經改變了，並且會一直改變下去，而你重拍也不是為了將它拍得更好，而是給新觀眾用全新的方式講述這個故事。對於那些記得原作的人，你存在的意義是賦予了新作全新色彩和感受。
我第一部重拍的作品是亞歷山大·阿嘉的《隔山有眼》。當我們開始時，我尚未看過原作，而導演也讓我不要看。我也覺得不去看是對的；我們的版本和前作的視覺畫面截然不同。至於《安娜貝爾2：誕生》，由於這是部續集，所以我本可以隨心所欲地拍攝，但從整個系列的角度來說，這樣做是錯的。我覺得應該像《招魂》這樣，雖然攝影有差異，但整體處理方式上，應該讓觀眾覺得他們是一個系列。
哈林·布拉施克（《血腥的夜晚》，《女巫》）
我一次拍一部電影，不會按照題材和期望來考慮。你看看庫布里克最恐怖的片段也是拍的非常明亮，而伍迪·艾倫經典畫面有多黑就行。庫布里克的明亮變得「嚴酷」而艾倫的黑變得「浪漫」。創作者完全投入工作才是最重要的，我會在我腦海里一遍遍過畫面，再通過鏡頭捕捉傳達最有效情感、時機和能量的畫面。
拍歷史片
我喜歡歷史片，喜歡這種穿越感。作為電影攝影師，我非常喜歡拍照明動機選擇少的戲，我喜歡通過淘汰來創造。現在的世界五彩繽紛，將他們提煉成讓人觀看的東西需要很多工作——不僅要呈現出和諧的畫面，而且要有效體現人類的真實生活。而在過去，顏色、材料和光源很少，這讓你能更迅速的著眼於更本質的問題。你可能只要運用窗戶光源，就能傳達人類的所有情緒，打造出非常豐富細膩的影片。其實這樣你還有很多的選擇，比如窗戶的大小、位置，天氣，時間，地理位置，有很多選擇的。
Manuel Dacosse（《安娜的迷宮》，《妖夜迷情》，《進化危機》）
拍恐怖片時，導演對照明的要求更具體，而且他們也經常讓嘗試更多的新拍法。
關於在《安娜的迷宮》和《妖夜迷情》里採用義大利giallo形式
我們試圖用與giallo電影相同的方式來處理色彩。導演赫蓮妮·凱特和布魯諾·福扎尼給我看了許多那類電影，我們從中汲取了些點子進行改編。
邁克爾·費穆格納瑞（《鬼遮眼》，《夢醒之前》，《鬼遮眼：惡靈始源》，《傑羅德遊戲》）
在任何類型片中，我們都想建立與人物的聯繫，這樣觀眾才會有代入感。在恐怖片里，角色的發展時間往往少於其他類型片，其實仍然是至關重要的；否則，最終只是一系列虛假的jump-scares，和空洞的恐怖片。
比起大多其他類型片，恐怖片通常和黑聯繫更密切。拍每一部電影前，大家都會對色彩進行很長時間的討論，也不存在所有主創對於色彩全部統一的的存在，所以對於色調大家需要一直校準。拍恐怖片的時候，黑到什麼程度，也是需要經過很多討論的，因為我們想要在陰影中營造不安，但黑暗對每個人的感覺都不同，所以我們經歷一個相似的檢查色調的過程。這可能是最考驗一個項目質量的地方，所以，當我們說想要在黑暗中製造點東西時，我們測試了塗料、布料以及光線和皮膚呈現的色彩，並將這些細節放在想要嚇觀眾的地方。
和導演邁克（Mike Flanagan）合作
當我和某人多次合作，這樣我們會一起改進自己，從而讓事情進展更快。和邁克合作加強了我拍攝的經驗，我們已經把準備工作提前到了分鏡頭階段；我們將分鏡頭和劇本一起進行，所以我們盡我們所能，給邁克和演員最多時間做做好的排練。
卡里姆·胡賽因（《持槍流浪漢》，《病毒抗體》，《我們依然在這》，《莫霍克》）
這種類型提供了想像的自由，你可以走各種極端，做其他類型片不能做的事情。也可以採取相反的做法：一種非常自然的畫面，來和強烈的內容形成鮮明對比。對我而言，拍攝具有政治或社會內容的電影時，會更願意採用更自然的畫面構圖，拍恐怖電影的時候不會用。因為恐怖的定義非常寬泛，可以融入很多風格，做的好了可以玩出很多有意思的地方。
如何選擇風格——加強或自然主義的風格
所有的選擇都要從故事和導演的角度出發，還有在看劇本時，腦子的第一閃現的畫面和技巧。因為我腦子轉得快，所以當我看完劇本時，我會先嚮導演建議攝影機、鏡頭、照明方法和攝影技巧。然後，我們再見面討論，找一些電影片段，但是我們不是複製和模仿，而是會拉片，詳細的討論怎麼去增加畫面、怎麼去加新東西，而不是模仿。經過幾次見面討論後，我們再決定是要走什麼風格，但還是在為故事而服務的基礎上，不是為了拍出唯美的畫面。
James Kniest（《安娜貝爾》，《無聲夜》，《送葬人》）
拍恐怖片還是蠻挑戰的，因為觀眾期望真的被嚇到。在過去幾年裡，這個類型片已經成倍在增長。有許多嚇唬人的傳統辦法，但最好還是不要重複用這些老方法。人們經常討論如何致敬經典的同時還給銀幕帶去新鮮想法。我曾經合作過的恐怖片導演，有些很喜歡jump-scare技巧，有些很少用。我個人傾向於心理方面，以及純粹但可能是真實的邪惡元素。
恐怖片允許的許多做法
我覺得現在在恐怖片里一切皆有可能，根本無界限。從故事的角度來看，當今有那麼多題材可以利用，從核災難，到AI，到政治到轉基因，有很多真實的故事可以利用，而對於攝影師的最終目標是：從視覺上和故事上給觀眾帶來有趣、驚悚的體驗。恐怖片的需求和市場大大增加，影片預算也隨之增加，電影製作人從而有更多的資產按他們的喜好來做事。視覺上，這有助於電影製作人繼續提高產值，以配合觀眾的期望。他們今天要複雜得多，他們希望影片能直觀地呈現出來，即使表演、劇本或概念沒達到的。
Jan-Michael Losada（《萬聖節傳說》，《別殺它》，《短柄斧2：殺人魔》）
恐怖片是個難拍的類型片，原因有幾點。它充滿了許多冷酷的布景，並且難以平衡的光影。你必須把這些展示給觀眾，讓他們明白髮生了什麼，但同時又要有所隱藏，讓場景嚇人，這個度要把握好。
恐怖片很喜歡出現殺害，我的意思是，這就是人們為什麼喜歡看它們的原因。但，拍攝獨立恐怖片要拍這些場景太複雜了。從血管到假肢到時間，有許多動作部分需要考慮，但拍攝通常只有一條鏡頭的機會。這可能導致環境頗為壓抑；某人被斬首的半秒鏡頭，要準備的甚至比在餐館談話的10分鐘場景還要來得多。
關於處理續集
我見到導演亞當·格林的第一件事是觀看前三部《短柄斧》。前攝影指導Will Barratt為該系列影片精心雕琢了獨特的畫面，我希望能拍攝這相同的氣質，同時增加我自己的東西。我的目標是重新打造前作的有趣精神，並儘可能多增加色彩。我的背景是拍MV的，MV 的酷炫包裝很讓人喜歡，比雖然，《短柄斧2：殺人魔》有點戲劇性，但我和燈光師Paul Salmons還是儘力運用照明，使電影看起來有點超脫現實。
邁克爾·馬歇爾（《變種女郎歸來》，《鬼娃的詛咒Curse of Chucky》，《鬼娃回魂Cult of Chucky》）
在許多方面，你可以說拍攝恐怖片比拍攝劇情片更容易，因為有更多實驗的空間。你可以嘗試各種在劇情片里會讓人分心的角度、鏡頭和陰影，這也會導致最大的困難，因為你仍然必須克制你自己，培養一種語言，堅持下去，並表現出一定的剋制。這可能比聽起來困難，因為奇怪的是，恐怖片片場通常很有趣。人們通常會玩得很開心，在片場取樂，經常玩得很嗨。當然，也會有緊張的時候，但根據我的經驗恐怖片通常是很有樂趣的，這可能導致一個人陷入徹頭徹尾的愚蠢，嘗試那些和你所採用的語言不相關的東西。一致性是很重要的。
拍恐怖片通常意味著拍續集。我不確定是什麼讓這些影片那麼容易成為系列；我猜觀眾從這些熟悉的恐怖畫面里獲得樂趣。當拍續集時，我會看之前的影片，但只是為了找到大致的感覺。我不會讓它們過度影響到我的作品，通常我會依賴直覺來表達我感興趣的。《鬼娃》系列有點不同，因為有個非常敬業的人在掌舵，編劇兼導演唐·曼西尼了解他的主要人物以及什麼會讓他做出反應，並且對於他想要如何講述他的故事有非常堅定的想法，這使得和他工作充滿了樂趣。他對任何事物都抱著開放的態度，但知道什麼有用，什麼沒用。
托比·奧利弗（《狼溪2》，《逃出絕命鎮》，《忌日快樂》）
一般而言，對於電影攝影師而言恐怖片是有趣且值得的。你有機會處理超脫塵俗的元素，超自然的，離奇的，暴力，血腥和戰鬥，但最重要的是，它必須恐怖，並且大多數時候是黑暗的。黑暗是恐怖片的朋友，而我經常受到要在幾乎完全黑暗的情況下布光和拍攝的挑戰，但我們仍然需要看到點什麼。通常，最嚇人的是那些你沒看到的，所以這和拍愛情喜劇截然不同。
關於具有幽默元素的恐怖片
當恐怖片具有喜劇元素時，這取決於導演定下的基調。《逃出絕命鎮》和《忌日快樂》都含有幽默元素，但表現方式不同：《逃出絕命鎮》有一些非常滑稽的場面，打破驚悚片本來相當戲劇化的做法，而《忌日快樂》更多的是整體嘲弄的語氣夾帶一些真正的恐怖，這是一部更輕鬆的電影，所以《逃出絕命鎮》的攝影師一開始採用自然主義的處理方式，慢慢過渡到恐怖畫面，而後者一開始是帶有鮮明的校園喜劇感，之後有意地變成風格化的黑暗恐怖片。
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