服裝秀進化論，從跑馬場漫步到造夢伸展台

今天我們為大家準備的小分享是關於我們都熟知的服裝表演秀的發展史，首先我們來說說-為什麼我們需要時裝秀？

我們所周知的時裝秀，不外乎是由一個鮮明主題(亦或者我們可以說它是一個創意總監所述說的故事)， 將戲劇性的場布、奢侈奪目的華服、以及台上台下閃爍個不停的閃光燈全盤串起的周期運動。而「為什麼我們需要時裝秀？」這個Big Question，也總是被一個又一個的時尚工作者拿出來反覆探討，因為在紛擾的資訊之下，大家似乎都有些難分辨現今時裝秀的目的究竟為何。

End of the 19th Century

服裝設計師聘來女性，穿著他們的作品在跑馬場漫步

最一開始，伸展台的概念尚未存在。我們總能在19 世紀多數服飾精品店或訂製工坊的廣告中，看到以鋼筆畫以及有些僵硬的肖像攝影呈現出每季新品，然而這些扁平的廣告當然無法完整呈現充滿動態、活靈活現的服裝細節。

因此19 世紀末一群擁有生意頭腦的精明設計師，開始聘請女性穿著自己的服裝出現在跑馬場(racetrack) 等人潮與媒體聚集的場合，到處走逛並使設計師的作品被注意到之餘，更有機會被攝影師捕捉、以及被記者加以報導。

Beginning of the 20th Century

工坊模特兒與約聘模特兒，組成小型菁英發表會

這股由真人穿著服裝進行展演的風氣刮進 20 世紀，成為了更為細膩規劃的私人活動，直搗品牌的少數菁英客群。此時發展得愈來愈完備的品牌「工坊」概念，不僅涵納了眾多精緻的時裝工藝部門，品牌更進一步聘請工坊專屬的「in-house models」，讓這些長期委身在品牌之下的模特兒參與各種新品展示會；而約聘的「Mannequins」也在此時成為新的工作模式，他們與「in-house models」一起組成一場場私人新品發表會，並在數量不多、坐在沙發上喝著茶的貴客面前，穿著品牌得意的作品走動展示。這種小型且隱密的發表會型態，維持到約一零年代前期。

1910s

沙龍主辦頻仍的時尚遊行，服裝展演變得更為大型且公開

隨著小型菁英發表會的成功，歐洲各地的社交場「沙龍 (salon)」開始主辦屬於自己更大型且公開的「時尚遊行 (fashion parades)」。他們將這樣的時尚活動稱作一種遊行，或許也算是精準詮釋了進行方式：由沙龍找來眾多品牌、進行為期數周、每日重複著近三個小時的服裝發表，我想是很接近我們所認識的遊行規模。

Paul Poiret 擅長以前衛而藝術的手法，為系列製造話題性

為了在眾多發表作品的品牌之間脫穎而出，許多設計師便會絞盡腦汁在「服裝遊行」之中想出吸睛策略，我們至今仍熟知的前衛訂製服大師Paul Poiret 便是當時的話題人物。充滿天馬行空創意的 Paul Poiret，喜愛透過舉辦令人嘆為觀止的變裝舞會，讓他的全新系列直接走進人群當中，因此 Paul Poiret 也被譽為「互動式伸展台」的先驅。

Paul Poiret 盛裝出席自己於 1911 年所舉辦的《一千零二夜》變裝舞會，

這場晚宴至今仍是被不斷傳唱的時尚盛事

1920s to 1940s

「服裝周」前身，訂製工坊開始在固定日期舉行服裝秀

在1918 年以後，來自世界各地的採購(買手buyer) 開始會一起前往歐洲觀看新品發表、更新時尚資訊，他們周期性的造訪，促使許多高級訂製工坊逐漸趨向以一年兩次、在固定日期舉辦服裝秀，甚至有些美國百貨公司也會加入舉行屬於自己的慈善時裝秀，而這就是我們現在所熟知的四大城市服裝周(fashion week) 的前身。這些服裝秀十分興盛，直到第二次世界大戰期間才隨著訂製服沙龍的關閉而短暫地暫停。

1947 to the 1950s

戰後 Christian Dior 的一場大秀，喚醒時尚夢境的百花齊放

在第二次世界大戰戰後一片低迷的風氣之中，剛成立自己的訂製服品牌的 Christian Dior 在 1947 年以一場曠世大秀《Corolle》大膽劃開了沉寂。這個閃爍著往日光彩與憧憬的系列，重新喚醒人們穿上名為「時尚」的翅膀做夢的渴望，女人們自此被 New Look 從戰爭時期的「制服」衣著當中救贖。

這場秀的意義可不僅如此，設計師們群起高舉時裝秀的重要性，他們在工坊的沙龍或是飯店的餐廳與大廳舉行各種規模的服裝發表秀，而板著一張臉魚貫而出的模特兒，也在此時正式取代過去模特兒穿梭於人群之間的走秀風格。秀場前排 (front row) 擁擠著知名的時尚編輯與記者、座席之間充斥零售採購與潛在顧客，Christian Dior 開啟了戰後人們重新相信「時尚」這場夢境的百花齊放。

Christian Dior 於 1947 年舉辦的劃時代大秀《Corolle》

1960s to 1970s

成衣大放異彩，帶動伸展台的全面革新

六零年代以後，愈來愈蓬勃發展的成衣市場，讓原先忠於高級訂製服的消費者逐漸改變心意轉向購買成衣，因此正經而認真的秀場風氣逐漸改變，許多設計師如Mary Quant 開始將服裝秀帶到特別的場景，並注入更具活力的時尚發表風格，面無表情的模特兒不再是主流，人們更崇尚自在的肢體動作與現場的氛圍流動。

而時裝秀也在六、七零年代被賦予了新的意義。除了過去主要以滿足媒體與採購為目標的商業導向之外，服裝秀更開始被許多設計師視為能夠抒展觀點的一個舞台，尤其也能扮演打開時尚疆域的角色，展現他們對流行文化、年輕世代的接納與包容，並順水推舟打進大眾消費市場。

1980s Until Now

時裝秀晉陞全民運動，「catwalk 」一詞出現

時裝秀的規模不斷擴大，在八零年代以後近乎成為一種全民運動，從 Yves Saint Laurent 於 1998 年一場收視率突破十億的高級訂製服回顧系列，我們就能略知一二。而自1995 年誕生的大秀──Victoria"s Secret，更一舉成為時尚圈當中最受矚目的服裝秀，在每一季維秘大秀開始前一個月，時尚媒體便爭相報導被品牌選做專屬模特兒的維秘天使們一切動向，「Catwalk」一詞更在2001 年開始被廣泛使用。

如今，每個品牌都有舉行時裝秀的獨特創意，更經常變更秀場位置、帶著觀眾們四處旅行。對我來說，創意總監們成為了能夠自由決定每一場服裝秀意義與價值的靈魂人物。無論是在一個系列去復活某種藝術流派、去重訪歷史遺迹、去締造科幻想像、亦或是去實現夢中幻境，時裝秀的意義都在瞬息萬變的產業洪流之中不斷經歷形變，而我們更應該在觀看每一場大秀之時，以乾淨的眼光接納創意總監講述的故事。

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