轟動！梵高、畢加索...藝術圈的大牛們都來澳洲了！這次可別再錯過~~

天下 05-25

一起去看藝術展？

墨

爾本的小夥伴有福了，維多利亞國家美術館NGV與紐約現代藝術博物館MoMA強強聯手，在MoMA珍藏的20萬件藏品中，將有200件最頂級的藝術珍品漂洋過海來到澳洲，走進墨爾本！

這也是墨爾本歷史上規模最大的一次藝術珍品展！

先給大家奉上時間吧 -

6月9日 - 10月7日

NGV International

180 St Kilda Road

此外，還有專門的中文導覽時間！

這一次來到澳洲的作品均來自於歷史上赫赫有名的藝術家：梵高，畢加索，塞尚，達利，杜尚，安迪·沃霍爾，馬蒂斯，羅伊·利希滕斯坦，蒙德里安、弗里達·卡羅、喬治亞·歐姬芙、路易絲·布爾喬亞......

想要近距離欣賞大師的傑作，不用跋山涉水，來墨爾本即可！

根據這些大師的生活年代，這次展覽相應的分為八個專題，每一個專題對應一個時代和流派，讓參觀者可以在藝術的海洋中遨遊，深刻體會這些藝術作品和藝術形態是如何影響社會的發展與進程的。

相機準備好了嗎？下面為大家帶來這一次登錄墨爾本的部分珍品吧：

分割線

梵高《約瑟夫·魯林肖像》1889

這幅作品創作於梵高生命的尾聲。

在這之前，他經歷了和高更友誼的決裂，痛苦之餘只能將自己的耳朵割下來；他的名聲不好，人們說他是瘋子，是流浪漢，畫得不知所云；他的畫被少數人賞識，但由於梵高變化無常的性格，這少數人中的大部分哪怕是欣賞他的才華，也不願和他走得太近。

梵高經歷了一場精神崩潰。

出院後，然後來到這個法國的小鎮，以為一切都能好起來。他寫了好多的信給提奧，提奧背負著經濟壓力支持了他哥哥一生無名的藝術事業，在梵高去世後不久也因病離世。

寄信的人就是這位約瑟夫·魯林。

他是郵遞員，也是梵高不多的朋友之一。他們一家給予了梵高非常珍貴的情誼和溫暖。

在《至愛梵高》中，約瑟夫·魯林派他的兒子阿爾芒·魯林將梵高生前最後一封信送到該送到的人手上，阿爾芒是整個故事中穿針引線的主角。

就如同梵高自己說的那樣：「我希望能畫出男人和女人那些永恆不滅的東西，人們常用光暈來象徵它，而我想試著通過色彩的真實顫動和閃爍來傳達它。」

塞尚《有蘋果的靜物畫》1895-98

塞尚就是那個老畫蘋果的法國男人，他一生當中畫過 270 多幅靜物畫，其中一大半都是水果，再其中，一大部分都是蘋果。塞尚的油畫《有蘋果的靜物》創作於1895-1898年間，《有蘋果的靜物》證明了靜物畫可以真實地再現實體和表現光線與空間的表象。

塞尚說：「描繪自然不是複製對象，它實現了人的感覺。」他堅持關注顏色和質地的特性，不以幻覺為目的。例如，盤子里水果的邊線是不確定的，彷彿在移動。畫面中透視的規則也打破了，桌子的右角向一邊傾斜，與左邊不在一條線上。畫面的有些部分沒有著色，桌布的折皺像沒有畫完。《有蘋果的靜物》不是對實物的模仿，而是對觀察角度和繪畫本質的探索。

畢加索《建築師的桌子》 1912

畢加索《建築師的桌子》簡介：外文名The Architect &rsquo Table；畫布，油彩Oil on canvas；縱72 6厘米，橫59 7厘米；作於1912年畢加索是西班牙畫家，雕塑家，立體畫派的創始人，當代西方最有創造性和影響最深遠的藝術家之一。畢加索是位多產畫家。據統計，他的作品總計近 37000 件，包括：油畫1885 幅，素描7089 幅，版畫20000 幅，平版畫6121幅。

他對二十世紀的藝術史有著濃墨重彩的一筆，人們稱他為「人類藝術史上罕見的天才」。他1907年創作的《亞威農少女》是第一張被認為有立體主義傾向的作品，是一幅具有里程碑意義的著名傑作。它不僅標誌著畢加索個人藝術歷程中的重大轉折，而且也是西方現代藝術史上的一次革命性突破，引發了立體主義運動的誕生。這幅畫在以後的十幾年中竟使法國的立體主義繪畫得到空前的發展，甚至還波及到芭蕾舞、舞台設計、文學、音樂等其他領域。

馬塞爾·杜尚《自行車輪》1951

眾所周知，杜尚的作品「小便池」《泉》開創了現成品成為藝術品的先河，從觀念上徹底地顛覆了藝術界。

杜尚重視一般作用的日常用品，並把這些物品變成藝術品，這些物品被他按照物品的個自特點，而分成：一種是屬於手工業的，沒有特殊實用必要性，以及已經不時興的，但被慧眼發現的物品；另一種是經過表達後才被發現的物品，也就是任何一種被改造成奇奇怪怪的物品；還有自然物品，亦即誕生於自然的東西，如貝殼或石頭；還有按照詩意的倫裝而可以加以改變的天然物品，是可能被用到一富或一座雕塑上的物品。

最後，則是現成物品，即一種系列生產的工業產品，是經過否定它的原功能後，而賦以完全不同的解釋意義。《現成的自行車輪》這件作品也是在這個理念下產生的，杜尚把車輪固定在一個板凳上，並且利用光影投射效果，使其成為兩個車輪，而因此顯示出獨特的幾何圖象。他第一件現成品作品《自行車輪》（1913）就是一隻安裝在墊凳上的車輪。這種嘲弄審美原則、讚揚荒唐行為、宣傳反藝術的態度對後來的藝術思想有特別重要意義的影響。

蒙德里安《紅藍黃的構成》1937-42

蒙德里安曾說過：「看著大海、天空和星星，我通過大量的十字形來表現它們。自然的偉大深深打動我，我試圖表達那種浩瀚遼闊、寧靜和諧、協調統一。」。

蒙德里安所提倡的藝術理論為風格派（De Stijl），又稱作「新造型主義」（Neo-Plasticism），原文字義是「世界之新影像」，為荷蘭神智學家肖恩梅克斯（M.H.J. Schoenmaekers）所引用之詞，他提倡一種經由內在理想的形式而追求外在純粹和共通的物質，「一種新的造型之實現」，以及一種超越自然並簡化之後，所呈現的藝術形態之完美。

蒙德里安以新造型主義中利用幾何圖形中理性而平衡的構圖，簡化了自然形體，創造出更極致的內在抽象精神，並讓畫面上的幾何線條呈現一種平衡和諧的現代感。後期他更專註於幾何線條間的視覺動線，使用水平與垂直線條加上畫面中最基本、最單純的色塊，藉由色彩、大小等比例關係的巧妙安置，產生一種令人著迷的動態節奏。簡單的說，蒙德里安追求的就是人與自然的關係，當你思考人的存在價值的時候，神智學為你提供有關未來世界新形象的衝擊，透過直覺沈思，聆聽大自然，如此可以明白現實世界的結構和秩序。

達利《記憶的永恆》1931

畫面描繪三個停止行走的時鐘被畫成像柔軟的麵餅一樣，一個疊掛在樹枝上，一個呈90度直角耷拉在怪氣的生物上，還有一個軟表搭在怪物旁邊的平台上。在荒涼的海灣背景下，像是一個時間已經絕對停止的世界。

《記憶的永恆》表現了一個錯亂的夢幻世界，海灘上躺著一隻似馬非馬的怪物，它的前部像是一個只有眼睫毛、鼻子和舌頭荒誕地組合在一起的人頭殘部；濕麵餅般軟塌塌的鐘錶尤其令人過目難忘，好像這些用金屬、玻璃等堅硬物質製成的鐘錶，在太久的時間中疲憊不堪，於是松垮下來。無限深遠的背景，給人以虛幻冷寂，悵然若失之感。這幅畫是達利早期超現實主義畫風的典型代表。

安迪·沃霍爾《瑪麗蓮·夢露》1967

安迪·沃霍爾（Andy Warhol，1927-1987）被譽為二十世紀藝術界最有名的人物之一，是波普藝術的倡導者和領袖，也是對波普藝術影響最大的藝術家。

1967年，就在《坎貝爾湯罐頭》系列主題展結束的那一天，風靡全球的性感影星瑪麗蓮·夢露自殺了。這讓喜歡他的沃霍爾既震驚又傷心。他難以忘懷夢露在地鐵中，用手壓著被風吹起的裙裾的撩人姿態。

因此她創作了《瑪麗蓮·夢露》，以紀念她不朽的美麗。畫家用「絹印法」這種感光式的版畫複製方法，畫出23個配色不同的夢露的頭像。其中，金頭髮、藍綠眼珠、塗著淺綠眼影和大紅唇膏的夢露，是他最喜歡的樣子。所以他又再次將它複製了25次，放在同一幅畫上。

羅伊·利希滕斯《溺水的女孩》1963

在所有的藝術流派中，利希滕斯坦總是將立體主義視為對他影響最持久、最深刻的藝術風格。而對於東亞藝術，利希滕斯坦在早年的《溺水的少女》中表現海水的場景時就有受日本浮世繪影響的痕迹，而晚年更是對中國山水畫起了興趣，過世前一年還將創作的系列山水畫在卡斯特里畫廊展出，讓人忍不住設想倘若生命被延長，利希滕斯坦也許會為我們帶來山水畫的另一種創作和表現的可能吧。

栗田穣崇《Emoji》 1998–99

emoji的前世今生！我們現在流行使用的emoji表情是由日本工程師Shigetaka Kurita（栗田穣崇）在1999年發明的。當時為了推動自己的互聯網平台，提升體驗感，創造了250個左右的第一批emoji繪文字。

艾爾·安納祖《流血的塔卡里II》2007

艾爾·安納祖(El Anatsui)1944年出生於迦納，是目前在世且依舊有從事藝術創作中最重要的一位非洲藝術家。他被認為是變廢為寶的藝術大師，非洲藝術家的典範和驕傲，之所以這樣說是因為他的作品不僅參加威尼斯雙年展，還在蓬皮杜藝術中心的常年展館裡有一席之地。

這幅作品是納入MoMA展覽的新作品之一，它是由各種瓶蓋製作而成的一副流光溢彩的帷幔是由多用途瓶蓋製成的，代表了歐洲文化在數百年非洲殖民地中的滲透。

以上就是部分登陸墨爾本的時代藝術珍品，嚮往在藝術殿堂中暢遊的小夥伴千萬不要錯過！

部分整理自墨爾本吃飯吧