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藝術愛好者絕不可錯過三大展覽:藝術的魔仗所觸之處,當變為不朽的現實

Fondation Louis Vuitton

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巴黎向來是個慵懶閑適、滿富創造氣息的城市

不用上班的和退休的巴黎人

日常打發時間的方式

也充滿著濃厚的藝術氛圍

這一點,你站在路易威登基金會入口

便能直觀的感受到

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是的,看官們!

又到了看藝術展升華靈魂的時候啦!

看展地點便是路易威登基金會(Fondation Louis Vuitton),這地方大家都很熟悉,小編就不多說啦!

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畢竟路易威登基金會舉辦的藝術展

必屬經典!

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本期共有三場大展,它們分別是:

Egon Schiele – Jean-Michel Basquiat

The Courtauld Collection

In Tune with the World

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一起來看看吧~

Egon Schiele–Jean - Michel Basquiat 畫展

時間:2018 年 10 月 3 日-2019 年 1 月 14 日

Egon Schiele

Jean-Michel Basquiat

這場展覽名便是由Egon Schiele和Jean-Michel Basquiat兩位藝術家組成的,他們都是在追求自身藝術生涯目標的過程中打破傳統,都用了不到 10 年的時間就分別成為各自所處年代的藝術領域的重要人物,也都逝世28 歲。

此次展覽中, Jean-Michel Basquiat 的很多作品都是以前從未公開過的,來自 LVMH 主席 Bernard Arnault 的個人收藏。

Egon Schiele

(1890~1918)

「他坦率而色情的裸體畫震驚了維也納,不合時宜的死亡讓他被藝術史遺忘了50年。而今,他的肖像畫揭示了一位一流藝術家大膽的構圖和感性的內心。」

Egon Schiele是 20 世紀初奧地利繪畫巨子,師承 Gustav Klimt,其時代表現主義畫家的代表,1890 年出生於奧地利圖爾恩,逝於維也納。

16 歲的席勒考入維也納美術學院,在克里姆特指導下學習,並結識了科柯施卡。他的畫最初受學院派和印象派影響,打下了堅實的造型基礎。受克里姆特和科柯施卡之後,他的作品具有明顯的裝飾風格,其作品以扭曲的身體、神經質的線條為特色,因表現力強、原始性慾的主題以及很多裸體自畫像而聞名。

瘦骨嶙峋的線條

不抒情,不圓潤,不溫和,只咄咄逼人

卻躍動著十足的生命力

那是一種直戳人眼,讓人生痛的力量

席勒被死亡籠罩的童年是他終生無法擺脫的陰影,亦是他在藝術上對病態與死亡元素詮釋的源頭。三個哥哥在他年幼時相繼夭折,唯一的姐姐在他 3 歲時死去,而父親則在他 15 歲時死於梅毒,死亡對於席勒總是如影隨形。

也因此

他的繪畫中總滲透著一種痛苦

而痛苦鑄成的線條,比圓潤剛性,比溫和凌厲

19 世紀末 20 世紀初期,現代主義畫派興起,席勒開始接觸到人體與性的題材。

他筆下的人物大多形體瘦長,冷峻剛直的線條令人震顫,除對人物表情動作的誇張刻畫外,著意描繪人物神經質的情緒。

作為年輕的男人,席勒最本質的生命是他的情慾,所以他的畫里處處在勾勒情慾。他也曾因描繪情慾而遭受過非難,22 歲那年,他被控以色情污染文化藝術,曾被短期監押於監獄,並被當庭燒毀過多幅作品。

對於這些誹謗,席勒坦蕩的表示:「否認性的人才是真正的淫穢,因為他們以最下作的方式侮辱了生他們的父母。」

1914 年到 1917 年間是席勒作品更為成熟的時期,畫作風格較早期更為大膽。《斜躺的女人》標誌著這一趨勢的開始,畫中的女人穿著夾克趴在地上,如同雕塑一樣展示著發胖健碩且並不完整肉體。

1918 年秋天,席勒懷有六個月身孕的妻子愛迪絲因流感過世,席勒恐懼至極,然而僅僅三天後,28 歲的席勒也因感染瘟疫去世。

Egon Schiele 此次的作品展覽分為四個章節分別展示 Egon Schiele 在人生不同時期的作品:The Ornamental Line (1908-1909)、The Existential Line of Expressionism (1910-1911)、The Physical Balance of the Combined Line at the Dawn of the First World War(1912-1914)、The Amputated, Fragmented Line during the War Years (1915-1918)。

Jean-Michel Basquiat

(1960~1988)

從街頭塗鴉到高端時尚

在上世紀七八十年代的紐約藝術圈,如果說起塗鴉、瘋狂、憤怒、自我毀滅、才華橫溢等辭彙,那第一反應一定是Jean-Michel Basquiat。

Jean-Michel Basquiat

一位對藝術和時尚影響極其深遠的美國當代黑人藝術家

Basquiat 17 歲時從高中輟學,靠著天賦和少年意氣在紐約這個城市表面的亂塗亂畫。

在 SoHo 街區的牆上,在紐約地鐵的車廂上,隨處都可以見到他任性妄為的「大作」,每幅塗鴉旁邊都被簽上「SAMO」的記號。

1980 年

Basquiat 受邀參加「時代廣場展」

正式步上藝術家生涯

1981 年,Andy Warhol邀請 Basquiat 參加了名為「紐約/新浪潮」的展覽,次年這位藝術的街頭流浪兒正式走進主流藝術圈。

1982 年是 Basquiat 輝煌的一年,在紐約 Annina Noisei 美術館舉辦了他的第一次個展,當時藝術界甚少有黑人拋頭露面,22 歲的 Basquiat 聲名鵲起可謂一個奇蹟。

Basquiat 的作品中充滿了憤怒、瘋狂的形象,他的作品是繁雜、喧鬧甚至野蠻與高超技藝的混合物。而當下,時尚界則將他的藝術注入一種擁有更廣泛受眾的藝術產品時裝中。

他那具有爆炸性的新藝術——反傳統與污穢的藝術,驚醒了沉睡中的在美國佔主導地位的白人藝術。

在不到八年的時間裡,Basquiat 的藝術取得了可與歐美主流藝術——概念藝術與極少主義藝術並駕齊驅的驕人業績。

面對歐洲人對 Basquiat 藝術幾近瘋狂的熱愛,美國人不得不重新審視 Basquiat,改變對他的藝術的原有認識,首次將一個黑人藝術家視為最有發展潛力的少數民族藝術家。

1987年,Andy Warhol 過世,Basquiat 傷心不已。一年後,在一次吸食毒品過量後,年僅 28 歲的 Basquiat 死在自己的公寓中,但他短短十多年創作生涯中,留下了無數塗鴉作品,深深影響了後來的街頭塗鴉界。

此次展覽的作品的時間線

將涵蓋 Jean-Michel Basquiat 整個藝術生涯

The Courtauld Collection

時間:2019 年 2 月 20 日~7 月 17 日

「The Courtauld Collection. A vision for Impressionism」將展出由英國實業家、同時也是該展覽的贊助人Samuel Courtauld(1876~1947)收藏的繪畫等作品,這些藏品是 60 年來首次在巴黎展出,其中大多數作品現在保管在 Courtauld 畫廊,也有少數由私人收藏家或公共收藏機構保管。

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另外,此次展覽的作品中還將包括William Turne的水彩作品,這些作品為 Samuel Courtauld 的弟弟 Stephen Courtauld 所有。

Pierre-Auguste Renoir

Paul Cézanne

觀眾可以在該展覽中看到 19 世紀末到 20 世紀初的一系列出自 Edouard Manet Georges Seurat、Paul Cézanne、Vincent Van Gogh、Paul Gauguin、Pierre-Auguste Renoir 等大師的約 100 件作品。

Samuel Courtauld 對法國印象派在英國藝術領域的推廣有著重要貢獻,其藏品中囊括了很多具備代表性的作品:

MANET 馬奈的《A BAR AT THE FOLIES-BERGèRE》

GAUGUIN 高更的《NEVERMORE》

RENOIR 雷諾阿的《LA LOGE 》

以及 VINCENT VAN GOGH 梵高的《SELF-PORTRAIT WITH A BANDAGED EAR》

其中《Self-Portrait with a Bandaged Ear》更是繼 1955 年在 Musée de l』Orangerie 展出後的首次在巴黎展出。

In Tune with the World

時間:2018 年 4 月 17 日~2018 年 8 月 27 日

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以上兩個大展離開幕還需要等上一段時間

這個展覽就不必啦!

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In Tune with the World精選了一批新銳藝術家的作品,以探索人類在環境中的地位以及與宇宙之間的關係為主題,突出人類、動物、植物甚至無機體之間的聯繫。

該展覽分為Sequence A和Sequence B兩個部分。Sequence A 位於二樓(涵蓋 9、10、11 號畫廊),用於展出日本藝術家村上隆(Takashi Murakami)的作品。

村上隆依託日本的政治、文化和社會歷史,融合卡哇伊美學和原子彈、海嘯等近代本國創傷,創造出與現實相隔絕、既黑暗又美妙的異想世界。藉助不同形式和材料,藝術家任由想像力恣意馳騁,其作品色彩飽滿,充滿幻想中的生物、半人半獸,融合了流行和學術文化、佛象和漫畫、傳統和現代、西方和東方、古老技藝和現代技術。

9 號畫廊專門用於展出DOB

這是藝術家在 1993 年創造的第一個角色

被他視作另一個自我

11 號畫廊是一個卡哇伊的空間

而重頭戲是 10 號畫廊中展示的巨幅壁畫《章魚吃掉自己的腿》(The Octopus Eats Its Own Leg)。這件作品此次首次亮相歐洲,它借鑒了 18 世紀日本繪畫的傳統意象、結合古代壁畫的特質,以當代風格重新演繹了中國道教八仙的傳說。

讓 - 保羅 · 克拉夫利認為村上隆是當今世界數一數二的偉大藝術家,他的藝術是獨一無二的。

談及藝術家之前幾年與品牌的合作,克拉夫利說:「更多是村上隆選擇了路易威登,因為路易威登代表了一種美學,就像沃霍爾的藝術一樣是一種文化象徵。但這次展示的村上隆作品與品牌無關,是藝術家的獨立表達。他的藝術看起來非常波普甚至搞笑,但事實上充滿深度,講述了死亡、災害,有許多來自日本神教、漫畫意象,他將不同的元素組合在一起,構成了充滿力量的文化、藝術對話。」

而 B 系列「生活在宇宙中的人」則在 3 層不同的空間中呈現展品。

皮埃爾·於熱,《人形面具》,視頻作品,2014年

「Irradiances」(一樓,涵蓋 5、6、7 號畫廊):「Irradiances」一詞意指燈光裝置藝術大師 Dan Flavin 的光束,彙集了繪畫、雕塑、視頻、裝置等各種媒介的藝術作品,來自 14 位藝術家的作品圍繞著「發光」(Irradiances)這一主題,每件作品都有關人與自然的持續對話,探討了不同材料及它們的變形如何創造一種宇宙景象。

克里斯蒂安·波爾坦斯基,《靈魂的音樂》,2014年

「Here, infinitely…」(負一樓,涵蓋 4 號畫廊):涉及的藝術家包括 Cyprien Gaillard、Wilhelm Sasnal 和 Adrián Villar Rojas,這三位藝術家通過對標誌性藝術作品進行改造,跨區域串聯將歷史、當下、未來世界串聯,反思了人類在歷史中的主導地位及消亡的可能性。

阿爾貝托·賈科梅蒂,《傾覆的人》,1950-1951年

「The man who capsizes」(負二樓,涵蓋 1、2、3 號畫廊):彙集了各種形式的人體作品,這個系列的靈感來自各種身體形態,從最真實到最虛構,呈現了 13 位現當代藝術家對身體這一最古老的藝術表現對象的思考。馬蒂斯剪紙形式的身體翩然起舞,克萊因則將人體變成了活的畫筆;多米尼克·岡薩雷斯-福斯特(Dominique Gonzalez-Foerster)、奇奇·史密斯(Kiki Smith)等多位藝術家則從文學、音樂、宗教、大眾傳媒中尋找靈感,探討「身體」在歷史、社會中的特殊意義;而在鄭曦然(Ian Cheng)與馬克·萊基(Mark Leckey)思考人類的最終命運,在他們的作品中,人的形象與其他生物形象之間的界限變得模糊。

「積極全球化」是此次展覽的宗旨:在展作品打破時間、地點的隔閡,向不同文化背景的參觀者分享藝術帶來的精神自由。

「與世界共鳴」,探尋新的可能性!

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一指禪 戳戳戳!


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