還有什麼能比這樣的電影更消夏？

最近又一部好電影出資源了，是今年戛納爭奪金棕櫚的種子選手之一。

這部片子當時一出，立刻就成為戛納第一個爆款，無論哪一國的影評人，都愛死這部電影了。

比起其他幾部金棕櫚熱門，很難說《盛夏》贏在深度或導演技巧性上，相反，許多人被這部電影吸引是源於它的有趣。

《盛夏》以其較為輕鬆和青春的姿態，和其他的競賽電影明顯區分開來。

《盛夏》

Лето

首先，試想一下，在電影的最高殿堂戛納看一部MV電影是一種什麼樣的體驗？

主線很簡單，是搖滾樂手成名史，加一對三角戀情。

一個是著名的搖滾樂手，卻面臨著才華消退的危機。

一個是剛出茅廬的搖滾新人，才華卻擋也擋不住。

如果是一般的導演，則又是一個搖滾新人上位史的熱血故事。

但這位蘇聯導演不同，他在這兩人之間又加了一段三角戀情，他又將鏡頭對準妻子的游移、丈夫的苦悶和新人少年的猶豫不定。

不顯狗血，反而將這黑白影調下逼仄空間的情感游移展現得恰到好處。

惹眼的攝影和一段段配合著經典的搖滾曲目、帶著幼稚狂想意味的MV段落，更是將他的才華展露無遺。

這些MV段落似有炫技之疑（畢竟太可愛也太炫酷了），但難得的是它們並沒有淪為純粹的技巧展示或噱頭，而是帶著確鑿的表意功能。

更有趣的是看那些在劇情中突然插入卻並無違和感，反而十分驚艷的MV段落。

比如第一段MV，前一秒還是大巴車上迂腐老人與搖滾樂手們的爭吵。

下一秒，樂手被人拖進去毆打後出來，就開始進入MV段落。

爭吵，毆打，生氣，怒吼，歌唱，搖滾，推進得毫無違和感。

這一段的配樂選自大名鼎鼎的《psycho killer》，無論曲調、歌詞都無比貼合片中氛圍。

個別段落更是極盡幽默之能，酣暢淋漓。

再如主唱得知妻子出軌的一段，他在路邊買醉，遇見一個同樣失戀的女人。

BGM響起，是Lou Reed的《Perfect day》。

歌詞唱著「美好的一天」，曲調卻極盡憂傷，配合著片中的大雨，像憂傷版本的《雨中曲》。

在悲傷的黑白影像中，導演用滑稽的筆調為失戀的女人畫上紅色裙子，讓男人在房子里遇見掉落的天使。

一個長鏡頭，所有的情緒：悲傷、荒誕、壓抑、無望，全都有了。

但「有趣」和「青春」的標籤，卻並非「膚淺」的同義詞，相反，這部電影有非常明確的政治表達。

影片一開始便開門見山，搖滾樂隊在台上恣意地唱跳，台下的觀眾卻只能規規矩矩坐著，他們在嚴密的監控下連頭都不敢跟著節拍晃動。

嚴密的政治高壓，被束縛著的人民，體現在搖滾樂中蠢蠢欲動的反叛因子。

這樣一部看似輕鬆愉快的關於搖滾的電影中，其實隱含著及其嚴肅的政治思考和表達。

《盛夏》在五月的戛納獲得了來自不同國家的喜愛，導演謝列布連尼科夫卻未能如約而至：他被捕了。

這位充滿勇氣的導演不斷用自己的作品與當權政府對抗，最終以「挪用公款」的名義被逮捕，至今仍未出獄。

但我想，這部充滿反叛精神的電影能在戛納參賽，並獲得如此多的喜愛，就是我們以自由之名對他給予的最好支持。

不僅《盛夏》，還有許多內含反叛因子的音樂電影，以夏天為背景揮灑汗與淚，以鼓槌為武器尋求反叛與改變。

電影菌覺得，大概沒有什麼能比在夏天看一部音樂電影更能沁人心脾了，無論它是清涼，還是熱血。

今天電影菌就借著這個機會來安利那些攜帶著反叛因子的音樂電影，不多，就三部，但部部精品。

1、《爆裂鼓手》（Whiplash）

因為《愛樂之城》而被廣泛認識的導演達米恩·沙澤勒，其實從來不是一個好萊塢乖乖牌導演。

即使是受眾廣泛的《愛樂之城》，其愛情觀也並非普世的：他們分開不是因為不愛了，而是因為二人的價值觀分道揚鑣了。

達米恩也敢於用一個悲劇作結，而非傳統好萊塢式的嘻哈團圓結局，看似人人討好，其實毫無立場。

而在《愛樂之城》之前的《爆裂鼓手》，達米恩就不僅顯示出他高超的導演技巧，更顯示出其反叛傳統的價值觀念。

這部電影，才是對「犬儒主義」的狠狠一擊。

通過一個變態的老師，一個不擇手段想要成功的鼓手，達米恩在說：沒有什麼比「中庸」更害人的了。

成功從來不是中庸，成功的過程更像是一個不斷失去自我、和魔鬼簽訂契約的過程。

許多人把這部電影錯誤地理解為庸俗的「美國夢」背書模板。

但這部內核極為暗黑的電影其實在不斷地顛覆這一傳統價值觀，比起批判，它更像是通過這個故事給予觀眾一場反思和嘲諷——

訓練的過程，比起單向的鞭策更像是一個互虐的SM過程。

成功地過程，與其說逐夢、熱血，其實用殘酷、失去來形容更為適合。

如果成功是這樣那搞得，平庸的人們還願意去追求嗎？

拷問無處不在。

當然，作為音樂片來看，此片最牛的地方在於：全程的鼓點作為背景音樂和剪輯點無縫交融在一起，驚艷程度令人咂舌。

無論價值觀你贊成與否，但當成音樂片來看，是絕對的五星。

2、《迷牆》

The Wall

之前我們也介紹過這部令人震驚的MTV電影，電影真正的主角是英國的殿堂級搖滾樂隊——Pink Floyd。

不像前面介紹的其他電影，或是在劇情中穿插MV，或是以音樂為主題構建故事，這是一部沒有完整劇情，95分鐘都是MV的電影。

影片以樂隊主唱的成長史為線索，敘事手法極其前衛，動畫與真人影像交織，現實以超現實的方式表現出來，呈現出一種夢幻迷離甚至略帶恐怖氣氛的影像質感。

從來沒人用95分鐘的電影時長來拍MV，也從沒人用MV的形式來拍一部95分鐘的電影。

《迷牆》開先河的意義不止於此，它還用強烈的影像風格進行了極為激烈的政治批判，在當時石破天驚。

在學校上學的孩子們如同一個個行走的機器，如同高高築起的牆壁的磚頭，沒有生命力，沒有反抗力，走上名為「社會」絞肉機，紛紛被絞成肉末。

人的肉體、人的精神被封印在高牆中，呼喊、尖叫，乞求掙脫。

刀斧排列成軍隊行進的形狀，它們是納粹的標誌，是軍人的標誌，是整齊的、威嚴的、不可反抗的標誌。

在這樣的高壓社會，沒有人不是被異化的。

無論是真人影像或動畫，《迷牆》都顯現出了一種直擊人心的震懾力。

在這樣的影像面前，唯有Pink Floyd的偉大搖滾才是它真正的註解。

3、《醉鄉民謠》（Inside Llewyn Davis）

無論從這部電影的名字還是那首著名的插曲《five hundred miles》來看，這部片子似乎都應該是溫柔清新型的。

但不好意思，不是。

請看它的導演：溫情殺手——科恩兄弟。

電影講什麼？一個民謠歌手逐夢的故事。

但科恩兄弟怎麼講故事？

一個挫敗，兩個挫敗，三次失敗……你以為他總會成功的，但沒有，到最後一刻都沒有。

在這曲完全「反烏托邦」「反美國夢」的失敗者之歌中，可貴的是科恩兄弟沒有讓人物成為灰頭土臉、全然潰敗的失敗者。

他的確失敗了，卻仍然有他的柔光時刻、他的發光時刻。

而片中出現的諸多曼妙的民謠，幾乎就為這個失敗者打上了十足的高光。

這部電影最好的地方在於，它沒有猛灌雞湯，更沒有極力打壓人物。

導演讓他一路跌跌撞撞，遇到些許美好，遇到些許溫柔，但也遇到許多頭破血流的時刻，人物的迷茫心境與前程未卜讓銀幕前的我們達到了最大的共情。

我們不是要去看人物如何成功，抑或如何失敗。

《醉鄉民謠》里，科恩兄弟告訴我們看電影還有另一種方式：感受他們，無論他們成功抑或失敗。

四部電影，網上均有資源。

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