導演必修課之該如何給演員講戲

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一部好的影片或許離不開

賦有張力的演員表演

天馬行空風格肆意的攝影

細膩入微震撼人心的後期特效

秉承優雅藝術的美術設計

當然最離不開的就是一個

集幽默霸道頑皮認真與一身的

導演

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為什麼說導演是集幽默、霸道、頑皮、認真於一身呢？平常導演這個職位真的挺嚴肅，尤其是在喊「CUT」的時候，劇組哪個部門不都心底一怵。心想如果要再來一條，千萬別是我們這出的錯。

但是如果真正見過特別會給演員講戲的導演話，你會覺得其實每個導演的內心或多或少都有點童真。今天我們就來研究一下，導演怎麼給演員講戲。

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我們看一部電影，故事、視聽語言、演技，這三者對於一部好電影來說都是不可或缺的。大部分電影在開拍之前故事已經確定好了，這個主要是前期項目籌備過程中的任務。

視聽語言是導演與各方的協作，由導演把控領導創作，因此往往具有導演獨特的個人風格。而我們在評判演技時，主要是看演員的表現力與角色的融合度是否契合這部電影。

大部分導演最注意的是前兩個部分，觀眾們也往往都將角色的詮釋都歸結於一個好的演員。但鏡頭的表現實際上是應該與導演的指導和演員的努力都分不開的。

事實上，剛入門的導演只會大談特談自己想要的視聽語言風格，要一個酷炫的長鏡頭還是要選用什麼樣的色彩對比，卻忽視了在片場除了這些，最應該做的是指導演員。因為演員才是能講你的意圖表現的最明顯的人，鏡頭語言都不是。

講戲首先要避免的是結果性指導。什麼是結果性指導？一場戲生死離別的戲，告訴演員，你很悲傷，你要哭，要哭的更用力一點。這就是結果性指導。一般的觀眾都知道這是個悲傷的情景要哭，但是這種結果性指導的戲可看性其實沒有那麼豐富。

如果這場很悲傷的戲，演員沒有哭，反而笑了，給觀眾的震撼力是不是更大呢？結果性指導常常有用，但是也不總是有用，有時它這種模糊又概括的界定反而浪費了好演員的靈氣。

據說，李安在拍《理智與情感》的一場戲，講述角色得知自己的意中人並未結婚，女演員覺得對著鏡頭哭很難看，問他應該怎麼才能讓演出真情流露。

李安告訴她：不要演哭，要演難為情。因為你一向很自製，平日里矜持端莊，在得知心上人還是單身並且依然鍾情於自己時，你的感情興奮地向前沖，理智卻在努力向回收。

這就是高級的指導演員方法。所以離開了李安的湯唯，從驚艷的演技又變成了正常發揮。

如果是作為導演，指導新人演員，要盡量避免告訴演員形容詞，更多的告訴他們動詞。告訴他們你想要的是什麼，形容詞的界定對於演技來說實在是很模糊，比如說悲傷的界定就有很多種，你想要的是哪一種呢？

但是如果將你想要的表演直接轉換成動詞，「睜大眼睛流淚或者閉上眼睛流淚」，會不會好一點呢？

培養演員之間的默契感，在電影中也是很重要的事情。就像如果現在一些偶像劇男女主之間沒有「CP感」，那觀眾可能就會不斷的討論他們之間沒有火花，從而忽視了創作者所創作的故事本身。

所以關錦鵬讓劉燁和胡軍兩個人在《藍宇》劇組培養感情，陳凱歌的《搜索》也促成了高圓圓和趙又廷之間產生愛情。

雖然在片場，話語權最重的是導演，但是導演應該充分尊重並且利用演員的一些即興表現，與演員耐心溝通交流，給他們一定的空間，抓住他們表演中的那一顆閃光點，然後將他放大，可能會讓整個表演收穫驚喜意外。

姜文在上海電影節閉幕式上說，他認為「表演不是在裝模裝樣,演員拍戲是把自己的內心，包括自己的時間都搭出來。而作為導演，是要把演員他們的生命和角色生命融在一起拍下來。」

第一次給演員說戲，好的導演都具備一種能力，就是完全吸引住演員，把自己腦子裡已經形成立體人物形象傳達出去。

這不是告訴演員每個動作怎麼做，而是幫助演員建立他對角色正確的理解，等到了現場的時候，透過一些關鍵性的動作和細節刻畫，讓自己身臨其境的進入角色，完成表演。

除了講戲，導演還會安排和設計演員的走位，配合鏡頭設計，運動或靜止，環境燈對氣氛的鋪設，美術道具的運用等等，完成一場戲的調度。

再深入一些，看看大導演是怎麼講戲的。

姜文導戲

姜文是一個中國少有的兼具表演和編導才華的人。作為演員的姜文，曾以他精湛的演技出色地主演了《末代皇后》、《紅高粱》、《芙蓉鎮》、《春桃》等影片，三年內兩度拿下百花獎的影帝獎盃足見其表演功力。這麼會演戲的導演在現場是怎麼導戲的？

早期姜文拍戲的時候，演員基本上是沒有見過劇本的，所有的分鏡頭劇本，和調度都在姜文腦子裡。其實看了劇本也白看，姜文是屬於直到剪輯的時候都在創作的導演，《讓子彈飛》就是，不到他剪完為止，誰都不知道故事原來是這樣的。

當年拍攝《陽光燦爛的日子》的時候夏雨其實特別皮。那部戲從夏天拍到冬天，時間很長。有一場戲是夏雨從樓梯摔下來的。那場戲拍了很多條，因為夏雨害怕自己受傷，每次都假摔，動作看上去很不自然，姜文偷偷抹了點油在樓梯上，讓夏雨真的滑倒了一下，這樣就非常自然。

因為是演員出身的關係，姜文在現場給演員講導起戲來，演員覺得舒服。在這樣的關係下，他能發掘演員最大的才華，能通過自己的方式刺激演員做到自己想要的表演高度。

這樣的導演懂得處理演員和戲劇之間的矛盾，懂得鋪展創作，所以才有了源源不斷的靈感，這種靈感不僅來於生活、劇本、也來源於表演。

關錦鵬導戲

知道關錦鵬的同學大概都看過《藍宇》這部片子。肯定很好奇當年關錦鵬在指導兩個男演員演戲的時候是什麼樣的狀態。

一開始關錦鵬看了《北京故事》這個小說後並不是很喜歡，覺得小說是以異性戀視角看待同性戀，拍成電影就有點「剝削、消費同性戀」的意思，但他沒有明確跟張永寧講這個，只說很難拍，大陸一定會禁的，不光上映不可能，連去大陸拍片都是個麻煩。後來終於決定拍，關錦鵬就按自己的意思對故事做了很多改動。

在拍攝的過程中，讓價值觀不同的演員進入特殊的角色很難，只有導演深刻理解並具體到位的把控細節，才能幫助演員表演的如此到位。

不得不說胡軍和劉燁是難得的好演員，敢於挑戰和嘗試。《藍宇》拍完時導演關錦鵬對他倆說的第一句話就是：「你們倆儘快從這部電影里跳出來，不然以後對你們沒有好處。最好是一年之內別見面、不要有任何聯繫。」

導演就是這樣，必須比演員更快的進入角色，必須比演員更加理性的看待角色。進可以穿梭在劇本每一個角色來去自如的做處理，退也有萬花叢中過片葉不沾身的內韻。

楊德昌導戲

還有就是要提一下楊德昌導演的《牯嶺街少年殺人事件》。因為在影視中小孩子的表現能力，最看的出一個導演的導戲能力。

楊德昌找到張震時，張震才十五歲。十五歲差不多是少年自我意識的覺醒時期。當時在片場拍最後一場小四殺死小明的戲，張震坦說感覺自己真的殺死了對方，自己失控一直在哭，而導演也不喊停就放著他哭，戲裡戲外融在一起。

楊德昌真的是一個很求真的人，他說他在拍戲講戲的時候最接近於內在的自我。

《牯嶺街》的最後借男主人公小四，朝劇中電影導演大喊：「你連真的假的都分不清楚，還拍什麼電影啊。」

正是因為在楊德昌心裡電影不僅僅只是娛樂消遣的工具，電影應該是對眼前世界的總結和反思，熒幕只是一個入口。

李安導戲

身為坐擁諸多影戲獎項，年過60的李安導演談到拍攝時說：「我從來都沒有想要交給演員什麼，我只是在引導他們走進角色的內心」。

章子怡在接受採訪的時候曾經跟楊瀾說，她拍李安導演的《卧虎藏龍》的時候特別苦，遲遲進不了戲。

李安導演就總是找她聊角色，在現場因為面部的細節會經常NG。導演很嚴苛的在片場一直要求，一直試探。有一天她去導演辦公室的時候，發現導演正在試別的演員的戲，內心就有了很大的壓力。

事後李安知道此事之後找到章子怡並告訴她：」懷抱著電影夢想，再大的困難也只會被當做一種樂趣，折磨也變得可以接受。若喜歡一個行業，但凡會接收善意的折磨。」

《色戒》對於李安來說是一場充滿了變數和冒險的電影，李安導演能做到對演員啟發以及捕捉演員。

湯唯那會兒是新演員，她純真、努力時很動人。相比之下，湯唯的天才之處是在於進入角色狀態後，就不會出來了。而梁朝偉就比較難做到，因為進出角色太多趟。

導演說服梁朝偉和湯唯像是在賭一個共鳴，結果來看正如李安所說，他只是做了引導。

王家衛導戲

王家衛拍戲經常不按套路出牌。一部電影從開拍到殺青，幾年的時間就沒了。而且他不用劇本，給演員安排一個場景，讓演員即興發揮。據傳聞王家衛是個很自信但並不會恃才自傲的人。

第一次在片場當導演時，他也非常緊張，一直站在風中凌亂，不知如何是好。然後，王家衛發了條簡訊向張叔平求救，張叔平回復他：「反正你是導演，沒人知道你要拍什麼的，你就隨便拍好了。」

從此之後，電影界出了一個習慣「隨便拍電影」的大佬。

王家衛拍《重慶森林》的時候基本就是給出演員一個情景，在毫無準備的情況下讓他們演出來，直到林青霞在最後一場戲的時候才恍然大悟原來自己是個殺手。

拍《春光乍泄》時，用勞倫斯布洛克騙梁朝偉去阿根廷，到達的第一天就給他拍和張國榮的床戲。拍完後據杜可風回憶梁朝偉整個人都崩潰了整整三天沒說一句話。

拍《花樣年華》時，王家衛與張曼玉已經好多年沒有合作。開拍之初，張曼玉一直掌握不了王家衛的拍片方式，每次問王家衛應該怎麼演時，王家衛都擺出一副笑臉說：「哈哈，隨便啊。」

比如，片尾蘇麗珍重回舊屋，在窗前流淚的鏡頭。在拍前，張曼玉問王導應該怎麼演，王家衛說，隨便啊，你覺得咧？張曼玉說，我覺得我是蘇麗珍的話，我會哭。王家衛說，那你就哭。

對於許多電影人來說，導演其實並不是一個稱謂，導演更像是一個孤獨而又聳立的獨立石碑，讓人很難不去依靠的同時又望而生畏。

反倒是在給演員講戲導戲的時候，你會覺得，能從事這個職業的人都有一個敏感繁瑣卻有趣的靈魂。

每個人看待電影的方式不一樣，創造的手段不一樣。立志成為導演的人，首先要學會的就是不厭其煩的去講戲。

對自己耐心，也對演員耐心，往往是成敗的第一步。

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