世界名畫廣場：大師作品背後隱匿的文章

基督的復活——皮耶羅·德拉弗朗西斯卡於十五世紀六十年代創作於聖塞波可

每一幅名畫的身後都有著耐人尋味的故事。基督的復活，在經歷了幾個世紀的起起伏伏，先後被讚譽，被遺忘，被毀壞，被複原，但其本身不可磨滅的藝術價值和宗教意義使其經受住了歷史的考驗，流傳至今。在這幅名作坎坷的生命歷程中，發生在二戰時期的一個故事最為讓人動容。

當《基督的復活》逐漸聞名，世界各地的人們慕名前來，這其中就有阿道司·赫胥黎（著名英國作家，著有《美麗新世界》）。這位作家被畫作所震撼，在其旅行日誌里寫下「它光芒四射地聳立在我們面前——這世界上最偉大的畫作」，並在日後將日誌發表。但是他怎麼也不會想到，20年後，他的一句話，決定了這幅曠世傑作的命運。

二戰時期，盟軍一路掃蕩義大利，直逼德軍佔領的聖塞波可。一位英國陸軍軍官，安東尼克拉克和他所屬的炮兵連在俯瞰小鎮的山上接到上級炮轟的命令。克拉克下令炮轟，但不久這位飽讀詩書的年輕人就開始覺得不安。聖塞波可，為什麼這個名字如此熟悉？終於，克拉克回憶起戰前讀過阿道司·赫胥黎的旅行日誌，書中提到，在這個小鎮里，珍藏著世界上最偉大的畫作——基督的復活。

克拉克立即下令停止轟炸。即使這樣，克拉克還是十分擔心自己已經對這幅名畫造成了嚴重的損害。但值得慶幸的是，畫作完好無損。克拉克的戰友回憶道：當他們最終站在這幅傑作面前時，他們清楚地感受到自己正與一幅偉大的藝術傑作面對面。後來盟軍得知，德軍已經撤離了聖塞波可。如果炮轟繼續，不只在軍事上毫無意義，還會使又一件人類文明的瑰寶葬送在戰火硝煙中。而整個故事最讓人感動的，是克拉克本身並沒有見過這幅畫作。僅僅只是因為一個同樣珍愛藝術的作家的一句話，他就意識到自己面臨著怎樣重大的抉擇。

德拉克洛瓦是法國最典型的浪漫主義藝術家，是法國大革命以來法國畫壇的一位才華出眾的人物，被稱為「浪漫主義雄獅」,其作品具有非凡的魅力。。德拉克洛瓦認為只有想像力才能捕捉最本質的東西，把藝術從學院派和古典主義的桎梏中解放了出來。對人物情感的深入刻畫、大膽的構圖和絢爛的色彩是他和他所代表的浪漫主義的主要繪畫特徵。《自由引導人民》就是其中的典型之作。

此畫取材於法國1830年的「七月革命」。它是法國人民反對波旁王朝復辟封建專制主義的鬥爭。因為鬥爭發生在1830年7月27日，所以此畫又名《1830年7月27日的起義》。德拉克洛瓦親眼目睹了這一革命事件，同年他就創作了這一作品。德拉克洛瓦在作品中大膽地將寓意象徵和真實的現實生活場景很好地結合在一起。具有現實主義與浪漫主義相結合的特色。

這幅喬治·修拉的《大碗島上的星期日下午》描寫的是巴黎附近奧尼埃的大碗島上一個晴朗的日子，遊人們在陽光下聚集在河濱的樹林間休息。有的散步，有的斜卧在草地上，有的在河邊垂釣。前景上一大塊暗綠色調錶示陰影，中間夾著一塊黃色調子的亮部，顯現出午後的強烈的陽光，草地為黃綠色。陽光透過了樹林，而投射在草地上的陰影，被色彩強調得界限分明。赤色、白色的衣服、陽傘和草地都現出一種好像散發蒸氣一般的黃色。色點彼此交錯呼應，給人以一種裝飾地毯的效果。畫上的人物也畫得很可笑，一個個看不清面孔和五官，連輪廓本身也都被小圓點弄得模糊不清了，似乎所有事物都是影影綽綽的。

這幅《大碗島上的星期日下午》稱得上是修拉的色彩科學實驗中的經典作品。點彩繪畫是一種很有意思的畫法,道理並不深奧,就和小朋友經常玩的拼圖遊戲有一點像.、一塊塊的顏色被分解了之後就像一小塊一小塊的拼塊.赤橙黃綠青藍紫等各種小色點被仔細地排放在一起.慢慢的整張畫的顏色就豐富了起來,輪廓、形狀……要拼的圖象也一點一點清晰明朗了。 看修拉的畫感覺很朦朧，好象人、靜物、景物都置身於一個虛幻的世界中。遠看整體感強，走近看，又發現了更多色彩。整個畫面生動，有變化。

此畫的整個創作過程約分四個步驟：以素描布置明暗對比；以色彩寫生；以寫生為基礎組織背景；以色點完成正稿。在正稿之前，共作素描20餘幅，寫生稿更不計其數。

愛德華·馬奈 《草地上的午餐》

這是畫家愛德華·馬奈效法盧浮宮內一幅喬爾喬奈的《鄉村音樂會》（又名《田園合奏》）的構圖，但它畢竟不是16世紀威尼斯那種田園詩繪畫。畫上那個裸體女子就是他在早期畫的《穿鬥牛士服裝的維克多莉娜·默朗》中的模特兒默朗。她是馬奈從街上領回的一個妓女，長期為畫家充當模特兒。畫家讓她在這幅畫中裸體坐在林中溪邊的草地上，與兩個穿衣紳士（費迪南和馬奈的兄弟－歐仁.馬奈）作伴；左側前景有一隻翻倒的籃子，食物滾出籃外，又在後景的湖池邊，添畫了一個只穿襯衣的女人，俯身站在水裡。這是一種精心安排的「野餐」，是畫家為尋求色彩對比的大膽試驗。這一構圖惹惱了繪畫界的許多頭面人物。圍繞馬奈的這幅畫，評論界竟也劃分成兩個營壘。雙方短兵相接。

馬奈把這種含義表達得很清楚，他把費迪南抬起的右手和左手、歐仁露出的右腳處理為統一顏色,同一紋理,並把費迪南抬起的手畫在中心位置上,那是一個解剖三角形的頂.有人指出這就是傳統上所說的男女交亂的象徵,本來在庫丟爾畫室里已為人所熟悉的馬奈的名字，如此一來，幾乎掛到了每個關心畫展的巴黎人的嘴上了。

《草地上的午餐》有人認為表達的是人性中道德的混亂，這是不了解藝術的誤解。

惠斯勒——灰與黑的改編曲-畫家的母親肖像

惠斯勒（1834～1903）Whistler，James McNeill：美國畫家。1834年7月14日生於馬薩諸塞州洛厄爾，1903年7月17日卒於英國倫敦。早年進過西點軍校，也作過測繪製圖員，後接受白描和銅版畫訓練。1855年去巴黎，後回到美國。在法國曾和青年畫家H.方丹 -拉圖爾及A.勒格羅組成三人團。1859年定居英國。繪畫風格受D.委拉斯貴支影響。代表作《在鋼琴旁》、《白衣女郎》曾引起轟動。晚年作品追求東方趣味，畫中少女常穿日本和服並擺上幾件中國瓷器。1892年他的作品回顧展，使他得到美國公眾承認，認為他是偶然住在英國的美國畫家，而英國又選他擔任不列顛美術家協會主席，不久法國也授予他榮譽軍團騎士稱號。作品還有銅版畫《法國組畫》、肖像畫《母親》及組畫《泰晤士河》等。

面對著《惠斯勒的母親》，你可以感染到惠斯勒畫筆的音樂流動傾向，塊狀和線條合奏的和諧畫面，產生了室內樂的悠緩情調。畫面左邊的綴花黑色布幔，非常冷默的形成大波浪的直流；牆上的黑框風景畫，概括了婦人的回憶。

挪威畫家愛德華·蒙克 (Edvard Munch，1863—1944)，堪稱二十世紀表現主義藝術的先驅。他出生於挪威洛頓。1890年，他開始著手創作他一生中最重要的系列作品「生命組畫」。這套組畫題材範圍廣泛，以謳歌「生命、愛情和死亡」為基本主題，採用象徵和隱喻的手法，揭示了人類「世紀末」的憂慮與恐懼。蒙克1893年所作的油畫《吶喊》，是這套組畫中最為強烈和最富刺激性的一幅，也是他重要代表作品之一。在這幅畫上，蒙克以極度誇張的筆法，描繪了一個變了形的尖叫的人物形象，把人類極端的孤獨和苦悶，以及那種在無垠宇宙面前的恐懼之情，表現得淋漓盡致。

1994年2月12日清晨6點29分,《吶喊》在挪威國家美術館失竊,諷刺的是竊賊只用了隔壁工地的一架梯子,翻過圍牆,打碎玻璃，闖入美術館,臨走時不忘留下一張明信片"感謝這可憐的安保系統"。

2012年5月2日早上7點(北京時間)，紐約蘇富比拍賣上，蒙克的《吶喊》作為第20件拍品在眾人矚目中登場。現場共有8位競標者，從4000萬美元開始起價後便引起激烈競爭，很快競價便飆升至8000萬美元。最終一電話競標者以1.199億美元拍走該幅作品(1.07億美元落槌，加上傭金為1.199億美元)。

葛飾北齋 巨浪

葛飾北齋（1760年─1849年）KatsushikaHokusai，日本江戶時代的浮世繪畫家，他的繪畫風格對後來的歐洲畫壇影響很大，德加、馬奈、梵高、高更等許多印象派繪畫大師都臨摹過他的作品。他還是入選「千禧年影響世界的一百位名人」中的唯一的一位日本人。

西班牙畫家弗朗西斯科·戈雅 1808年5月3日

這幅畫描述 1808 年 5 月 3 日在馬德里附近的皮奧王子山的槍殺事件。在畫里，奇特的情節通過繪畫語言表達得更加精鍊。戈雅通過非凡的畫法，通過確定中心、構圖、光線、色彩再一坎把觀眾引入畫的「空間」。

路燈的耀眼光線，照耀著場地，揭示了一些殘暴的細節。鮮血凝塊，反抗者張得大大的嘴，這鬼魂般的光線使人看到「恐怖事態的全部真相」。

在耀眼的光線下伸開雙臂、表示出恐懼、在他左邊、是雙手捧臉的同伴，我們似乎也看到「世界各地和不同時期的暴力的受害者。」

《向日葵》，是梵高在法國南部畫的同一題材的系列作品，他畫《向日葵》時, 精神異常激動， 向日葵金黃色的花瓣，給他一種溫暖的感覺，使他內心充滿激情地去畫那些面朝太陽而生的花朵。

花蕊畫得火紅火紅，就像一團熾熱的火球；黃色的花瓣就像太陽放射出耀眼的光芒一般，厚重的筆觸使畫面帶有雕塑感，耀眼的黃顏色充斥整個畫面，引起人們精神上的極大振奮，《向日葵》創下油畫拍賣的最高紀錄， 被日本收藏家所收藏。

凡·高作品中所包含的深刻的悲劇意識、強烈的個性和在形式上的獨特追求，遠遠走在時代的前面，在當時難以為世人接受。但是，他對西方20世紀的藝術發展具有深遠的影響。作者在創作過程中自由地抒發內心的情感，有意識地把握這種繪畫的新形式，在油畫創作中吸收了東方繪畫的因素———這是凡·高的藝術對後人的啟示。法國的野獸主義、德國的表現主義，乃至於20世紀初出現的抒情抽象派，都曾經受益於凡·高的藝術。

畢加索 亞維農的少女

這幅不可思議的巨幅油畫，不僅標誌著畢加索個人藝術歷程中的重大轉折，而且也是西方現代藝術史上的一次革命性突破，它引發了立體主義運動的誕生。《亞維農的少女》始作於1906年，至1907年完成，其間曾多次修改。畫中五個裸女和一組靜物，組成了富於形式意味的構圖。這幅畫的標題是由畢加索的朋友安德魯·塞爾曼所加，據說畢加索本人對之並不喜歡。但不管怎樣，這只不過是作品名稱罷了。在現代藝術中，標題與作品的相關性越來越小，畫家們常常有意識地不以標題來說明作品的內容。畢加索這幅《亞維農的少女》，想必亦是如此。該畫原先的構思，是以性病的諷喻為題，取名《罪惡的報酬》，這在最初的草圖上一目了然；草圖上有一男子手捧骷髏，讓人聯想到一句西班牙古老的道德箴言：「凡事皆是虛空」。然而在此畫正式的創作過程中，這些軼事的或寓意的細節，都被畫家一一去除了。其最終的震撼力，並不是來自任何文學性的描述，而是來自它那繪畫性語言的感人力量。

這幅畫，可謂第一件立體主義的作品。畫面左邊的三個裸女形象，顯然是古典型人體的生硬變形；而右邊兩個裸女那粗野、異常的面容及體態，則充滿了原始藝術的野性特質。野獸派畫家發現了非洲及大洋洲雕刻的原始魅力，並將它們介紹給畢加索。然而用原始藝術來摧毀古典審美的，是畢加索，而不是野獸派畫家。在這幅畫上，不僅是比例，就連人體有機的完整性和延續性，都遭到了否定。因而這幅畫(正如一位評論家所述)，「恰似一地打碎了的玻璃」。在這裡，畢加索破壞了許多東西，可是，在這破壞的過程中他又獲得了什麼呢?

當我們從第一眼見到此畫的震驚中恢復過來，便開始發現，那種破壞卻是相當地井井有條：所有的東西，無論是形象還是背景，都被分解為帶角的幾何塊面。我們注意到，這些碎塊並不是扁平的，它們由於被襯上陰影而具有了某種三度空間的感覺。我們並不總能確定它們是凹進去還是凸出來；它們看起來有的象實體的塊面，有的則象是透明體的碎片。這些非同尋常的塊面，使畫面具有了某種完整性與連續性。

從這幅畫上，可看出一種在二維平面上表現三維空間的新手法，這種手法早在塞尚的畫中就已採用了。我們看見，畫面中央的兩個形象臉部呈正面，但其鼻子卻畫成了側面；左邊形象側面的頭部，眼睛卻是正面的。不同角度的視象被結合在同一個形象上。這種所謂「同時性視象」的語言，被更加明顯地用在了畫面右邊那個蹲著的形象上。這個呈四分之三背面的形象，由於受到分解與拼接的處理，而脫離了脊柱的中軸。它的腿和臂均被拉長，暗示著向深處的延伸；而那頭部也被擰了過來，直楞楞地對著觀者。畢加索似乎是圍著形象繞了180度之後，才將諸角度的視象綜合為這一形象的。這種畫法，徹底打破了自義大利文藝復興之始的五百年來透視法則對畫家的限制。

桑德羅·波提切利 春

桑德羅·波提切利（Sandro Botticelli；Alessandro Filipepi，1445—1510）是15世紀末佛羅倫薩的著名畫家，歐洲文藝復興早期佛羅倫薩畫派的最後一位畫家。他畫的聖母子像非常出名。受尼德蘭肖像畫的影響，波提切利又是義大利肖像畫的先驅者。

波提切利的藝術成就集中體現在秀逸的風格、明麗燦爛的色彩、流暢輕靈的線條，以及細潤而恬淡的詩意風格，他以詩人波利蒂安歌頌愛神維納斯的長詩為主題所畫的《春》將永恆的春天描繪了出來，畫中一切都極為輕快優美。

《伏爾加河上的縴夫》是伊里亞.葉菲莫維奇.列賓在19世紀80年代初創作的批判現實主義油畫中的傑作。這是畫家親眼目睹的情景，成為揮之不去的記憶，列賓決定把這一苦役般的勞動景象畫出來，狹長的畫幅展現了這群縴夫的隊伍，陽光酷烈，沙灘荒蕪，穿著破爛衣衫的縴夫拉著貨船，步履沉重地向前行進。縴夫共11人，分為三組，每個形象都來自於寫生，他們的年齡、性格、經歷、體力、精神氣質各不相同，畫家對此都予以充分體現，統一在主題之中。全畫以淡綠、淡紫、暗棕色描繪頭上的天空，使氣氛顯得慘淡，加強了全畫的悲劇性。

法國印象派畫家德加 十四歲的芭蕾舞女

《十四歲的芭蕾舞女》是一件青銅雕塑，高98厘米。這個作品一共有27件，26件分別被多個國家博物館珍藏，只剩下一件流入拍賣市場。德加想從芭蕾舞中看到另一種人生，做雕塑是德加對芭蕾舞的另一種註解，是他對芭蕾情懷的另一種釋放，是一種美好的延伸。

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