李禹煥：偶遇的藝術

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李禹煥

Lee Ufan

韓國畫家。1936年出生於韓國慶南山區一個儒教色彩濃厚的家庭，自幼深受東方傳統思想的熏陶。在研習詩、書、畫的同時，他尤其對山水畫的自然情趣和深遠寓境頗有體悟，還深入研究過中國的老莊思想。1956年李禹煥從漢城大學美術學院退學並移居日本，1961年畢業於東京日本大學（英譯：Nihon）大學哲學系，同時還學習日本畫。李禹煥曾任多摩美術大學教授，現為東京藝術大學客座教授。1997年任法國巴黎國家高等美術學院客座教授。目前在日本、法國生活和工作。

From Line, 1979 Pigment on canvas 31 3/5 × 39 2/5 in; 80.3 × 100 cm

「畫布以工業方式生產而成，這種中性的表現域與牆壁和周圍環境相聯繫」

20世紀六七十年代之交，日本出現了被稱為「物派」的重要藝術現象，不僅對日本現代藝術產生深遠影響，也在國際上引起廣泛重視。1968年10月，在日本神戶須磨離宮公園舉行的「第一屆現代雕刻展」上，多摩美術大學學生關根伸夫在地上挖掘出一個深2.7米、直徑2.2米的圓坑，並將挖出的土方堆築成一個和坑相對應的圓柱體，命名為《位相——大地》，意在啟示人們重新認識物體和空間的概念，強烈的視覺衝擊力揭示出作品與自然的關係，以及物體的特徵。李禹煥敏銳地發現這件作品與他所提倡的藝術觀相吻合，此後連續發表評論文章，通過褒揚關根伸夫的作品，逐步形成自己的理論體系，從而推動了「物派」的發展。

1968年「神戶第一屆現代雕刻展」上，關根伸夫展出的作品《位相——大地》

「物派」的作品以大量使用未經加工的木、石、土等自然材料為主要特徵，儘可能避免人為加工痕迹，並採用極端單純化的組合手法。同時，這類作品注目於非物質、非物體的境界，即物體與物體之間的相互關係、物體或物體表面所涉及的空間，將空間視為作品因素之一來考慮，以及由此而產生的「場」的變化。此外，還通過將表現內容降至最低限的手法，來揭示自然世界「原本狀態」的存在方式，從而引導人們重新認識世界的「真實性」，以此表現日本式的感知方式和存在論。

From Point, 1976 Glue, stone pigment on canvas 227 x 182 cm

李禹煥在經歷現代日本社會激烈變革的同時，通過對東西方文化差異的比較和反思，推崇藝術行為個性化。他的藝術觀指導與推動「物派」的活動，對「物派」理論的形成起到決定性作用，他由此成為「物派」群體的中心人物。當時，他發表了大量的理論文章，對建立在近代主義之上的西方現代美術提出了批判。其主要論點是：作為現代社會的美術，不能成為向自然世界添加人為主觀製作物的工具，應該成為引導人們認知世界真實面貌的媒介。他主張從主客體分離、具有西方合理主義意味的思維方式中脫離出來，崇尚主客體不分的、重視自然「原本狀態」的思想。在李禹煥的主導下，「物派」藝術家致力於與外部空間建立新的聯繫，提倡更加開放的作品形態，成為打破傳統美術文脈、解構現代藝術潮流的一次嘗試。

Untitled, 1967 Pencil on paper 21 1/2 × 31 3/10 in; 54.6 × 79.5 cm

日本鎌倉，冬日上午9:45，濕潤的微風從海上拂來。李禹煥關上木屋的前門，引我來到在二樓的工作室，這座寬敞而嶄新的木屋位於這座距東京30英里的沿海城市內一片住宅區中的一叢竹林旁。整幢木屋簡約質樸，與內外展示著的藝術家的極少主義繪畫和雕塑作品極是相宜。木屋由當地工匠建造，李禹煥本人為此頗為自豪，在其他時候，這位生於韓國的75歲藝術家舉止謙恭，言談溫雅。

From Line, 1973 Drawing 29 1/2 × 21 7/10 in; 75 × 55 cm

2007年威尼斯雙年展期間，李禹煥的展覽在一幢私人豪宅中舉辦，展示了單一筆觸的繪畫，石、鋼和其他材質創作的雕塑作品，為他贏得了批評界的喝彩和廣泛的觀眾。今年的威尼斯雙年展期間，他將參與弗朗索瓦·皮諾基金會（François Pinault Foundation）在威尼斯格拉西宮（Palazzo Grassi）和班寶宮（Palazzo Bembo）的群展。6月24日，他的個人回顧展將在紐約古根漢姆博物館開幕。

From Line, 1981.9 Oil and mineral pigment on canvas 45 7/10 × 35 4/5 in; 116 × 91 cm

李禹煥在工作室里打開音樂。他喜愛莫扎特、巴赫和德彪西。他說當代音樂會令他精神不集中。一面牆上擺放著成排的哲學書籍，另一面牆上則是堆放繪畫作品的畫架。左右的房間用於儲存和向參觀者展示畫作。空間雖小，以日本人的標準來看卻已很奢侈，亦極寧靜，透過兩扇大玻璃門，直接得見竹林的景色。

From Line, 1980 Graphite on paper 22 1/4 × 30 1/4 in; 56.5 × 76.8 cm

李禹煥工作時迅速而平靜，將備好的畫布攤於地，從書櫃下的架上取來畫筆、顏料粉和幾瓶以油為主的粘合劑。他用20分鐘調配顏料，以白與黑調出作為他的標誌性色彩的紋狀藍灰。他從懸架上選好畫筆，蘸上顏料。

他在畫布上畫上一筆，緩慢而審慎，並反覆潤飾，直到畫筆上的顏料都被畫布吸收。而後將畫筆再度蘸上顏料，重新開始這個過程，這一次他開始時下筆很用力，使一些顏料溢出筆觸的邊緣，隨後又漸漸將其修得平滑。

Drawing, 1984 Pencil on paper 21 9/10 × 29 4/5 in; 55.5 × 75.7 cm

李禹煥完成一幅正常尺幅（60乘90英寸）的畫作平均需要約一個月的時間，儘管他畫作的尺幅從幾英寸到10英尺不等。他會花兩到三個小時來畫，然後用一周時間等它晾乾，再將這過程重複三到四次，直到積聚厚厚的一層顏料。他對我說，他也不知完成一幅畫作需要畫多少層，每幅畫都要有細微的差別。儘管筆觸彼此相似，而最終完成時濕度、溫度和顏料成分的不同會令效果多樣。他一年完成的作品不超過25件。

With Winds 伴著風 No.S8708-15, 1987 Oil on canvas 35 2/5 × 45 1/10 in; 90 × 114.5 cm

李禹煥的目標很簡單：創造一種強有力的圖像，能夠在瞬間喚起寧靜之感。他那些重複的畫面確實有著驚人的魅力，甚至會令人神迷其中。其魅力部分來自密集的、砂質的、幾乎雕塑化的圖像的節奏，部分來自內部與外部、圖形與背景間關係的曖昧。

With Winds, 1991 Oil on canvas 28 9/10 × 35 9/10 in; 73.5 × 91.3 cm

「畫布以工業方式生產而成，這種中性的表現域與牆壁和周圍環境相聯繫，」李禹煥解釋道。「換句話說，它們處於內與外的中間位置，對畫布最輕微的觸動都能產生放射性。因此，不僅是對畫布最輕微的觸動，還有從畫布產生，投射到牆面和環境中的共振，令其成為一幅畫。」

李禹煥自20世紀60年代起就在畫相似之物—筆觸（brushstrokes），最初的作品由細小而眾多的筆觸反覆組織而成。大約在15年前，這些筆觸被縮減為兩三道略大的筆畫，以產生一種更加集中和形式化的印象，同時對重複予以弱化，強調畫布上經過塗繪與未經塗繪區域間的關係。定製的超寬畫筆使他能夠畫出特殊寬度的筆觸。「色彩在這裡並不那麼重要，」他對我說著便畫下第一筆。「最重要的是布局和質地。」

Correspondance, 1995 Oil on Canvas 89 2/5 × 71 7/10 in; 227 × 182 cm

李禹煥每天大約會畫上兩個小時，之後用午餐。下午他用來閱讀和打電話，一周中的有些時間他會用來去到東京看藝術展。「我不再寫太多東西了，」他說。「我有好多想法。只是找不到時間。」多年來他創作了17本詩集，藝術史，以及觀念藝術、雕塑和德國藝術等主題的批評專著。

Untitled, 1996 Color on paper 20 1/5 × 29 9/10 in; 51.3 × 76 cm

從某種程度上說，50多年前是哲學將李禹煥帶到鎌倉，那是在1959年的一個夏天，他在東京日本大學（Nihon University）時的一位哲學教授Yoshio Sezai請他照看在鎌倉的房子，當時那裡是日本藝術家、作家和思想家雲集之處。作家西田幾多郎和川端康成都住在那裡，李禹煥見到他們並深入交談。他愛上了這塊地方，而後來他找到工作，在東京的多摩美術大學（Tama Art University）擔任美術教授，便決定回到這裡居住。

Relatum, 1998 Steel and stones

開始工作的幾年中他以藝術批評家、哲人和藝術家的身份打拚。而在20世紀60年代，擔任「物派」大地藝術的領袖令後一個身份突顯出來。「物派」藝術家與他們在歐美的同道一樣，對將自然與藝術相融合（或反之）的興趣甚濃。

Dialogue, 2007 Oil on canvas 89 1/2 × 134 1/2 × 35 in; 227.3 × 341.6 × 88.9 cm

他這一時期的雕塑作品由鋼板、玻璃石、燈泡、橡膠、棉、紙和木材製成，形式上趨近「貧困藝術（Arte Povera）」或後極少主義作品。李禹煥自稱其意圖是不像多數傳統雕塑那樣支配和改造材料，而是通過並置或他所謂「再呈現」顯露其內在品質。這些很少展示的作品將出現在古根漢姆的回顧展中，展覽將包含從20世紀60年代至今的90件作品，充滿整座博物館。「李禹煥的雕塑作品是20世紀60年代末至70年代藝術品『激進消失』的一部分，當時藝術自身不再是一件實體，轉而成為一種在真實的時空中發生的流動的、動態的事件，」古根漢姆「三星亞洲藝術高級策展人」亞歷桑德拉·夢露（Alexandra Munroe）如是說。「李禹煥使自己脫離創造性行動的等式，使觀者、材料和場所之間的關係替代了藝術的體驗。」