藝術展，或許是你最能消受得起的奢侈品

時尚 03-05

隸屬 LVMH 旗下，Fondation Louis Vuitton（路易·威登基金會）建築自落成巴黎以來，直至 2014 年方才正式對公眾開放。短短數年，它已變身為這座城市的文化地標，鼓勵著當代藝術家們的創作，將目光聚焦拓展潛在客戶的多元化與傳播性。

Frank Gehry 設計的 Fondation Louis Vuitton（圖片來源：Google）

過去將 Olafur Eliasson 這樣的藝術家帶入大眾視野，前段時間促成轟動法國乃至國際的《Jean-Michel Basquiat – Egon Schiele》聯展，最近還邀倫敦考陶爾德畫廊，共同策划了囊括百餘幅印象派巔峰畫作的《A Vision for Impressionism》展覽…… 這家世界最龐大的奢侈品集團，正一步步遞增他們跨領域的參與度，改變整個時尚產業的勢態，提升涉獵藝術圈的影響力。而這一現象，似乎同樣能從其他行業巨頭的身上探究到，藝術領域，是否是奢侈品牌著重發展的新方向呢？

LVMH：奢侈品集團構建的藝術藍圖

雖未有悠久的歷史沉澱，Fondation Louis Vuitton 藝術項目的受歡迎程度，卻時常遠超當地其他始祖級博物館的客流量。也難怪，巴黎市長毫不吝惜「a gift for Paris」的讚譽，來表達當地政府對它天降的喜悅和支持。

《Jean-Michel Basquiat – Egon Schiele》聯展（圖片來源：LVMH）

由先鋒建築大師 Frank Gehry 操刀設計的基金會建築，藏身城西布洛涅（Bois de Boulogne）中，像帆似雲地「懸浮」綠茂青樹上，自身的奇異性就讓它堪比藝術品般的存在，伴隨光影的變幻流轉，與環境交織出轉瞬即逝的景象。在任命 Suzanne Pagé 擔任基金會總監後，他們多次聯手世界頂尖博物館，策划過往你在巴黎絕少能一睹真容的展覽，向公眾引薦他們看重欣賞的當代藝術家們。《Jean-Michel Basquiat – Egon Schiele》的世紀聯展，便是近期最受藝術圈矚目的大事紀。

Egon Schiele 和 Jean-Michel Basquiat （圖片來源：Google）

那麼，為何要把兩位相隔 70 余載的非同代藝術家放在一起相提並論呢？某種角度上，Schiele 和 Basquiat 就像從未謀面、卻因藝術遺產的份量而緊密相連的朋友：他們同樣深受弗洛伊德哲學的影響，同樣桀驁不馴地抗爭世事，同樣被推舉為表現主義的核心人物，並且同樣地，他們生命協奏曲的終止符，停留在了 28 歲那個節點上…… 創作的樂章潦草短暫，卻反襯出兩位天縱之才的作品多麼強而有力。

展中 Egon Schiele 空間

在巴黎這樣孕育著文化、藝術、時裝的都市裡，無論你是出於對 80 年代美國波普的喜愛，還是對塗鴉文化的好奇，Jean-Michel Basquiat 這樣通吃 fine art 和 street art 的人物，都是你非看不可的，更何況外加上過去 25 年裡未曾在巴黎舉辦過專展的畫壇巨匠 Egon Schiele 。此番恰逢藝術家離世百年的紀念，才在 Suzanne Pagé 的力薦下，誕生了這場驗證天賦差異與相似共存的比對。與此同時，媒體狂轟濫炸的讚譽和報道，為基金會引來絡繹不絕的客流量，這場盛大的聯展顯然不會給 LVMH 留有遺憾。

Egon Schiele 畫作

對應基金會的四大主題之一，即呈現藝術家的主觀願景，及表現主義的審視角度，《Jean-Michel Basquiat – Egon Schiele》就兩位大師的背景、選題、風格、影響，做了有趣的配對，建立起敘事的假設。遊客被引導由 Egon Schiele 的鉛筆、水彩作品開始，從一幅幅繪有單一人物的中小型作品循序漸進，有時候，色彩在它們身上彷彿喪失了「效果」，微不足道但說服力十足。藝術家標誌性白色，像縈繞在畫裡面的回憶，經過深思熟慮的構圖，牽動角色扭曲的體態和深陷苦楚的面容。這種誇張的表現手法，被他視為承載藝術的合理延續。

展中 Basquiat 空間（以上圖片來源：Wallpaper*）

當轉至 Jean-Michel Basquiat 的展區，你能強烈地感受到他想要呈現的，是一個完全不同的風格、現象，還有自我。看似混亂、毫無頭緒的繪畫，融入了塗鴉、文字、符號、象形圖的元素，在他激進的藝術實踐中，繼承了 Schiele 的藝術形態，延續了歷史的血脈，借用新表現主義呼籲社會問題，正如那些爆炸性視覺畫作里咆哮、悸動的形象。當被問及如何描述自己的作品時，紀錄片里的 Basquiat 駁斥說，「就像問 Miles Davis 是怎麼吹奏小號一樣，我不覺得他能告訴你在那個點上為何該這樣處理，大部分時間是自然而然的。」創作的隨機性使得他的作品更加彌足珍貴，無法複製。

Basquiat 畫作

此次展覽，Fondation Louis Vuitton 邀來專研 Basquiat、Shiele 的藝術史學家 Dieter Buchhart 擔任撰文編輯，出版了展覽相關的畫冊，成了大家觀展後爭相購買的周邊。兩本書囊括了許多此前從未在歐洲展出過、鮮有公之於世的畫作，較之同類書籍，在內容質量的把控與可探究性上明顯有了提升。更具價值的，還有以博物館藏品級標準轉印的藝術家簽名影像，僅可於展覽期間限量購買。但這些印有 Fondation Louis Vuitton 字樣的物件，在標明其「出身」的同時，也有意無意地為品牌起到了流通宣傳的作用，即使你不是個熱衷搜羅時尚單品的戀物者，但你不也同樣擁有了一件 LV 嗎？

展覽出刊的書籍（以上圖片來源：Fondation Louis Vuitton）

Prada：藝術是品牌形象「影印」

即便 Fondation Louis Vuitton 的大樓將在 2062 年後歸屬巴黎市政府，但這樣的合作協議並沒有動搖他們投身藝術的決心，可見涉及該產業之於他們的重要性。相同地，越來越多的奢侈品集團願意同藝術結合到一塊兒，附庸風雅地扮演起藝術愛好者的角色，這些品牌的藝術項目相較傳統博物館，對大眾來說，甚至更具吸引力。

Miuccia Prada 與 Patrizio Bertuelli（圖片來源：Google）

在歐洲的另一座文化名城米蘭，Miuccia Prada 與丈夫 Patrizio Bertuelli 對藝術和文化領域的好奇心發酵，最終促成了與荷蘭建築大師 Rem Koolhaas 合作打造基金會總部的想法，並於 2015 年正式對外開放。這個早在 20 世紀 90 年代初就萌生出的念頭，難道是權用來孵養他們個人的興趣愛好嗎？「那時候根本沒有像現在這麼多的藝術基金會，Fondazione Prada 是歐洲範圍的先鋒，是個脫離時尚品牌業務的文化機構，旨在完成自己的傳播使命。」根據基金會負責人 Astrid Welter 接受採訪時的宣稱，不難看出，他們想要與其他奢侈品牌劃分本質的界限，「純粹」為藝術而藝術，讓它自然而然地突顯出優雅。

Fondazione Prada 總部（圖片來源：Google）

且不說藏品幾許，單論基金會總部設計師 Rem Koolhaas 的才華與名望，就已讓 Fondazione Prada 成為藝術迷必逛的景觀了。作為遠近聞名的藏家和贊助人，Miuccia Prada 夫婦與世界級博物館還有藝術家們，早就建立起千絲萬縷的關係。這一切為他們設立一個個據點作好了鋪墊，包括他們傾盡心力修繕了整整六年的滬上名門 —— 榮宅。

劉野《寓言敘事》榮宅展（圖片來源：Google）

那麼接下去的事情，大家多少有所耳聞。榮宅開放之日，Prada 邀來演藝圈、藝術圈、傳媒圈、建築圈等各界名流齊聚宴會，齊齊盛裝品牌提供的服飾。社交媒體上，幾乎鋪天蓋地著榮宅的訊息和圖片，讓它瞬間攀升為上海最有調性的觀光地。當然，這也與宅內設有不定期的藝術項目有著巨大關係，剛剛結束的劉野《寓言敘事》展，可說是你在傳統博物館內無法體驗的。所有畫作像在整個空間中靜處過百年，色調與宅內深沉復古的家居、燈具、牆壁，乃至泛著年代感的印花地板都相輔相成，為你絮叨屬於它們自己的故事。

Tom Sachs《藍鯨》

Wes Anderson 設計的 Bar Luce（圖片來源：Fondazione Prada ）

過去的 20 年間，類似劉野展覽的策辦，在 Fondazione Prada 的項目列表裡層出不窮，是他們絕佳藝術策劃力的體現。它們不但與時俱進，且總能引起巨大的市場反響，這是絕大多數私人基金會不具備的。Tom Sachs 的《藍鯨》雕塑，Damien Hirst 的《Lost Love》裝置，Thomas Demand 的《被偷走的圖像》群展，還有《布達佩斯大飯店》導演 Wes Anderson 專門為其設計的 Bar Luce 咖啡廳…… 這群活躍在當代藝術界的紅人，均為 Prada 的座上賓。自然地，相應展覽的書籍不可能被基金會遺忘，它們甚至成了品牌 VIP 們熱衷收集的稀有物，而為滿足粉絲的小確幸，藝術家的作品還會突發性地「誤入」一下品牌設計，可謂是幸福來得太突然了吧。

Damien Hirst 與 Prada 辦展設計兩不誤（圖片來源：Fondazione Prada ）

Kering：後來的藝術攪局者

不管就所持有的品牌競爭力，還是銷售覆蓋面而言，常年與 LVMH 分庭抗禮的 Kering 集團，沒有理由在任何方面落單。這家由 Pinault 家族管理的企業正逐漸調轉自己時尚標籤的身份，在類似項目上頻頻加大資金的投入。早前 Kering 一舉收購頂級藝術拍賣行佳得士，接著宣布將在 2019 年，落成靠近盧浮宮去處的現代藝術博物館，如此舉措也著實讓人看到了他們征戰藝術領域的野心。

Kering 正積極籌備藝術館的建成

如果要追溯 Kering 集團與藝術的淵源，那便要提到旗下品牌 Yves Saint Laurent 於上世紀 60 年代時，尚且健在的傳奇設計師就把荷蘭新造型主義畫家 Piet Mondiran（蒙德里安）的作品融入到了那條傳世的半身裙中。或許，它可算是藝術跨界中最為人熟知的時裝設計了。時至今日，Kering 再度迎接來了一位新革命者，為 GUCCI 成功復辟的 Alessandro Michele 。

迷戀文藝復興的 Alessandro Michele 甚至拿自己作為藝術題材（以上圖片來源：Google ）

說到這家改造成新模樣的時裝屋，就不得不提當代藝術在它的攀峰道路上起到的作用。近年來的 GUCCI ，在秀場造型、廣告大片、宣傳活動等對外事宜上花盡了心思。品牌 4 年前舉行了一場名為《No Longer / Not Yet》的大展，在那個繁花簇擁、春意似錦的印花空間內，GUCCI 傾情所有地號召來不同領域的當代藝術家們，用形而向上的視覺賦加鮮明的品牌元素，向觀客介紹何為「當代」精神。從攝影、繪畫，到雕塑、裝置，各種藝術形態均被涉獵，請來 Jenny Holzer 、Glen Luchford 、Rachel Feinstein 等藝術家的參與，誠邀《LOVE》雜誌發行人 Katie Grand 策劃把關，陡增一份前衛與時尚。

《No Longer / Not Yet》（以上圖片來源：THE D』VINE ）

想必 GUCCI 模特手捧模擬頭顱、雛龍的走秀片段，依然會教人念念不忘吧。創意總監 Alessandro Michele 用非理性且充斥浪漫復古的 Cyborg 元素，策划了那場拍案叫絕的故事。而他對藝術的解讀和借用，實則早就超出我們的設想。以至於，後來《The Artist is Present》展覽剛剛透出風聲，便成了媒體們搶鮮報道的熱點，大家都好奇他又能玩出什麼新把戲。

誤以為是行為藝術現場的 GUCCI 18 秋冬秀場（以上圖片來源：Fashionista ）

這是一次針對「複製挪用」現象的探討。從展覽的命名開始，到作品主題的呈現，如同就當代文化創作的反諷。用展覽入口處那句「古羅馬人孜孜不倦地複製古希臘雕塑，終令世人得以一覽其精絕壯美」來描述，是再貼切不過的了。其中，仿照西斯廷教堂製造的小空間布滿了宗教壁畫，包括印著米開朗琪羅《末日審判》的木板牆，帕台農神廟裡的斷頭神像，還有按照《紐約時報》字體翻印的《The New Work Times》，報紙中登印著各類「藝術」複製的奇聞妙事，是一份觀眾可以隨身順走的隱藏周邊。

展覽《The Artist is Present》（圖片來源：Wallpaper*）

尤為值得一提的是，GUCCI 主導的展覽，總會邀請到大量的當紅藝人、KOL 、媒體在特定開放日提前預覽藝術品。他們免不了需要身穿品牌的當季服飾入場，而流量偶像們相繼釋出的展覽圖片，或能為藝術展帶來不可預計的「打卡」探訪，或帶動GUCCI 新款單品的熱門走俏。那無獨有偶的操作，無疑替品牌鋪墊了更長遠的利益，即高雅與商業的兼得。