如何靠耳朵聽來辨別音樂劇和歌劇
自《一眼識別音樂劇&歌劇》一文發出後，筆者收到一條留言，「只是從表面上看能區分，但是，從音樂中特別是唱的部分我還是分不清什麼是音樂劇音樂中歌曲？什麼是歌劇音樂中歌曲？」雖然不知道這是不是廣大觀眾的普遍困惑，但這個問題卻給了我另一個普及音樂劇&歌劇區別的靈感。索性，就順著這個問題寫個續篇吧。
上篇教大家用眼看，這篇就教大家用耳聽。
聽語言
音樂劇大多是英文表演，其他語種的作品數量從比例上來說很小。而歌劇則以義大利語為主，法語、德語、俄語也同樣有不少佳作。
Why？
歌劇17世紀初就起源於義大利，儘管之後也流傳到歐洲各國，但義大利歌劇一直是主流。鼎盛時期威爾第、普契尼等歌劇大師，羅西尼、貝里尼、多尼采蒂美聲三傑等也都是義大利人，當然義大利語歌劇最多咯。
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今天歌劇界最古老的標準保留劇目的歌劇——蒙特威爾第的《奧菲歐》1607年首演於曼圖瓦公爵宮廷
而傳入法國、德國的歌劇在「口味」有了「入鄉隨俗」的調整。比如說，流傳到法國後，融入更多合唱、舞蹈等大場面；到德國後，把「念經」似的宣敘調改成了德語對白。而最接地氣的，自然是演唱語言的「本土化」。
音樂劇的起源要到18-19世紀了。雖然最初也受到了喜歌劇與輕歌劇的影響，但無論首演於英國的第一部音樂劇《乞丐歌劇》，還是之後美國的第一部音樂劇《黑魔鬼》，都以英語上演於英語國家。之後的興盛亦始終以英文為語言主導。西區與百老匯至今也仍是音樂劇的絕對中心。
聽開場
歌劇一定是由正兒八經的管弦樂隊演奏的序曲開始。而且，要麼風格與整部劇的氣質調性相吻合，要麼會直接將劇中最重要的音樂主題和動機濃縮起來（有點像學術論文一開始的概述）。如果是在劇場看現場的話，序曲階段的大幕還是關上的，直到第一幕即將開始、至少也是到序曲過半才會緩緩拉開。
音樂劇的開場則沒有那麼嚴格的統一。最常見的當然是以大場面的歌舞開場，一上來便「點燃」甚至「引爆」全場。以對話或獨白、抑或追憶等不同形式直接開始戲劇故事的也不在少數。像歌劇那樣以一段純音樂（樂隊演奏）的方式開始的當然也有，但篇幅和內涵的戲劇作用也小了很多。所以，許多音樂劇的演出根本不拉幕，舞台布景在開場前便已經呈現給觀眾了。
音樂劇《芝加哥》的歌舞開場
Why？
歌劇最早是為王公貴族服務，想想也一定是吃飽喝足、附庸風雅的人多。遲遲到、擺擺譜、聊聊天、說說笑，那是免不了的。正式開演之前，先來段MUSIC靜靜場很是必要。所以，最早的序曲和後面劇中的音樂也不一定有啥關係。後來，歌劇逐漸普及到民間，演藝市場形成、觀演習慣養成，序曲的傳統被保留的同時，才為作曲家進行整體音樂結構構思提供條件。
音樂劇興起之時，大眾的戲劇觀賞需求已經非常普及、且日益增加了，劇場禮儀也相對成熟。一場演出以怎樣的方式開始，不再是一件必須按規定、按程式完成的事情。因此，音樂劇的開場要靈活很多。
聽獨唱
不管是音樂劇中的主題曲還是歌劇中的詠嘆調，都有好聽的旋律，動人的歌詞，表達的大多是對愛人（也有對仇人）、對祖國或家鄉強烈的情感，整個音樂戲劇的情節推動在這時也通常會暫停暫緩，讓這情感得到最充分的抒發和渲染。所以，他們也最容易被大家知道和喜歡。不過這兩者之間，同樣有著明顯的區別。
歌劇里的詠嘆調，通常大樂句（長句子）多，音域跨度（最低音到最高音的幅度）更大，遇到高音、長音時，演員通常會做一定的彈性處理。而與之同步的樂隊伴奏部分，編配上往往以烘托情緒或戲劇張力為主要目的，所以並不刻意強調節拍及節奏的律動感。因此，詠嘆調雖然有好聽的旋律，卻未必那麼朗朗上口（不容易跟唱）。
音樂劇里的主題曲，樂句規整簡潔，音區相對適中，「洗腦」性的旋律配上易於捕捉的律動感，立刻散發出流行金曲的氣質與潛力。
Why？
歌劇早在興起和剛剛興盛的時期，「角兒」的地位可不一般。歌劇作曲家們的新作如果沒有物色到合適的好角色來主演，很可能首演就黃了（比如威爾第的《茶花女》，首演就栽在一個噸位過重的「維奧萊塔」上）。一些已經頗受歡迎的名作上演，早已對劇本和音樂爛熟於心的觀眾們，會沖著他們喜歡的主角去捧場，甚至就是為了去聽他們的偶像唱那幾段詠嘆調。按今天的話說，這些名角兒們自帶流量、是票房的保證。所以，那個時候的歌劇作曲家們常常在動筆之前、劇院經理在委約新作之前，就已經想好由誰來主演了，詠嘆調就配著角兒的最佳音區、最擅長的風格寫。與此同時，一些高音長音或炫技華彩段，作曲家往往還會留個騷包的PLAN B，以便角兒們可以臨場發揮。狀態好，炫技高音可能翻高几度、多拖幾拍，狀態不好，可能也就「匆匆收場」了。所以，歌劇演出、尤其是到詠嘆調的時候，指揮可是帶著樂隊跟著角兒走的。
卡拉斯在《蝴蝶夫人》中飾演的巧巧桑有一段著名詠嘆調「晴朗的一天」
近現代的歌劇舞台，導演和指揮的作用和地位逐漸提高，對一些經典作品的重新詮釋和演繹成為今天欣賞品讀歌劇的新看點，但名咖們在歌劇粉心中的號召力仍然不可小覷，詠嘆調彈性處理的傳統也保留了下來。對於更偏重於流暢敘事的音樂劇而言，如此「誇張」的煽情實在有些「為難」了。雖然音樂劇大咖們的粉絲量通常會超過歌劇名角兒，但他們始終保持「分寸」。
聽重唱/合唱
歌劇中的重唱，二/三/四重唱很常見，五-七重唱、甚至九/十重唱也有。各聲部除了並列式（類似於對唱，你一句唱完我再接下一句）進行外，重疊式（幾個聲部以不同音高、不同節奏同時演唱）的進行也很多。組合在一起和諧好聽，但又兼具較強的獨立性。值得一提的是，它們通常還可以從劇中抽離出來，作為獨立的曲目演唱。
歌劇《弄臣》中著名的四重唱「美人，我記得有一天曾和你相遇」
音樂劇中的重唱，二重唱最多，經常被抽出來單獨演唱的，也大多是男女主的二重唱了。三或四重唱也能看到，但再多聲部的重唱鮮見。聲部之間的並列式進行亦多見於重疊式進行。另一個有意思的現象是，音樂劇中的重唱通常會對唱中穿插對白，唱著唱著說起話了，沒說兩句又接著唱了（這其實也蠻難的）。這種事兒歌劇演員一般不幹，歌劇作曲家也不太會這麼寫，就算是詠嘆調宣敘調區分嚴格的時期，那也通常是各管各的、互不干擾。
說到合唱，兩種音樂戲劇的區別就更為明顯了。首先可以一眼識別的是，歌劇里的合唱不跳舞，只會走位或幅度很小的肢體動作，而音樂劇里大多是載歌載舞的。再仔細聽，音樂劇中的合唱以大齊唱居多（人家還要滿台跑著跳舞，不能要求那麼高），而歌劇中的合唱通常會有多個聲部。
聽嗓音
歌劇中的演員用的是美聲唱法，聲音飽滿、凝聚、密度極高也極具穿透力、震撼力與戲劇張力。但與此同時，其內斂、剋制的情感表達（短時間內較難讓普通聽眾感覺到較大的情緒起伏和波動），演唱聲音與日常聲音的較大差異等，也容易讓觀眾產生不真實的距離感。
音樂劇演員大多用通俗唱法，真聲比例居多。加上演唱中嘶吼、嘆息、嗚咽、歡笑等非常規的演唱方式都可以隨意穿插其中來幫助情感的表達，帶給觀眾的感染力更為快速有效，也更為真切直觀。
至於其背後的緣由，包括兩種戲劇音樂使用的樂隊的區別，上篇中其實已經提到，這裡就不再多說了。需要強調的是，隨著近現代不同藝術門類、尤其不同舞台劇之間的相互碰撞與借鑒，讓兩者之間的區別界限也越來越模糊，因此以上提到的諸多區別並非絕對。
