大藝術家 | 李禹煥：我是本學派的頭號anti

作為藝術圈的異類，李禹煥出生於韓國傳統家庭，在日本做著比日本人還日本人的事，作品在巴黎風靡。觀看他的作品，你會進入另一個空間。在那裡，你能找到物體新的位置，發現新的關係。

Lee Ufan hunting for stones, Long Island, New York, October 2010, Copyright Solomon R. Guggenheim Foundation, Courtesy of the artist and Solomon R. Guggenheim Foundation，Photographer: David Heald. 圖片來源：古根海姆基金會

Silence Roo，Lee Ufan Museum in Naoshima, Japan. 圖片來源：李禹煥工作室

簡

李禹煥的作品永遠是簡單的，好像在地上鋪上一張白布，隨意放置幾塊石頭或是在畫布上隨手刷一筆就能完成，從不見任何繁複——這是東亞傳統美學思想和普羅大眾都在尋求的一種不費力的美感，不設不施就能透出氣韻風骨。有關李禹煥的雕塑作品，他將分散的石頭與工業材料(如鋼板、橡膠板和玻璃)組合在一起，將離散的物體重新塑造成一個基於觀者、材料和場地之間對等關係的網路。重點在於關係，而不是物體或物質本身。在他的代表雕塑系列Relatum中，每件作品都由一個或多個淺色圓形石頭和黑色矩形鐵板組成。2018年李禹煥受倫敦蛇形美術館委託創作了全新的公共藝術裝置「Relatum – Stage」中，擺放在他展館所在的海德公園戶外空間中。這一作品來源於藝術家自1968年創作的標誌性系列「Relatum」。在1968年的那件作品裡，一塊石頭壓碎了玻璃，玻璃上被壓出破碎交錯的縫隙蛛網，而墊在最下層的鋼板在視覺上彷彿也被石頭壓出盤根錯節。這那一層玻璃就成為一塊十分曖昧的介質。在未見其作品真身的情況下，其實很難參明李禹煥的作品中透露出的哲學意味。甚至即使見到他的作品，也會因為內心的浮躁或不解錯過對作品內涵的參透。

Lee Ufan: Relatum-Stage, Serpentine Galleries. 圖片來源：李禹煥工作室

Relatum, Le Repos De La Transparence, 201,Steel, glass, stone; variable dimensionsPhoto ? Fabrice Seixas. 圖片來源：李禹煥工作室

20世紀70年代中期，李禹煥將韓國的五名藝術家(後來被稱為「單調繪畫流派」)引入日本，提供了一種新的抽象方法，將重複的筆法標記呈現為時間永恆流逝的實體記錄。在他早期的繪畫系列《從點開始（From Point ）》和《從線開始（From Line）》(1972-84)中，他將研磨的礦物顏料和動物皮膚膠結合在一起，這是他所接受訓練的日本畫的繪畫特點。每一筆都畫得很慢，由幾層組成。畫筆第一次接觸畫布的地方，顏料很厚，形成一個逐漸變淺的「脊」。他的畫筆很少碰到表面超過三次。藝術家把這稱為「空的藝術」。在《從點開始（From Point）》的作品中，他採用了類似的方法來產生一系列小的、離散的、矩形的筆刷。1991年，李禹煥開始了他的一系列繪畫作品，其中只有一到兩筆灰藍色的筆觸，由油和碎石顏料混合而成，塗在白色的大表面上。李禹煥完成一幅油畫平均需要大約一個月的時間，畫布的尺寸通常為60英寸乘90英寸，不過每一面的尺寸從幾英寸到10英尺不等。他一年完成的作品不超過25部。

From Point, 1978，Glue, stone pigment on canva，182 x 227 cm. 圖片來源：李禹煥工作室

From Line, 1978Glue, stone pigment on canvas，182 x 227 cm. 圖片來源：李禹煥工作室

物派

李禹煥出生於韓國慶尚南道中部，但卻是在日本得到才華的釋放，被日本政府冠以「推動日本現代藝術發展」的盛名。1956年李禹煥從漢城大學美術學院退學並移居日本，1961年畢業於東京日本大學大學哲學系，同時還學習日本畫。他的藝術植根於東方藝術中對自然的推崇和歐洲現代現象學。20世紀六七十年代之交，日本出現了被稱為「物派」的重要藝術現象，不僅對日本現代藝術產生深遠影響，也在國際上引起廣泛重視。而日本物派或許就起源於李禹煥的論文《超越存在與虛無——關於關根伸夫的論文》。物派並沒有一個十分明確的定義，也沒有任何相關的記錄——因為這一流派在李禹煥看來根本不是一個真正意義上的流派：「當時並不存在什麼派或者集團，只是幾位志趣相投的朋友經常在一起聊聊而已。誰也沒想過要有個什麼名稱。「物派」的說法大概出現在70年代末期，至今也不知道是誰命名的。」物派更像是對一群1970年前後主要活躍在東京的藝術家的鬆散標識。

Relatum - Dissonance, 2012，

Steel 280 x 4 x 4 cm each; stones 15 x 15 x 15 cm eac Photo ? Fabrice Seixas.

圖片來源：李禹煥工作室

實際上李禹煥等「物派」的代表人物對於這個名字甚至充滿不滿。物派的中心思想是對土、石、木、鐵等素材基本上不作加工，並通過它們強調一種「關係」的存在。所以重點是落在關係，而不是物質上。很多人還會將「物派」視為日本傳統文化的產物，但「物派」提倡的是反思和自我批判精神，是為了強調盡量減少人工製作才大量使用了自然的原始材料，並不是在倡導回歸自然。在這一點上很多人有誤會。 後來即便李禹煥等人在公開場合對此有解釋，然而也無濟於事，只好「反其意而行之」。

中國美學思想

在佩斯畫廊2018年對李禹煥的採訪中提到，他自認為自己作品的最大特點就是在創作之前會進行大量的思考，在想法成熟後才會進行創作。他的感受不是與現實生活直接關聯的，不描繪現實，作為藝術家他渴望盡最大可能抽象地去表達時間與空間的概念——去追求這麼一個高度。一開始的創作都是有動機的，漸入佳境後他就能進入無意識創作的狀態，無論是筆觸還是色塊，都是潛意識的產物。從某種意義上看，李禹煥走的是無我之境。有我之境和無我之境是王國維在《人間詞話》中提到的一對概念。有我之境指移情於物，「以我觀物，故物皆著我之色彩」；無我之境則是「以物觀物，故不知何者為我，何者為物」，是摒棄了利慾而與外物無利害對立關係時的境界。在畫布處於空白狀態下，李禹煥與自己落下的某一筆相遇，這一部分空間就能在瞬間與他產生共鳴——他顯然是將自己融入進創作里，彷彿自己也是畫筆，是顏料。與他關注空間關係的創作理念相對應，他創作的關鍵正是需要找到合適的落筆之處。他認為這也是東西方藝術的區別，東方藝術會更關注物體以外的時空關係，而西方則更重表現力。

Relatum-Dialogue, 2008,

Iron plates (2 plates) 230 x 25 x 1 cmNatural stones(2 pieces) 60 x 60 x 60 cm.

圖片來源：李禹煥工作室

許多東亞文化圈的藝術家都無法迴避對中華文化對其創作背景影響的追溯。李禹煥1936年出生於韓國一個儒教色彩濃厚的家庭，深受中華傳統文化的熏陶。在他的作品裡很容易窺見老莊和禪宗思想。無論是雕塑還是畫作，李禹煥的作品裡有大量的留白。老莊思想中，宇宙是渾然一體的，故萬物相合於道。而留白正是反應了天人合一的思想，也透露出超越自然、追求永恆的意識。在上海雙年展上李禹煥展出了作品《照應》系列作品，就是他留白的典型作品。李禹煥認知上的留白絕不是傳統意義上的空白。在一個畫布上考慮作品時，要讓所畫的地方產生一種活力，或稱之為互動，這是由畫與不畫之間的關係所產生的。我們一般將沒有畫的地方稱為空白，但他不是這麼考慮的：「我的空白是由畫的部分來建立一種整體關係並由此產生的更大的空間。比如說敲鐘這樣一個行為，隨著鐘聲的傳播，由鍾這一看得見的實體和看不見的聲波組成的整體關係，就是我所說的空白。我的這個解釋在歐美得到了廣泛的理解。在八大山人的畫里也可以看到這種空白，儘管畫得很少，但整個畫面有一種很緊湊的關係。 」李禹煥作品展現的素樸美，則正是禪宗達摩提倡的二入中的「理入」：深信眾生同一真如本性，但為客塵妄想所覆蓋，不能顯露，所以要令其舍妄歸真，修一種心如牆壁堅定不移的觀法，掃蕩一切差別相，與真如本性之理相符，寂然無為。

藝術家的職責

李禹煥深知自己的作品「不識時務」。人們生活在一個科技高速發揮發展的時代，AI可以代替我們去做許多事情——相當於是從自己的身上剝離出的個體。他的藝術顯得過於乏味，似乎不值得人們停下忙碌的腳步欣賞。然而我們的身體只庸庸碌碌地為滿足物慾而運作，疲於應對我們忽略的潛意識和外界。所以他希望觀者在看見自己的作品時，他們的身體能有一種被喚醒的寧靜之感，在某種意義上超越自我。不過李禹煥對於藝術家的身份並沒有什麼特別的看法，不是那些能夠改變世界的英雄或科學家。他做的藝術作品可能只是些筆觸或是線條，但他希望人們能在觀賞的過程里感受到一些和以往生活不同的感受。這正是藝術家的職責：世界時刻都在變化，我們需要為貧乏的人類生活提供看世界的新視角。

Correspondance, 2006，Watercolo58 x 75 cm. 圖片來源：李禹煥工作室

面對歐洲藝術對自己的青睞，李禹煥懷著警惕的態度。他並不認為歐洲藝術讚許的是亞洲藝術本身。在他看來，歐洲藝術經過長期的發展，現代主義走到了盡頭，很難突破現有的格局去攀登新的藝術高峰——李禹煥在這裡甚至用到了「山窮水盡疑無路」。因此他們把目光放在非洲和亞洲。近年來有不少歐洲藝術家從非洲本土汲取靈感，但內核上依舊是表達歐洲藝術。在目前階段，歐洲藝術需要藉助外部的力量，可能會給予亞非藝術家不同層次的榮譽，一旦歐洲藝術從其中破壞和重建起新的藝術，歐洲藝術史開始新的篇章，亞非藝術家就將被踢出這個圈子。他很讚賞已故的韓國著名影像家白南准對歐洲藝術界的態度：白南准很清醒，他知道西方並不是在真正評價他。他提醒中國的年輕藝術家們要儘可能有自己的風格，即便是歐洲不能認同的東西也未嘗不可。單單走一條路，太單純是一件過於危險的事情。

近期資訊

木桐酒庄(Chateau Mouton Rothschild)將在2019年開創性地與凡爾賽宮建立新的合作關係,共同打造限量版凡爾賽宮慶祝酒箱。每個酒箱均為反映這兩家傑出機構的特色而設計，展示了五款帶有著名當代藝術家作品酒標的年份酒。這些藝術家也曾在凡爾賽宮展出過作品:朱塞佩·佩諾內（Giuseppe Penone）、伯爾納爾·維奈特（Bernar Venet）、阿尼什·卡普爾（Anish Kapoor）、傑夫·昆斯（Jeff Koons）和李禹煥（Lee Ufan）。這些精美的紅酒收藏箱展示了凡爾賽宮和柴爾德家族豐富的藝術和文化歷史。4月1日起，蘇富比拍賣行將陸續於香港、倫敦、紐約拍賣這75組限量版凡爾賽宮慶祝酒箱，並將拍賣所得全部捐贈於凡爾賽宮的修復工程。

Details of Versailles Celebration Case; Five Chteau Mouton Rothschild vintages included in the Versailles Celebration Case, Photos Deepix, Courtesy Chteau Mouton Rothschild. 圖片來源：木桐酒庄

自1945年以來，每年都有一位偉大的藝術家為木桐酒庄設計酒標。木桐酒庄把當代藝術中最著名的人物彙集在一起，使得每年都會有一幅新作品加入這個家族。這份享有盛譽的名單包括了過往一些最著名的藝術家： 弗朗西斯·培根（Francis Bacon）、畢加索（Picasso）、馬克·夏加爾（Marc Chagall）等人，他們為每一個年份製作了一個獨特的藝術標籤。其中許多備受尊敬的藝術家曾在柴爾德莊園短暫停留，他們的作品也在莊園的酒標展廳中展出。

「這是一座從一代柴爾德到另一代柴爾德的藝術橋樑。我們一起構思了這個點子來致敬藝術，致敬世界上最好的木桐酒庄葡萄酒增添的生活藝術，以及身為世界文化遺產象徵的凡爾賽宮。」木桐酒庄一直希望通過打造一個限量系列的收藏箱來支持凡爾賽宮的修復工作——這個收藏箱彙集了兩件國際著名的藝術品。

「在過去的十年里，當代最偉大的藝術家們與凡爾賽宮進行了對話。而這五位或前或後在凡爾賽宮舉辦展覽的藝術家目前也走進了這一收藏。」凡爾賽宮的負責人凱瑟琳·佩加德說:「這個酒盒讓人想起裝有珍貴或難以置信的秘密的謎籠，它見證了這段共同的歷史，也見證了菲利普·德·羅斯柴爾德男爵作為凡爾賽宮的贊助人所做的貢獻。」

近期展訊

LEE UFAN

2019.05起

Dia:Beacon, Riggio Galleries, New York

Lee Ufan, Relatum (formerly Language), 1971. Installation view, Pinar Gallery, Tokyo, 1971. ? Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris. Courtesy the artist. 圖片來源：迪亞藝術基金會

Lee Ufan,Relatum(Iron Field),1969/1994/2018,installtion view, Art Basel Unlimited 2018. ?ArtistsRights Society(ARS),New York/ ADAGP , Paris. Photo: Dawn Blackman, courtesy Pace Gallery. 圖片來源：迪亞藝術基金會

挑戰的靈魂

2019.04.28-2019.07.28

上海當代藝術博物館，中國

挑戰的靈魂展覽海報。圖片來源：上海當代藝術博物館

本次展覽是中國境內第一次大規模展出伊夫·克萊因與李禹煥的作品，同時也將展出丁乙為本次展覽創作的全新作品。展覽以百餘件文獻、繪畫和裝置作品將向觀眾呈現三位極具實驗精神與創造力的藝術家向時代發起的挑戰與追問。

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