梵高的藝術一生

梵高自畫像

文森特·威廉·梵高（Vincent Willem Van Gogh，1853年－1890年），荷蘭後印象派代表性畫家。

梵高自畫像

梵高出生於荷蘭鄉村的一個新教牧師家庭，早年的他做過職員和商行經紀人，還當過礦區的傳教士。他充滿幻想、愛走極端，在生活中屢遭挫折和失敗，最後他投身於繪畫，決心「在繪畫中與自己苦鬥」。他早期畫風寫實，受到荷蘭傳統繪畫及法國寫實主義畫派的影響。1886年，他來到巴黎，結識印象派和新印象派畫家，並接觸到日本浮世繪的作品。視野的擴展使其畫風巨變，他的畫，開始由早期的沉悶、昏暗，而變得簡潔、明亮和色彩強烈。而當他1888年來到法國南部小鎮阿爾的時候，則已經擺脫印象派及新印象派的影響，走到了與之背道而馳的境地。在阿爾，梵高想要組織一個畫家社團。1888年，高更應邀前往，但由於二人性格的衝突和觀念的分歧，合作很快便告失敗。此後，梵高的瘋病(有人記載是「癲癇病」)時常發作，但神志清醒時他仍然堅持作畫。1890年7月，他在精神錯亂中開槍自殺，年僅37歲。

梵高自畫像

這位易激動而富於神經質的藝術家，在其短暫一生中留下大量震撼人心的傑作。他的藝術，是心靈的表現。他曾說：「作畫我並不謀求準確，我要更有力地表現我自己」，他並不關注於客觀物象的再現，而注重表現對事物的感受。亨利·福西隆在論述梵高時說道：「他是他時代中最熱情和最抒情的畫家。……對他來說，一切事物都具有表情、迫切性和吸引力。一切形式、一切面容都具有一種驚人的詩意」，「他感到大自然生命中具有一種神秘的升華，他希望將它捕捉。這一切對他意味著是一個充滿狂熱和甜蜜的謎，他希望他的藝術能將其吞沒一切的熱情傳達給人類」 (奧夫沙羅夫編《梵谷論》上海人民美術出版社，1987年，第95頁)。

梵高自畫像

為了能更充分地表現內在的情感，梵高探索出一種所謂表現主義的繪畫語言。他認為：「顏色不是要達到局部的真實，而是要啟示某種激情。」在他畫中，濃重響亮的色彩對比往往達到極限。而他那富於激情的旋轉、躍動的筆觸，則使他的麥田、柏樹、星空等，有如火焰般升騰、顫動，震撼觀者的心靈。在他的畫上，強烈的情感完全溶化在色彩與筆觸的交響樂中。王逸竹的《夢中夢》里有一段話評價梵高：「我能理解你，梵高先生，你的表現方式和我們中國寫意畫有本質上的一致性，在似與不似之間，充分表達自己靈魂的感受與藝術審美取向。你的色彩和意象完全獨立於主流之外，是當時人們難以接受的，你不但不妥協，反而更加強烈得突出自己的特點，您甘願忍受常人難以忍受的貧苦，描繪著真實的自我情感，我為你的執著而感動，為你的品德而折服。」

梵高自畫像

1853年3月30日生於津德爾特，早期因為表達內心的悲痛，曾割斷了自己的耳朵。1890年7月29日在法國瓦茲河畔因困擾其多年的精神病發作自殺身亡。早年經商，後熱衷於宗教，1880年以後開始學習繪畫。曾在巴黎結識E·貝爾納、P·西涅克和P·高更等畫家。

梵高自畫像

早期作品受印象主義和新印象主義畫派影響，代表作有《食土豆者》、《塞納河濱》等。曾兩次在咖啡館和飯館等地向勞工階層展出自己的作品。不久厭倦巴黎生活，來到法國南部的阿爾勒，開始追求更有表現力的技巧；同時受革新文藝思潮的推動和日本繪畫的啟發，以達到線和色彩的自身表現力和畫面的裝飾性、寓意性。台灣譯名梵谷。

梵高自畫像

梵高的作品在很長一段時間內並不被世人所接受,直到十九世紀末的時候世界正進行著一次全面的革新，人們的思想得到空前的變革，接受新事物的能力也大大的提高。而過去相對於印象派較為超前的梵高，此時正適應了人們的審美需求。

梵高自畫像：

阿爾勒的舞廳

《鳶尾花》是梵高聖·雷米時期的幅作品，畫作時間是在五月明亮的春天。鳶尾花開大多為藍紫色,也許梵高這個時期特別渴望愛情和友誼，所以這幅畫濃綠的色彩異常強烈，畫中的鳶尾花藍色的吶喊著它的孤獨和梵高的孤獨。此刻，沒有人理解梵高的寂寞，他每天在大地上痴迷的畫著自己的命運，只有鳶尾花在這個春天給他帶來一些安慰，他將自己內心悲憫的情感全部宣洩在這幅鳶尾花中，使這幅鳶尾花的莖葉充滿了一種永恆的堅實感。

鳶尾花是梵高在1890年他自殺死亡的前一年所畫的一系列作品，這裡缺乏在他後期作品裡表現出來的高度緊張。鳶尾花被梵高稱為是他的「精神病的避雷針」，梵高認為鳶尾花能夠保持他自己繼續的瘋狂的作畫。

這幅畫受日本浮世繪版畫的影響，像鳶尾花的許多作品，也如同其他那個時期的藝術家的繪畫。具有很強的輪廓，不尋常的角度，包括近距離的特寫，也根據光照勾勒了局部的色彩的平衡。

罌粟，矢車菊，牡丹和菊花

紅色罌粟和雛菊

百日菊

烏雲密布的天空下的麥田

這一幅與"麥田群鴉"、"多比尼花園"是梵高在奧維爾所作的最後三大作品。梵高在寫給母親的最後一封信中提到這幅畫時說:"我正埋頭作一幅以像海那樣廣大的丘陵作背景, 有黃色與綠色微妙色彩的廣漠麥田的畫。這一切存在於青色、白色、粉紅色、紫色等色調的微妙天空之下。我現在非常的安寧、肅靜, 可以說很適合於作這幅畫。同"麥田群鴉"比較起來, 這幅畫含有深深的冥寂, 好像要呑沒梵高的一切。在地平線那一端所表現, 不再是德倫特時期作品中可以看到的靈魂的憧憬, 而是要將他的身心召回的凄病態而恐怖的壓迫感.

似乎是要突出表現奧維爾得天獨厚的富饒的自然條件, 這些橫長形畫面上的構圖一般都是側邊敞開並且延伸的餘地。除了多比尼家花園那個隱蔽處, 其他作品的的場景基本上都沒有圍欄之類的東西。田野是自然的存在——它們不屬於任何人, 大地看起來廣袤無垠.

暮色蒼茫的氛圍顯得頗有浪漫色彩, 這蒼茫的暮色籠罩著奧維爾莊園的田野

沿著阿斯涅爾附近的塞納河岸

沿著阿斯涅爾附近的塞納河岸也被稱為阿斯涅爾河岸，在這裡梵高在很短時間裡，使用快速的筆觸，捕捉一個特定地點的色彩氛圍。梵高同時還繪畫了一些其它沿著塞納河畔的作品。

有垂柳的公園是詩人的花園

在阿爾勒的梵高住所的周圍，有三個公園，梵高為此畫了一些草圖和油畫作品，梵高分別從不同的視角畫出了公園的一角。這幅畫繪於1888年，色彩極其艷麗而清新，使人觀之眼前一亮、心曠神怡，繪製的應該是春季的景象，是梵高為數不多此類作品中的典範。

樹林中的女孩

有黃色的天空和太陽的橄欖樹

夾竹桃和書籍

南雷默附近的山地景觀

收穫景象

梵高於1888年2月離開巴黎來到阿爾勒，並很快愛上了這兒。猛烈的陽光和刺目的麥田使他 「瘋狂」。創作進入了高峰。雖受法國印象派和日本浮世繪影響。但他的作品已極具個性，這源自其獨特的視角和敏感的性格。他熱愛大自然，熱愛生命；他不滿足於只是理性的 「模仿事物的外部形象」，而要藉助繪畫 「表達藝術家的主觀見解和情感，使作品具有個性和獨特的風格」。這幅畫採用較傳統的寫實風格，整個畫面籠罩在暖色調中。遠景的處理，使得畫面產生平遠的效果.

梵高在巴黎同他弟弟提奧一起住的兩年里，他在費爾南德·科爾蒙畫室刻苦學習了四個月。科爾蒙是著名的法國學院派畫家。在學習期間，他開始接觸到印象派繪畫技法，於是開始使用更多的顏色，而不是慘淡的荷蘭油畫.

畫完《白色的果園》之後，梵高又將阿爾近郊的田園風光和收割情景搬上畫布。生長於北國昏暗陰鬱的天氣下的梵高，面對明朗活潑的南法，內心不覺歡喜若狂，他在497信上說:"在純凈的碧藍天空中，映現著赤金色、青銅色和黃銅色，這些就是所謂甘美而德拉克洛瓦色調吧!"又說:"除去濃郁的色彩外，放眼望去，儘是一片平坦無垠的田園。"這種風景使他懷念荷蘭(呂斯達爾時代的荷蘭)。這幅畫有強烈色彩的對比和正確的遠近法，畫得非常堅穩。向遠方伸展過去的風景，將梵高融入大自然的懷抱後，安詳自信的心情完全表達了出來。這種寧靜安詳的風景畫，梵高此後再也沒有畫過!

在阿爾勒，梵高畫了一系列收穫景象。並且他一個星期就畫了10件！毋庸置疑，如果不是因為6月20日的那一毀了一年收成的大暴雨，他會畫出更多的收穫景象,

在畫了一系列的收穫景象後，梵高寫信給他的弟弟提奧：「收穫時節的景象相比它在春天的時候，變得非常不同；不過，我不喜歡自然風景太少，到處都變乾枯了。現在的一切，有金色，青銅，甚至是銅，泛著藍綠色的天空瀰漫著奇妙的芳香，特別和諧，就像德拉克洛瓦作品中的斷音一樣......

"我正在描繪一個新題材——極目遠望，到處是黃綠相間的田野。我已畫了兩稿，現在開始畫油畫。它簡直像柯寧克的作品，你知道，就是那個描繪廣闊田野的倫勃朗的學生。" 梵高如此向提奧描繪他筆下的風景畫。 一望無邊的遼闊景色令梵高心馳神往。面對原野，他不僅想起故鄉荷蘭，而且往昔流連於畫廊，飽覽風景大師傑作的日子，重又浮現在眼前.

梵高以精確的用色和幾何圖形似的構圖，賦予畫面以令人難以置信的縱深感，把我們的視線從前景一步步引遙遠的天際.

這幅作品再次顯示了色彩的和諧——前景呈赭石和橘黃色，中景穿插著幾簇綠色矮樹叢和一片金黃色的田野，遠處露出青山藍天。黃色田野中，藍色的手推車和紅色的鏵犁格外醍目.

梵高為創作這幅油畫，共畫了四張習作，它們的構圖大致相似，手推車始終位於畫面中央.

為了使作品產生縱深感，給人以從高視點遠望景色的印象，梵高讓天空只佔畫幅的六分之一。藍色手推車構成畫面的焦點，位於畫面正中央.

奧古斯丁·魯林夫人的肖像

約瑟夫·魯林的太太奧古斯汀·魯林1851年生於法國的Lambesc。魯林太太並不完全習慣這個荷蘭畫家，但她仍舊為梵高做了8次模特。

精神病院院牆前的松樹

普羅旺斯乾草垛

垂柳園

綠色麥穗

貝母

阿爾勒車站附近的梧桐大道

秋景

"我畫了一幅秋天的景色，畫中樹葉都是黃色的。當我設想它是一部黃色的交響樂時，作為基調的黃色與樹葉的黃並不一致，有沒有關係呢？沒有關係。一切取決於我對顏色色調的無限豐富的知覺程度。"(梵高)

公園大道

梵高摒棄了一切後天習得的知識，漠視學院派珍視的教條，甚至忘記他自己的理性。在他的眼中，只有生機盎然的自然景觀，他陶醉於其中，物我兩忘。他視天地萬物為不可分割的整體，他用全部身心，擁抱一切。梵高是一個只畫了兩年印象派就燃盡生命卻點亮了整個世界的不世天才畫家。

午睡

米勒是法國最偉大的田園畫家，一位現實主義大師。梵高一向對米勒推崇備至，他對米勒的敬仰終生未改。梵高像米勒一樣關注世人疾苦，內心蘊藏著深厚的愛，並藉助作品來傳達愛。梵高對米勒畫作的臨摹和再創作，人們能夠體會到二者對同一主題的不同理解和不同表現手法，也能看出兩種繪畫風格的鮮明對照。從兩兩對應的作品中，既可以領略梵高是如何將米勒的簡練、樸素、凝重演繹成梵高的色彩鮮明、生氣勃勃、狂野奔放。

曳起橋與打傘女士

1888年，梵高生活在法國南部阿爾勒。阿爾勒的朗格盧瓦橋，即曳起橋與打傘女士，梵高以它為主題畫了四幅油畫，另外還有一幅水彩畫，這一時期梵高將了常規繪畫技法和創造性進行了融合。充分利用的鏡框透視，用他在海牙時創建的精確線條和角度，以表現事物的獨特視角。

此幅畫畫面呈現一片寧靜，寬闊的天空和水面上幾個稀疏的物體，在他的安排下成為色彩的實驗；畫上的主題只是讓顏色得以伸展的景物罷了，顏色彷彿是這些物體的第二層表皮。從堤防上遠眺，天空向四周延展，水的面積相對的渺小，曳起橋在正午的陽光下左右相對，橋上的人成了幾個影子，以及用白色調錶現的日光等，都是印象派畫家的畫風的痕迹，梵高在這地方顯然深受影響.

絲柏樹

梵高結束了在阿爾短暫而又緊張的生活。他在阿爾居住了年余，經歷了幾次戲劇性事件之後(與高更鬧翻、割耳)，他自願住進離家不遠的聖-雷米精神病院。在幻覺和精神繼續發作的間隙期間，他又能夠正常作畫了，於是趁機拚命工作.

這個時期，柏樹似乎取代了他心愛的主題——向日葵，頻頻出現在他作於聖-雷米的作品中。這些巨柱似的柏樹，枝丫擁攢，在正午的炎炎烈日之下彷彿沖騰的黑色火焰。柏樹成蔭的陰暗小徑在他的心中或許取代了北方哥特式教堂神秘莫測的正廳。這些柏樹擺脫了天生的剛直，好似團團巨大的黑色火舌，拔地而起，翻卷繚繞，直上雲宵。它們使我們再一次窺到畫家的內心世界.

在給提奧的信中，梵高這樣寫道："這些柏樹總縈繞在我的腦子裡，我真想像畫向日葵那樣，把它們畫出來。因為我奇怪，至今竟沒有一件作品，表現出我心目中的柏樹。它們宛若黑色的音符，跳躍在陽光明媚的風景中。這些黑色音符既富於神韻，卻又極其難以演奏好……我畫了兩幅柏樹的油畫，我認為，打了草圖的那一幅比較好。畫面上的柏樹高大堅實，前景很低，布滿荊棘和灌木叢。紫色山巒的背後，露出青里透著粉紅的天空，天邊高懸著一彎新月,」

梵高運用層層堆疊的筆觸，敷塗風景中的柏樹——"黑色音符" 的色彩，整幅畫的色彩造成一種逆光效果。隨著梵高藝術個性的發展，他的筆觸，即畫筆在畫布上設色的方式，也發生了改變。在短暫的藝術生涯的後期，他的筆觸，無論並排塗抹或層層堆疊，都不再是縱橫或斜向，而是呈旋風的形狀，彷彿火焰在燃燒，彷彿宇宙在誕生，彷彿物質在令人眼花繚亂地運動

有絲柏的道路

梵高自創的短碎筆法在這幅畫中展露無遺。梵高在阿爾勒時期的色塊運用，在此全轉成了線條。中置的柏樹主控整個畫面，道路、稻田、野草相互輝映。馬車和人物的位置則有平衡畫面的效果。

「這是一次最新的嘗試。一顆星星發出了被誇張的光，在群青色的天空中，呈現出玫瑰色與綠色的柔和的光輝，一些雲朵匆匆掠過天際，天空下面有一條邊上插著一些黃色長棍的道路，黃棍子後面是畫面上顯得較低的阿爾卑斯山；一家古老的客棧，它的窗戶透出黃光；一株很高的、筆直的黑色絲柏；路上有一輛由一頭帶著挽具的白馬拉著的黃色二輪馬車和兩個走夜路的人。如果你願意，你可以說這是非常浪漫的，但是我認為，普羅旺斯本來就是很浪漫的。」

在聖馬迪拉莫海邊的漁船

1888年6月，梵高來到離阿爾50公里的聖瑪利，這是地中海邊的漁村，他在此完成了幾幅以漁船為畫題的作品。他在499信中告訴提奧，地中海的色彩千變萬化，有如鯨魯一般，不知道什麼時候會變成綠色、變成紫色，或變成青色……。然而，變化萬千的海面雖然美麗而奇幻，卻不如形狀變化多端、紅綠色對比強烈的漁船更能深深打動他的心。他把眼睛所捕獲的色彩鮮麗的漁船，清晰地畫在前景，省略其他部分來暗示遠方，讓人感到這是採用了日本版畫中擴大空間的手法。在細部的省略與誇張的變形中，則突出了空間上的深度。

梵高在這幅畫中，用輕亮的色彩，明快的筆觸，表現自然界的景象；用濃重的色彩，細緻的筆法，描繪人造的船隻。

"這幅畫畫的是海灘上的漁船，偌大的船身躺在灼熱的沙灘上，大海遠遠地消失在藍色的朦朧中，這是一個晴朗的日子，但是太陽已經下山，人們只能憑藉一些投影與沙灘上方熱空氣的顫動，而感到天氣的晴朗。

阿爾皮依的橄欖樹欖樹

本幅畫的構圖可以明顯地劃分為四層:土地、橄欖樹、山脈、天空, 四者在顏色上形成鮮明的對比。圖中生動的線條筆觸和天上如孩童畫般的白雲, 呈現出律動感。

奧維爾的教堂

奧維爾的教堂連同其它奧維爾的茅草屋、奧維爾市政廳等視梵高在北方的童年和青年時的回憶，教堂呈現著紫羅蘭色調，彩色的玻璃窗上閃著亮光，紫色和橙色相間的屋頂映襯著純藍色的天空。畫面的前面有著一些綠色植物和鮮花，粉紅色的陽光照射在地面上，這如梵高的墓地和老教堂等繪畫擁有著相同的表現手法，不過這裡的色彩表現力更為強烈、豐盛。

「單純的深藍色」也用在了艾德琳·拉武的一些肖像畫中。

儘管教堂前面陽光照射，但教堂本身仍然坐落在自己的影子里，這裡的教堂，既不反射光，也不散發光，象徵著空洞和落後的說教。

這幅畫用深藍色表現夜空，線條短粗並與梵高其它許多畫作中的線條同樣呈渦旋狀，有些《星夜》的意味。而地面則以黃色、綠色為主，同樣以短線條來表現「V」形的道路。作者並沒有寫實地描繪教堂，而是以一貫的處理手法賦予它更加豐富的色彩和經過感情濾過的形象，在實物中融入自己的情感，並體現在作品中，而非一味地忠於客觀描述。豐富恰當的色彩則進一步加強了感情的表達，這正是梵高最終形成的特色。

「V」形的道路也類似出現在了麥田群鴉里。

在奧維爾，梵高的畫以深青色、藏青色為主。他一生中對於社會的不理解所作的抗爭，對於真善美所作的追求，還有生存中的苦惱與歡樂，似乎都孕育在這天空的蔚藍里。他寫給妹妹的信中說："我畫了村莊教堂的一幅大畫，從全體的效果言之，建築物是帶有紫色，跟深藍色的天空相對。玻璃窗戶塗上了深藍色，屋頂則夾雜著藍紫色與橘色。在教堂前的草地上開滿了鮮花，同時還布滿了被陽光照射著的粉紅色（玫瑰色）的沙土。這和我在故鄉紐南所畫的古塔與古墓的習作相似，但不同的是這幅畫所用的色彩，看起來更富於表現力、更為華麗。"

梵高由紐南的教堂開始, 經過不同的時期, 最後走到奧維爾教堂, 完成了他生命和繪畫的旅程。 在梵高的許多作品中,顏料都塗得很厚實。像這種塗得厚厚的技法稱之為"厚塗法"(impasto)，被許多印象派的畫家所採用。

夜間咖啡館

《夜間室內咖啡座》是知名的荷蘭畫家梵高的作品之一，他於1888年9月在法國普羅旺斯的阿爾勒所繪，目前收藏在荷蘭的克勒勒·米勒博物館內。

梵高當年在阿爾勒描繪的這家咖啡館如今依然矗立在拉馬丁廣場。梵高抵達阿爾勒後，一直住在這裡，後來懷著建造藝術家聚居地的希望，搬入黃房子，與高更共同生活了兩個月。

梵高阿爾勒時期的作品，總令人充滿陽光的明亮的風景畫，其實他受夜景刺激而繪畫作亦為數不少。

這幅右下角有著梵高簽名的畫作描繪的是室內的咖啡館的場景，處在畫面中間位置的門帘半開半掩著，據推測門後面有很多獨立的小房間。五位顧客沿著牆坐在左右兩側，服務員站在燈光下面面對著觀眾，在他一側房間中間部位一有張撞球桌。

畫面中的五位顧客被描述成喝醉酒在昏昏欲睡的流浪漢以及妓女和嫖客，有學者說咖啡館是窮困潦倒的人和妓女夜間出沒的場所，這在畫面遠處的角落裡得以體現。

綠色的天花板，紅色的上半部分牆壁泛著亮光，黃色的汽燈和地板，整個畫面有著強烈而生動的色彩對比。

這幅作品色彩耀眼，梵高有意使用這種色調來表現令人忐忑不安的場景。為了強調房間的縱深感，他選擇了高視點，透視線非常精確。黃、綠色點染的暈圈渲染了煤氣燈放射的刺眼光線，其強度感到難受。

本幅畫採用高視點，並以撞球桌為中心展開放射狀的景物安排。畫中運用透視法的原則，黃紅綠三色互補，同時使整個畫面產生壓迫感。冷清的咖啡館中，人物散坐在屋內兩側，寥寥可數，越發呈現出咖啡館內空蕩蕩的氣氛。老闆站在偏離中央的地方，孑然一身，在這間大屋子裡，看上去格外渺小。這個不祥之地瀰漫著凄涼和孤寂的氣氛。

這幅作品採用強烈而刺激的顏色，是梵高描繪室內的畫作中最具有力度的。嗜酒的梵高對夜間各個角落十分熟悉，在寫給提奧的信中，他寫下了創作本畫的意圖:"這就是他們在這裡的所謂午夜咖啡館……夜遊者如果付不起住宿費，或爛醉如泥，到處被拒之門外，都可以在這裡落腳。我想在這幅畫中……表現咖啡館是一個使人墮落，喪失理智或犯罪的地方。因此，我選用淡紅、血紅、酒糟色，與路易十五綠、石青、橄欖綠以及刺眼的青綠形成強烈對比……造成一種氣氛，好似魔鬼的硫磺火爐，以表現下等酒店裡陰暗的力量。……這幅畫中的咖啡廳，是個可能令人身敗名裂、精神錯亂、甚至犯下罪行的場所，我努力想把這一切呈現出來。……人們沉淪在地獄漩渦般的氣氛中。

和梵高畫的所有室內景一樣，這幅作品投影點也在視平線以上。這種構圖突出了光禿禿的地板和地板上反向的耀眼燈光。

咖啡館內的擺設笨重龐大，佔據了大部分畫面，相形之下，人物顯得渺小而無足輕重。畫家以此來突顯人物的孤獨感。

從天花板射下的燈光，被照亮的後門，燈下綠色球台桌呢面和地板上的陰影，這一切給畫面帶來了生氣。

梵高的幾何形構圖，像他的用色和選擇主題一樣，都以喚起人的情感為目的。圖中紅線表明他如何運用透視。

"我想儘力表現咖啡館是一個使人毀掉自己、發狂或者犯罪的地方。我要儘力以紅色與綠色表現人的可怕激情。我要儘力表現下等酒店的黑暗的勢力，所有這些都是處於一種魔鬼似的淡硫磺色與火爐似的氣氛中"。

梵高由於工作過度緊張，身心疲乏，因此晚上經常光顧離他住所不遠的拉馬丁廣場的咖啡館，用酒或咖啡來提神解乏。那裡燈火的顏色和室內陳設的紅、黃色，像白天的陽光那樣明亮，激發了他創作的激情。

梵高的激情，來自他所生活在其中的那個世界，來自他所認識的人們所做的按捺不住的強烈反應。這絕不是一個原始人或小孩子所做的那種簡單的反應。他寫信給弟弟提奧的信，是一個藝術家寫出來的最動人的故事。信中表明了他高度敏感的知覺力，這種知覺力完全符合他他那感情的反應。他敏銳地意識到，自己正在獲得效果，這種效果是通過黃色或藍色來取得的。雖然他的大部分色彩觀念用來表達對於人物和自然的愛，及其表現過程中的愉快，但他對較深的色彩十分敏感，所以在談到《夜晚的咖啡館》時他曾說過：「我試圖用紅色和綠色為手段，來表現人類可怕的激情。

這幅畫是由綠色的天花板、血紅色的牆壁與不和諧的綠色傢具組成的夢魘。金黃色的地板呈縱向深遠的透視，以難以阻擋的力量進入到紅色背景之中，反過來，紅色的牆壁背景也以均等的力量與之抗衡。而天花板的深重藍色壓迫下來令人窒息。他告訴提奧「我畫《夜間咖啡館》是想表現一種想法，即所謂的咖啡館就是讓人沉淪、發狂和犯罪的場所」。

這幅畫，是透視空間和企圖破壞這個空間的逼人色彩之間的永不調和的鬥爭。結果是一種幽閉、恐怖和壓迫感的可怕體驗。作品預示了超現實主義用透視作為幻想表現手段的探索，但是沒有一種探索，能有如此震撼人心的力量.

鳶尾花

《鳶尾花》（Irises）在他去世的前一年1889年5月，他進入位於法國聖·雷米的一間精神病院，後所畫的，目前收藏在美國加州保羅蓋茲美術館內。

梵高在聖-雷米病院中所畫的最初的油畫中，畫滿了這裡的花或植物。其中最出色的顯然是在花園裡畫的一幅大油畫，畫中的鳶尾花好像是由花和葉子精緻編成的紡織品，上面幾乎既看不見地，也看不見天。整個畫面構圖以相同形狀的花、相同形狀的葉子、相同的顏色反覆出現來表現百花盛開的令人眼花繚亂的情景。

1988年，這幅畫拍賣時賣出了5300萬美元的高價，這事為現代美術家的成功定下了新的標準。公眾又一次面對著一幅不可捉摸的繪畫作品，其價值的高低竟然靠拍賣時的竟價大戰來決定，其利潤的獲得者竟然是跟這件作品的創作毫不相干的人。

本畫是梵高1889年在獨立沙龍上展覽的兩幅作品之一，提奧曾說過這幅畫在獨立沙龍上"很受參觀者的欣賞……它遠遠地就吸引住你的目光。這是一幅很美的作品，畫面上洋溢著清新的氣氛和活力"。此後不久，提奧將它擺在了顏料商唐居伊設在蒙馬特爾的商店裡。1892年，唐居伊以300法郎的價格將這幅畫賣給了評論家奧克塔夫·米爾博——梵高最早的賞識者之一，從而啟動了一連串的買與賣，直到1988年馬利布·保羅-蓋提博物館購進這幅作品。

在過去的一百年里，"鳶尾花"標價的不斷上升與梵高聲望的上升是同步的。1988年這幅作品之所以能夠賣出如此令人目瞪口呆的高價，其原因不僅在於家財萬貫的富翁們把拍賣場當成了炫財鬥富的舞台，也不僅是由於市場價值和藝術品內在價值的神秘莫測，而且還由於梵高生前的貧困和堅韌不拔的精神大大抬高了其作品的賣點。梵高在他生前十年的繪畫生涯中幾乎沒賣出過什麼作品，如今在短短的一年中"鳶尾花"和其他三幅作品卻賣出了創紀錄的價錢，這無疑是畫家在社會上具有諷刺意味的勝利，而這種勝利只會使他更具傳奇色彩。

兩年後，1990年7月29日「紐約時報」上出現了一則匿名公告，公告堅決主張文化和商業之間要保持道義上的距離，並且代表梵高對人們提出嚴肅的勸告:"藝術的價值與金錢毫不相干。」

本幅畫是梵高到聖·雷米之後最早完成的作品之一。畫中色彩豐富，線條細緻而多變，左邊的白花與最右方的淺藍花相呼應。畫家細心安排花朵位置，引導觀者視線。整個畫面充滿律動及和諧之感。

畫面被一片藍色佔去了大半，淺如海藍，深似墨團——難以揣度的愁楚與痛苦的凝結。連花葉也綠中偏藍，緣情隨性的。那憂鬱的藍色屬於他，伴著生命而來。構圖上，鳶尾花的整體造型 「內傾」，與左上角的一簇野菊呼應。野菊的赭紅，與土壤色系相諧。赭紅與藍——一種躁動的情緒總在對話憂鬱的述說。二者相接處，有一白色的鳶尾花，朵大，莖長，花蕊正對前方，成為畫面的亮點。只是在一片一簇中顯得突兀——特立獨行孤傲的身影，彷徨於躁動和憂鬱而前方沒有路。這便是1889年5月間的梵.高，他將心魂留在了畫上。

吃土豆的人1885

《吃土豆的人》展現出貧苦的一家人勞作一天，晚餐桌上的主食卻只有土豆而已。畫中右手邊的老婦人，生活的重壓剝奪了她全部的生趣，她機械地倒著手中的咖啡，目光不與餐桌上的任何一個人交接；畫中左手的中年男子，他小心翼翼地注視著對面的母親，似乎為自己的胃口充滿了負罪感。昏黃的燈光下，圍坐在餐桌邊的一家人眼中卻仍然透露出饑渴的神情，此時無聲勝有聲，他們似乎在靜靜地訴說著他們的哀傷……。

圍著餐桌而坐的五個農民，都曾作過個別習作。那詢問似的炯炯眼神，右端的農婦下垂的厚重眼瞼，布滿皺紋、凹凸不平的臉和手，充分地表現出大地上勤奮的勞動者的"力量"。他在信上表示，希望這幅畫能強調出"伸在碟子上的那隻手，曾挖掘過泥土。"同時窗外的景色，也令人深切地感受到煮土豆的香味。

在這幅畫上，樸實憨厚的農民一家人，圍坐在狹小的餐桌邊，桌上懸掛的一盞燈，成為畫面的焦點。昏黃的燈光灑在農民憔悴的面容上，使他們顯得突出。低矮的房頂，使屋內的空間更加顯得擁擠。灰暗的色調，給人以沉悶、壓抑的感覺。畫面構圖簡潔，形象純樸。畫家以粗拙、遒勁的筆觸，刻畫人物布滿皺紋的面孔和瘦骨嶙峋的軀體。背景設色稀薄淺淡，襯托出前景的人物形象。梵高自己稱這幅畫是"表現主義的誕生"。他說:"我不想使畫中的人物真實。真正的畫家畫物體，不是根據物體的實況，……而是根據自己的感受來畫的。我崇拜米開朗基羅的人物形象，儘管它們的腿太長，臀部太大"。有人指責他這幅畫中的形象不準確，而他的回答是:"如果我的人物是準確的，我將感到絕望，……我就是要製造這些不準確、這些偏差，重新塑造和改變現實，是的，他們能不真實，你可以這樣說--但是比實實在在的真實更真實。」

這幅《吃土豆的人》是梵高接觸印象派之前的最重要作品。與前面以織布工為題材的作品相比，這幅畫的明顯不同在於人物成了主角。雖然因為離模特太近，導致透視比例產生了偏差，但是，梵高在這幅畫中加入了自己的主觀情感，而不再拘泥於寫實主義的「冷靜旁觀」。一家人身處如此悲慘境遇，卻是那樣的安詳和平靜，令觀者對人生、對命運產生無限的感慨。梵高說：「我要努力學會的，不是畫一個比例正確的頭像，而是畫出生動的表情。簡單地說，不是描摹沒有生命的東西，而是畫鮮活的生活。」

這幅畫是梵高在紐南時期的最佳傑作，也是畫家自認為其時最好的作品，梵高其時在北布拉班特居住。同樣構圖的習作有兩幅，素描與速寫各一幅，但仍屬這幅最完美。為了完成這幅作品，他曾作了許多農夫、農婦的肖像，對室內及手的素描，以及瓶子與水壺的靜物畫等等，這些均是對此畫的習作。

梵高這個時期雖然深受荷蘭畫的影響，但是，他拒絕走該畫派感傷主義的老路，去描繪星期日身著盛裝的農民，反而是力求表現農民艱辛的現實生活。為了追求這種意境，在這幅畫中，梵高選用了灰暗濃厚的色調，以此體現家境的寒苦。他又以蒼勁的筆觸，刻畫人物布滿皺紋的面孔和瘦骨嶙峋的軀體。桌上懸掛的油燈構成畫面的焦點，昏黃的燈光灑在農民憔悴的面容上。背景敷色稀薄淺淡，反襯出前景中的人物形象。以此看出，梵高力求表現在光的映射下，幾種色調變化的效果。

此畫充滿了對其社會性與宗教性的情感，畫面雖顯得粗野，但結構卻十分緊密；以圍聚的人物為中心，對形體加以把握；以德拉克洛瓦的色彩理論，構成了種種暗灰色，以這些完成了這幅佳作。

梵高早期接觸社會下層，對勞動者的貧寒生活深有感觸。他受米勒影響，想當一名農民畫家。《吃土豆的人》便是他該時期的代表作。在畫里，梵高用粗陋的模特來顯示真正的平民。這幅畫，充分反映了梵高的社會道德感。他選擇畫那些農民，主要是因為他發現自己與這些貧窮勞動者之間，有某種精神上和感情上的共鳴。他在給其弟弟提奧的信中寫道:"我想強調，這些在燈下吃土豆的人，就是用他們這雙伸向盤子的手挖掘土地的。因此，這幅作品描述的是體力勞動者，以及他們怎樣老老實實地掙得自己的食物。」

梵高深愛著樸拙的農民在大地上奮鬥的情景，他以為這些與文明化、都市化相較之下，充分地顯示出光與力。他明白這幅畫或許不合現代趣味，他渴望著能將這些示諸眾人，喚起"人們"的責任感和優越感。這些都可見諸信中。梵高在1885年完成的這幅畫確立他作為大師的地位。

此畫約從1880年開始構思，前後有幾幅變體畫，確切完成的時間應在1885年4至5月，有83×114.5厘米大。現藏阿姆斯特丹國立文森特·梵高藝術館。

「他把整個畫面塗成一種沾著灰土的、未剝皮的新鮮土豆的顏色。畫上面 有骯髒的亞麻桌布和熏黑的牆，那盞吊燈掛在粗陋的檁樑上，斯蒂恩給父親 端來煮土豆，母親在倒清咖啡，哥哥把杯子端到嘴邊，而在他們所有人的臉 上都流露出一副安於天命、逆來順受的神情。」

——摘自《梵高生命軌跡與心路歷程》吃土豆的人（傳記）

羅納河上的星夜（星空）

《羅納河上的星夜（星空）》是荷蘭後印象派畫家文生·梵高於1888年創作的著名油畫。顯示了法國南部城市阿爾勒的羅納河上的夜景。

當我望著天上的星星時，常常產生好像地圖上代表城鎮的黑點的幻覺。我問自己，為什麼天空中閃亮的點，不像法國地圖上的黑點那樣容易接近呢？我們可以搭火車到塔拉斯康或者盧昂，我們卻不能到星星上去。……所以我想，霍亂、腎結石、肺結核、癌症可能是去天國的旅行工具，一如船、汽車和火車是地上的旅行工具一樣。壽終正寢者，就是慢慢步行到天國去的。

梵高再度嘗試夜景之作。天空的星光與岸邊燈光的倒影，互相響應。這種光線的處理方式，反應了梵高獨特的視覺美學。而畫中使用分色性的筆觸，可以上溯到"拉杰特塞納河大橋"的作法。

夜晚，萬籟俱寂，群山起伏。小鎮猶如被銀色月光撫慰著熟睡的嬰兒般安靜。天空捲起一旋一旋的雲芒，侵染的星光也都變模糊了。在天邊的右方，太陽蘊含著月亮，這種沒有瑕疵沒有縫隙的容納，就連月亮的顏色都變成了金黃。可是夜晚為什嗎會有太陽，如果要是問熱戀中的男女一定都會說那是因為白天的太陽和夜晚的月亮都太寂寞，所以他們在夜晚來相會。而對於我來說，那是因為太陽的光芒太炙烈，所有的東西都不敢接近，都怕受到傷害，所以太陽太孤獨，沒有一個朋友，也沒有一個愛人。但是，獨有月亮了解太陽的這份孤獨，因為夜晚星星和月亮都是從太陽那裡得到光亮，但是，有那嗎多的星星，而只有一個月亮。就因為這樣的了解，月亮為了能和太陽做伴兒，讓自己不再滿圓，讓自己變得殘缺，好能被太陽容納，因為只有這樣的殘缺才能接受那炙烈到不行的光芒。看哪，就像一對戀人激烈的擁吻著對方，好象世界只有彼此，只需要彼此，世界完全不再存在，只有對方，於是，他們那不被了解的孤獨都溶化於吻痕之中。 它突兀的出現，它就這樣的生長，誰都不知道它是怎樣出現，也許誰都不在意，可是我注意到了它。它細細的生長，悠繞的直接向天，它好象在傾訴著什嗎，它只用它的語言來訴說，所有人都聽不懂它在說什嗎，它悲憤，它惱怒，它氣急的錚錚的瘋狂的長著，卻沒人知道它為什嗎生長，甚至連它自己都不知道它為什嗎生長。可是它仍然長著，直想長到天際，永遠不再低頭看一眼這世界，因為世界看它是悲哀，它卻看世界是悲哀的，因為它永遠學不會這世界的語言，可它知道只有長到天際，衝破雲霄，它才能知道自己為什嗎生長，為什嗎在這個世界上生存過。它是悲哀的嗎？不，它不是悲哀的，因為它只想找一個角落靜謐而憂傷的生長。

《星夜》是一幅既親近又茫遠的風景畫，這可以從十六世紀風景畫家老勃魯蓋爾的高視點風景手法上看出來，雖然梵高更直接的源泉是某些印象主義者的風景畫。高大的白楊樹戰慄著悠然地浮現在我們面前；山谷里的小村莊，在尖頂教堂的保護之下安然棲息；宇宙里所有的恆星和行星在「最後的審判」中旋轉著、爆發著。這不是對人，而是對太陽系的最後審判。這件作品是在聖雷米療養院畫的，時間是1889年6月。他的神經第二次崩潰之後，就住進了這座療養院。在那兒，他的病情時好時壞，在神志清醒而充滿了情感的時候，他就不停地作畫。色彩主要是藍和紫羅蘭，同時有規律地跳動著星星發光的黃色。前景中深綠和棕色的白楊樹，意味著包圍了這個世界的茫茫之夜。梵高繼承了肖像畫的偉大傳統，這在他那一代的藝術家裡鮮見的。他對人充滿了激情的愛，使他不可避免地要畫人像。他研究人就象研究自然一樣，從一開始的素描小品，一直到1890年他自殺前的幾個月里所畫的最後自畫像都是如此。它如實地表現出瘋人凝視的可怕和緊張的眼神。一個瘋人，或者一個不能控制自己行為的人，無論如何也不能畫出這麼有分寸、技法嫻熟的畫來。記得一句關於梵高的話：「燦爛到極致不是黯淡就是死亡，所以梵高也只能，毀滅了自己。

梵高星夜三部曲：夜晚露天咖啡座（1888）、羅納河上的星夜（1888）、星夜（1890）之一。

星夜靈感：當我們從混沌走向靈知，似乎等的是更為廣闊的未知，我們現在所無法達到的，以後終將實現。所以螢火之光雖為渺小，卻應有夸父追日般不滅的熱情。

作為表現性的後印象主義畫家梵高的作品，這幅畫有很強的筆觸。油畫中的主色調藍色代表不開心、陰沉的感覺。很粗的筆觸代表憂愁。畫中景象是一個望出窗外的景象。畫中的樹是柏樹，但畫得像黑色火舌一般，直上雲端，令人有不安之感。天空的紋理像渦狀星系，並伴隨眾多星點，而月亮則是以昏黃的月蝕形式出現。整幅畫中，底部的村落是以平直、粗短的線條繪畫，表現出一種寧靜；但與上部粗獷彎曲的線條卻產生強烈的對比，在這種高度誇張變形和強烈視覺對比中體現出了畫家躁動不安的情感和迷幻的意象世界。梵高生前非常欣賞日本浮世繪《冨岳三十六景》中的《神奈川衝浪里》，而《星夜》（《星空》、又名《星光燦爛的夜空》）中天空的渦狀星雲畫風被認為參考並融入了《神奈川衝浪里》的元素。

摯愛深夜的梵高在阿爾勒時期曾有兩件作品描繪星空，本幅和"夜晚露天咖啡座"。這兩件作品中，閃爍於碧藍色夜空中的星星，格外奪人眼目。在聖-雷米的初期(1889年6月)所畫的這幅"星光燦爛的夜空"是梵高深埋在靈魂深處的世界感受。每一顆大星、小星迴旋於夜空中，新月也形成一個漩渦，星雲與稜線宛如一條巨龍不停地蠕動著。暗綠褐色的柏樹像一股巨形的火焰，由大地的深處向上旋冒; 山腰上，細長的教堂尖塔不安地伸向天空。所有的一切似乎都在迴旋、轉動、煩悶、動搖，在夜空中放射艷麗的色彩……。這種迴旋式的運動圓形，有如遠古時代的土器形體或者裝飾在土器表面的螺旋花紋。在德拉克洛瓦或巴洛克的藝術中也可以看到這種迴旋的曲線和旋轉的運動，但其真正的源頭，恐怕還是來源於人類的潛意識之中，促成梵高產生這種原始意識的，一是得自於農民以勞動征服大地所帶給他的共鳴，再者是他對德拉克洛瓦的佩服，三者是對於日本浮世繪畫家北齋和廣重的構圖主題的把握。 在西歐傳統繪畫的遠近法中，畫家常常從觀眾席來觀察舞台，觀察風景與人物。但是對梵高來說，在他病情尚未發作之前，已感到被另外一個世界監視著。他察覺到受苦惱、受煩悶的，不只是他本身或者如向日葵那樣的對象，而是能夠把一切萬物都包括進去的廣大範疇。

這幅油畫是他所畫的為數不多的，不靠直接觀察對象，而用虛構的形與色，憑想像創造某種氣氛的作品中的一幅。他的《星光燦爛的夜空》這幅畫，畫著一些入睡的小屋，絲柏從下面伸向深藍色的天空；一些黃色的星與閃光的橘黃色的月亮形成旋渦，天空變得活躍起來。這是體現內心的、最緊張的幻想，是發泄無法抑制的強烈感情的創造性嘗試，而不是對周圍大自然平心靜氣研究的結果。

這幅畫中呈現兩種線條風格，一是彎曲的長線，一是破碎的短線。二者交互運用，使畫面呈現出眩目的奇幻景象。這顯然已經脫離現實，純為梵高自己的想像。在構圖上，騷動的天空與平靜的村落形成對比。柏樹則與橫向的山脈、天空達成視覺上的平衡。全畫的色調呈藍綠色，畫家用充滿運動感的、連續不斷的、波浪般急速流動的筆觸表現星雲和樹木;在他的筆下，星雲和樹木象一團正在熾熱燃燒的火球，正在奮發向上，具有極強的表現力，給人留下深刻的印象。

《星光燦爛的夜空》也許是文森特·梵高最有名的畫作。獨特的風格讓人一眼就可以認出是梵高的作品，這幅作品是虛構的。即使梵高嘗試了裝飾性作品的創作，也只有極少數評論家認可他這些作品並願意支持他在這方面的嘗試。其中的部分原因無疑是梵高沒能舉辦他所希望的個人畫展，只有這樣的畫展才可能擺出自己的大批作品。古斯塔夫·卡恩倒是對梵高在1888年獨立沙龍上參展的三幅作品做過評論，他說"梵高先生的畫筆揮灑得很有力"，這樣的評價實際上成了批評。有些評論的作者差不多把這種筆法乾脆稱為裝飾性筆法。1889年，費利克斯·費內翁曾經提到，在這幅作品裡，這種"無立體感的筆觸構成了粗糙的草席似的圖案"，同時那漩渦般的色彩像是直接從顏料管里擠出來的。喬治·勒孔特在文章中讚揚道："熱烈的厚塗……各種顏色很自然地營造出了令人感到震撼的效果。"古斯塔夫·熱弗魯瓦將梵高描繪為一個"畫風景畫時簡直就像在雕塑風景畫"的畫家。這些評論或許促使人們注意到了梵高作品的表現圖案和裝飾性，而其筆法則可能被認為是一種將前景和背景統一在同一個視覺區域里的手段。可是這些評論都只有三言兩語，而幾乎沒有對梵高的作品做更廣泛或者更深入討論。假如從一幅幅單張作品的角度上看，剛勁有力、別具一格的筆觸便意味著傳統意義上氣質或者獨特的個風格，而不是裝飾性圖案。而梵高的身體健康狀況一旦廣為人知，他們就會毫不猶豫地認為他的筆觸證明了他的病態氣質和性情的不穩定。

玫瑰

視域轉化成濃厚的、有力的顏料漿，沿著他的畫筆的猛戳動作畫出的線路展開了它的脈絡。天空中央的星星的捲曲浪潮也許是無意中受了葛飾北齋的《大浪》的影響——但它的奔騰的壓力，在東方美術中卻沒有相等的例子。月亮從月蝕中走出來，星星閃耀、洶湧，柏樹隨著它們搖動，把天空的韻律轉化成自己的火焰狀側影的黑色扭曲。它們把天的激流傳給了他，完成了貫穿整個自然的活力的圈子。

1889年，梵高的瘋病又一次發作。在與高更的一次激烈爭吵之後，他割下自己一隻耳朵，並用手帕包著送給一個妓女。此後，他被送人了聖雷米的瘋人院。他在那兒共呆了一年零八天。其間，他仍然勤奮作畫，完成了一百五十多幅油畫和一百多幅素描。他此時的繪畫，已完全地趨於表現主義。在他的畫上，那些象海浪及火焰一樣翻騰起伏的圖像，充滿憂鬱的精神和悲劇性幻覺。油畫《星夜》便是他該時期的代表作。

這幅畫，展現了一個高度誇張變形與充滿強烈震撼力的星空景象。那巨大的、捲曲旋轉的星雲，那一團團誇大了的星光，以及那一輪令人難以置信的橙黃色的明月，大約是畫家在幻覺和暈眩中所見。對梵高來說，畫中的圖象都充滿著象徵的涵意。那輪從月蝕中走出來的月亮，暗示著某種神性，讓人聯想到梵高所樂於提起的一句雨果的話： 「上帝是月蝕中的燈塔」。而那巨大的，形如火焰的柏樹，以及夜空中象飛過的卷龍一樣的星雲，也許象徵著人類的掙扎與奮鬥的精神。

在這幅畫中，天地間的景象化作了濃厚、有力的顏料漿，順著畫筆跳動的軌跡，而湧起陣陣旋渦。整個畫面，似乎被一股洶湧、動蕩的激流所吞噬。風景在發狂，山在騷動，月亮、星雲在旋轉，而那翻卷繚繞、直上雲端的柏樹，看起來象是一團巨大的黑色火舌，反映出畫家躁動不安的情感和狂迷的幻覺世界。

梵高在這裡，並沒有消極、被動地沉溺於他那感情激流的圖象中。他能將自己作為一個藝術家而從作品中抽離出來，並且，尋找某種方式，用對比的因素與畫面大的趨勢相衝突，從而強化情感的刺激。我們在畫中看見，前景的小鎮是以短促、清晰的水平線筆觸來描繪的，與上部呈主導趨勢的曲線筆觸，產生強烈對比; 那點點黃色燈光，均畫成小塊方形，恰與星光的圓形造型形成鮮明對比。教堂的細長尖頂與地平線交叉，而柏樹的頂端則恰好攔腰穿過那旋轉橫飛的星雲。

而那巨大的, 形如火焰的柏樹, 以及夜空中象飛過的卷龍一樣的星雲, 也許象徵著人類的掙扎與奮鬥的精神。

整個畫面, 似乎被一股洶湧、動蕩的激流所吞噬。風景在發狂, 山在騷動, 月亮、星雲在旋轉, 而那翻卷繚繞、直上雲端的柏樹, 看起來象是一團巨大的黑色火舌, 反映出畫家躁動不安的情感和狂迷的幻覺世界。

在現代的一項科學研究中，科學人員發現梵高的後期作品，包括《星夜》（《星空》、又名《星光燦爛的夜空》）在內，包含有一種物理上稱為「湍流」的神韻，並推測此神韻來源於梵高由於長期處於癲狂狀態中而得到超於常人的感悟能力和繪畫表述能力。而在2004年3月4日，美國宇航局和歐洲航天局公布了一張哈勃太空望遠鏡拍攝的太空照片，並稱「這幅太空攝影作品與梵高的名作《星夜》（《星空》、又名《星光燦爛的夜空》）有『異常相似』之處。」其中，哈勃太空望遠鏡所拍照片為一顆名為「麒麟座V838」的恆星周圍的景象。該恆星位於麒麟座方向，距離地球2萬光年。

梵高無疑是最具傳奇色彩的畫家，《星夜》（《星空》、又名《星光燦爛的夜空》）是梵高在藝術成熟期的一幅代表作，是他埋藏在靈魂深處對宇宙、世界的感受。一見到這幅畫，便有一股撲面而來的氣息，一下子喚醒人們對入夜後的印象，可以感覺到暖風和暢，夜晚的寧靜中孕育著勃勃生機，盤旋的雲龍說不清是色彩還是情感。

玫瑰

《向日葵》是荷蘭畫家梵高繪畫的一系列靜物油畫。當中有三幅繪有十五朵向日葵，另有兩幅繪有十二朵向日葵。畫家1888年8月在法國南部阿爾勒繪畫了第一幅十五朵的 《向日葵》 (藏於英國倫敦英國國家美術館)和第一幅十二朵的《向日葵》 (藏於德國慕尼黑新美術館)，其餘的作品在翌年1月繪成。全部作品都畫在 93 × 72 厘米 (37" × 28") 的帆布上。1887年他另外在巴黎繪畫了一套四幅的向日葵靜物畫。

畫家在1888年夏末開始工作，並持續到第二年。其中一幅被他的朋友保羅·高更裝飾其卧室。這個系列呈現了向日葵由盛放到凋謝各階段的形象。在用色方面——某程度上應該歸功於新近上市的顏料令新的色調變得可能——黃色系列的表現力得到突破。在給其弟弟費奧的信中，他表示：「可以說，向日葵是屬於我的花」。 乍看起來，花似乎有一種糕點的色彩效果，一點沒有花的嬌嫩。明白藝術並非是對現實的簡單模仿，我們會立刻感到被背景托出來的片片葉子的厚實形式與扭曲線條，一個精神柔弱無力的人是絕對畫不出來的。

《向日葵》是梵高在法國南部畫的同一題材的系列作品．他畫《向日葵》時, 精神異常激動, 向日葵金黃色的花瓣, 給他一種溫暖的感覺, 使他內心充滿激情地去畫那些面朝太陽而生的花朵．花蕊畫得火紅火紅, 就像一團熾熱的火球；黃色的花瓣就像太陽放射出耀眼的光芒一般．厚重的筆觸使畫面帶有雕塑感, 耀眼的黃顏色充斥整個畫面, 引起人們精神上的極大振奮。

作畫時梵高像閃爍著熊熊的火焰，滿懷熾熱的、運動感的和彷彿旋轉不停的筆觸是那樣粗厚有力，色彩的對比也是單純強烈的。然而，在這種單純和粗厚中卻又充滿了靈氣和智慧。觀者在觀看此畫時，無不為那激動人心的畫面效果而感應，心靈為之震顫,激情也噴薄而出，共同融入到梵高豐富的主觀感情中去。

安特衛普的後院

有關梵高安特衛普的生活可以從他給提奧的信中得知一二：「我已經在安特衛普。我租了一個每月25法郎的小房間，在伊馬日路194號，一家顏料店的樓上。 我喜歡安特衛普，我在這個城市的四面八方都轉了一下，到船塢與碼頭上去過幾回。對於一個從沙地與荒原及靜靜的農村中來的、長時間以來除了寧靜的環境以外什麼也沒有的人來說，對比是格外強烈的。我希望有一天我們能一起在這裡散步，看看我們的觀點是不是一致的。這是一個深奧莫測的迷宮，它們在每一時刻都呈現出有趣的對比。城市的景色比荊棘的籬笆更加使人眼花繚亂,色彩與線條的漩渦強迫我的眼睛先看這邊,再看那邊,不可能把樣樣東西分辨清楚,於是我就站在一個地方,在那裡欣賞最美的靜止線條。對一個畫家來說,安特衛普是一個最能夠引起好奇心的好地方。今天早晨我在傾盆大雨中出去了一趟，到海關去取我的東西。我的畫室不壞，尤其是由於我在牆上釘上了一批小幅的日本版畫，這些畫是我十分喜愛的……我在這些日子裡未必會過奢侈的生活，但是現在我感到穩當了，因為我有了一間簡陋的房子，天氣不好的時候，我可以坐在這裡畫畫……。

作畫時梵高像閃爍著熊熊的火焰，滿懷熾熱的、運動感的和彷彿旋轉不停的筆觸是那樣粗厚有力，色彩的對比也是單純強烈的。然而，在這種單純和粗厚中卻又充滿了靈氣和智慧。觀者在觀看此畫時，無不為那激動人心的畫面效果而感應，心靈為之震顫,激情也噴薄而出，共同融入到梵高豐富的主觀感情中去。

麥田群鴉

通常的解釋是，這幅畫是以黑暗，嚴酷的天空顯示了梵高的精神狀態的困擾，與徘徊不決的通往不同方向的三種途徑，與黑色烏鴉架空的預示死亡跡象。 畫家寫道，他曾在三幅畫里畫過瓦茲河畔奧維爾大片的麥田與多事之秋的天空。 很常見的錯誤認為，這是梵高的最後一幅畫，甚至說，他在繪製該畫時飲彈自殺。其原因是在《情慾終身》這部影片中是這麼描寫的。不過，目前還沒有證據可以支持這個觀點，胡爾斯克博士的梵高年表中，有七幅畫晚於該畫。當然，梵高的確是自殺，是在畫這幅畫的同一個月里。人們普遍認為，他1890年7月27日的晚上去田野散步，用左輪手槍朝自己開槍後回家。他躺在床上兩天後死去，當時他的弟弟提奧在他的身邊。

這幅畫運用了大量的短線條，並主要用了藍、黃、紅、綠四種顏色來描繪景物。用深藍色和黑色來表現天空，與一群從遠處飛來的烏鴉相襯，給人壓抑的感覺，並有不祥之兆。天空下麥田的黃色與藍色形成對比，田間的小路也以紅色與綠色形成對比，有強烈的矛盾衝突的感覺。大量短線條表現出了躁亂激烈的內心。作者在這幅作品中傾注了大量感情，在相當程度上表現出了自己掙扎的內心世界。

這幅畫充滿著恐怖、不祥的感覺, 梵高似乎已經超越了靈魂上的生死境界, 置身於異世界的試煉, 並試圖將此世界置於筆下。其信寫道:"我的生活, 從根基上被破壞, 我的腳只能顛跛著走。"這正說明當時他畫下這幅悲慘的畫的心境。"我擔心, 我是否變成你們沉重負擔……那時候——回到這裡再開始工作——畫筆幾乎從手中滑落下來……可是, 從那時起我畫了三張大的作品。"畫上的線條很生硬, 失去了秩序, 不但天地鳴動, 所有凄切、悲哀、絕望, 都似乎從地平線的那一端習撲過來……。

在瓦茲河上奧維爾周圍的鄉下,農田一望無邊,起伏不平,每逢收穫時節,便誘來大群烏鴉。這片農田迷住了梵高,他的精神狀況儘管日益惡化,可是他仍然奮不顧身地工作,描繪寬曠的田野景色。

他已不再是那個勤奮的藝術家,精心描摹草堆、茅草屋、樹木,精心刻畫前景至地平線的每個細節。在梵高的作品中造型已十分簡化,畫面上只流動著色彩和韻律。

似乎是要突出表現奧維爾得天獨厚的富饒的自然條件,這些橫長形畫面上的構圖一般都是側邊敞開並且延伸的餘地。除了多比尼家花園那個隱蔽處,其他作品的的場景基本上都沒有圍欄之類的東西。田野是自然的存在——它們不屬於任何人,大地看起來廣袤無垠。

本幅畫的構圖由三條岔路展開寬廣的麥田。畫中幾乎沒有中心視點,而分散的烏鴉,使畫面更顯遼闊。梵高使用三原色和綠色來呈現單純而簡明的意象。他試圖表達所謂的"悲傷與極度的寂寞",所以這幅畫被視為梵高自殺的預告

梵高在繪製風格奔放的作品時,不再使用畫筆設色,而是用刮刀上色,從而使形象更加粗獷,奔放不馴。這裡,他的刮刀橫掃畫布,繪出烏雲翻卷的天空和一任狂風撼動的麥田,看上去就像一塊發紅的瘡疤,急促而蒼勁的黑色線條,畫出在波浪起伏的麥田上低掠而過的烏鴉。

這幅作品充滿了劇烈的運動。麥田裡空曠無物,三條小路穿越在顛簸中的麥田,最後沒入地平線,消失畫外。天空中,兩片烏雲翻卷涌動,似乎在暴風雨的到來。一群烏鴉低掠著斜飛過畫面,倉皇逃離這騷動不安的土地。空無一人的田野騷動不安,天地之間,如同旋風驟起,波浪洶湧。畫面上沒有一絲安寧,確切地表露了他的精神狀態。梵高完成這幅作品後,感到的只是疲倦和極度空虛。絕望吞噬了他。數星期後,他走進他描繪的這片麥田,開槍打傷了自己,雖然沒有立即死去,但他受了致使重創。他掙扎著回到住所,兩天後,告別了人世"不安的天空下面大片延伸的麥田,我不需要故意表達器量與極端孤獨的心情。我希望你能馬上看到這些畫——我認為這些畫會把我無法用語言表達的話告訴你,把我在鄉下見到的生機勃勃的景象告訴你。

"在觀者面前是一片不平靜的景象,無垠的地平線使人疑惑,面前三條路的任何一條都無法到達地平線,三條路隱沒在畫中或通向畫外。梵高的無常在此體現為運動的無常和方向的無常"。

《麥田群鴉》是梵高臨死前的幾幅作品之一，描繪的是法國瓦茲河上奧維爾鎮周圍鄉下麥田的情景。在這幅畫上仍然有著人們熟悉的他那特有的金黃色，但它卻充滿不安和陰鬱感，烏雲密布的沉沉藍天，死死壓住金黃色的麥田，沉重得叫人透不過氣來，空氣似乎也凝固了，一群凌亂低飛的烏鴉、波動起伏的地平線和狂暴跳動的激蕩筆觸更增加了壓迫感、反抗感和不安感。畫面極度騷動，綠色的小路在黃色麥田中深入遠方，這更增添了不安和激奮情緒。也許這幅畫是作者在極力表達內心的孤獨與壓抑，就如畫面上的麥田別烏鴉壓住的感覺，金黃色的麥田表現出勃勃的生機，亦如作者內心生的慾望。看到這幅畫給人以震撼的感受，它在表達著一種思想，也在宣洩著這種悲劇的情感。

如果冷靜觀看梵高的繪畫，我們會發現，或許我們過分誇張了梵高激情的一面。我們承認梵高非常富於激情，但是還應該看到，這位天才同樣有著非常理性的一面。儘管或者說這種理性極其短暫而且不那麼穩定。

這幅繪畫是梵高於1890年畫的。這幅繪畫有著梵高一貫的特色，強烈的色彩對比，線條造型的手法等。但是，這位天才在色彩上的處理極為理性：畫面中心處是黃色的麥田與紅色的土地的對比，而綠色的加入增強了這種對比從而構成畫面的中心；對於天空的處理也是非常講究，近乎黑色的天空暗示了近處，加了白色的湖藍色則表達了遠處的天空，如我們注意一下其色彩變化以及天空和地平線的邊緣線的交代的話，我們會發現畫家是很用心的；再讓我們關注一下天空上兩塊白雲的處理，看似隨意的兩塊白色，其大小不一，明度不一，其原因明顯是因為一塊處於近處和畫面中心，另一塊則是遠處之故；同時，添加這兩塊白色，不僅使畫面平增了許多生動，也減弱了由於過分利用對比色帶來的衝突，使畫面趨向和諧；另外，畫面中烏鴉的處理，群鴉連結了上下畫面，如我們了解一點構成原理的話，我們知道在兩塊顏色中加入相同色彩是取得和諧的一種方式。

接下來讓我們分析一下梵高對後世影響深遠的筆觸。描繪天空的筆觸是從左上向右下，而土地上的筆觸則是從左下向右上，二者從橫向看都是從左向右，這保證了畫面的統一，而從上下看則是相反，這是為了形成畫面的中心；而在前景中，左下的綠色植物是從左上向右下行與天空筆觸方向一致的，而當其走到底部時，其筆觸轉而向上，看到這裡我們會明白，左邊的筆觸與下部土地總的方向的不一致，實質是為了在形狀上與中心形成對比，可謂煞費苦心。或許有人會說，梵高在此畫中對中部土地的筆觸十分不講究，因為中間的筆觸細小且瑣碎，而前景筆觸卻長而整體。實際上，我們只要細想一下，就會發現這是畫家刻意為之。因為這幅繪畫的中心就在畫布中心，梵高本來的意圖就是讓我們注意遠處，所以，他利用中間細小的筆觸再一次強調了畫面中心；如我們注意一下畫面中烏鴉飛行的方向與畫面中心的小路消失的方向，就會更加明白，藝術家在畫這張畫時是在一種理性的控制下完成的。

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