宋之清韻
唐代的藝術風格是絢爛多彩的，而到宋代則轉為清新淡雅，正如蘇軾所說「絢爛之極歸於平淡」。但這種「淡」絕不是真的平淡，而是於清淡中流露出無限的韻味。這在各個藝術領域中均有表現。
徐復觀先生認為繪畫作品最能表現中國藝術精神，那麼我們就從宋代的繪畫談起。唐代繪畫的經典之作是色彩艷麗的仕女畫，如張萱的《虢國夫人游春圖》、周昉的《簪花仕女圖》等。就算是山水畫，色彩也比較濃烈，如李昭道《明皇幸蜀圖》就是一幅金碧青綠山水。而到了晚唐宋初，水墨的出現使得色彩的運用產生了變化，由多彩轉向清淡，這可算是中國繪畫史上具有重要意義的變革，它象徵著中國的繪畫藝術由絢爛逐漸靜定為澄明。然而，比之於「五色」來說，墨的表現力是否過於單一呢？事實並非如此。張致遠在解釋水墨畫的意蘊是說：「玄化無言，神工獨運。草木敷榮，不待丹綠之彩；雲雪飄揚，不待鉛粉而白；山不待空清而翠，鳳不待五色而綷。是故運墨而五色具，謂之得意。」可見，只要運用得到，墨這一種色彩就可以表現出草木的枯榮、雲雪的飄揚，甚至是山谷的青翠、彩鳳的絢麗。這清初地表明水墨的方式是捨去現象而直抵本體，也就是所說的「得意」。在達到本質的基礎上，墨自然會顯現出它的絢麗多彩來。水墨畫在北宋時趨於成熟，像米芾、米友仁最擅長的雲山圖就已經把雲的交融、霧的瀰漫很好地表現出來，以致於我們總覺得米家父子的畫好像總有點濕漉漉的，給人「巫山雲雨」的感覺。南宋梁楷的《潑墨仙人圖》、《太白行吟圖》則用酣暢的潑墨畫法，使得人物神韻迥出。而僧人若芬、法常的《山市晴巒》、《漁村夕照》更是把水墨交融的暈染效果發揮到極致。也許，只有水墨才能表現出佛家「空即是色，色即是空」的境界。由五色到無色，宋代的繪畫可謂是深得淡雅之韻味。但我們卻從墨中看到了豐富的色彩，看到無限的生機與可能。
宋代的詩歌同樣如此，崇尚清淡、空明之境。在我的印象中最典型的要數張孝祥《念奴嬌·過洞庭》：「洞庭青草，近中秋，更無一點風色。玉界瓊田三萬頃，著我扁舟一葉。素月分輝，銀河共影，表裡俱澄澈。怡然心會，妙處難與君說。
應憐嶺表經年，孤光自照，肝膽皆冰雪。短髮蕭騷襟袖冷，穩泛蒼溟空闊。盡挹西江，細斟北斗，萬象為賓客。扣舷獨嘯，不知今夕何夕。」在這首詞中，水泛清光、月灑清輝，而人呢，「肝膽皆冰雪」，也是一樣的清澈。真可謂水清、月清、人亦清，用詞中的一句話來概括正是「表裡俱澄澈」！其他的詩人也有如此的審美傾向，如蘇軾「暮雲收盡溢清寒，銀漢無聲轉玉盤」、蘇舜欽「別院深深夏簟清，石榴開遍透簾明」、魏了翁「起傍梅花讀《周易》，一窗明月四檐聲」、陳與義「杏花疏影里，吹笛到天明」。他們所追求的都是清瑩透明之境。
還有一種藝術品最能代表宋代清淡雅瑩的審美取向，那便是――宋瓷。唐三彩無論在造型上還是色彩上都是濃鬱熱烈的，而宋瓷卻散發出沉靜淡雅的韻味。它們的色澤溫潤如玉、造型簡潔優美、線條婀娜流暢，真的讓人一見傾心，而且越品越有味道。宋代的五大名窯分別是定窯、汝窯、哥窯、鈞窯和官窯，它們的作品各有特點：定窯白瓷宛若冰雪，「綽約如仙子」；汝窯的青瓷則呈現出夢幻般地雨過天晴般的顏色；哥窯的瓷器利用天然的皸裂而呈現出一種巧奪天工的效果，被譽為「鐵線金絲」；鈞窯作品則以天青、月白色取勝，宛如寒夜中明月溢出的清輝。可以說，無論從造型上還是從色彩上，宋瓷都已經簡化到最單純的形式，因而它的美是含蓄的、內斂的。然而，這種內斂的美卻有著持久的魅力和無限的韻味。它象徵著宋人靈魂的輕柔細膩和飄逸靈動。
總之，在宋代，繪畫以清淡水墨為妙境，詩詞以明月清風為佳賞，瓷器以清澄雅潔為上品，它們共同傳達著宋之清韻。清，乃是中國審美文化的魂靈。
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