西方音樂的本質是什麼？為什麼西方音樂會在西方藝術中快速崛起？

我們在之前的文章中，已經為大家介紹過，音樂是訓練人類感知「重疊結構世界」非常重要的手段，所以，中華文明在黃帝時代就發明了「音樂」，「音樂」與「禮制」搭配成為了在日常生活、工作中訓練「心智系統轉換」的標配。而西方文明也在畢達哥拉斯時代發明了「音樂」。

人類天生就有通過顯性世界中的「聲」，去感知在隱性世界中的「音」的能力，這種能力在現代專業音樂訓練中，被稱為「內在聽覺」。

「內在聽覺」其實就是「最裡面一層意識層面」的感知能力，是一種「內在感知」。

「內在聽覺」人人都有，但是，「內在聽覺」強的人卻少之又少，「內在聽覺」強的人經過專業訓練，基本上都能成為音樂家。

那麼，如何讓「內在聽覺」不強，甚至感受不到「內在聽覺」的人，也能從音樂中強化「內在聽覺」？

這就是「西方音樂」在文藝復興時期快速崛起的內在動力！

「西方音樂」發展出了一整套用於組織抽象「聲響」的方法，這樣就能讓「內在聽覺」一般的人，也能從「抽象」的聲響中，感受到經過組織過以後的「具象」內涵。

在這裡，我們先要理清一下，西方音樂的「音」與中華文化中的「音」的關係，這二者並不是同一回事，只是，在翻譯的過程中，用了同一個字：音。

中華文化的「音」，是指與「聲」重疊存在的，存在於隱性世界的部分。

西方音樂的「音」，在畢達哥拉斯時代，是指對「聲」進行深入認識以後，對「聲」的構成，用「數」進行了精確的區分與界定。

也就是說，進行精確區分、界定以後的「聲」，就是西方音樂的「音」。「十二平均律」就是這種「精確區分以後的聲」的產物。

在對「聲」進行精確區分以後，就有了「聲」的基本元素，再用「聲」的基本元素進行相應的組織，這樣形成的一連串的「聲」，就是「單調」音樂。中國民族音樂都是「單調」的音樂。

如果，把這種「單調」音樂看成是一種「橫向」的結構，那麼，在其中一些「聲」元素的「縱向」上，增加一些新的「聲」進行「裝飾」，那麼，這些「裝飾」的「聲」元素，就形成了「和聲」。

而這些新增加的「和聲」之間，在「橫向」關係上，也形成了一種新的「單調」，這樣就與原有的「單調」，形成了「復調」。西方音樂基本上都是「復調」的音樂。

「復調音樂」對於普通聽眾來說，最大的好處就在於：必須讓人「聽進去」，才能感受到其中非常具象的、類似「建築」一樣的「聲響結構」，而且，通過這種「聲響結構」能夠感受作曲家在樂曲中所要表達的更為深層次的內涵。

這，就是通過「抽象」感受「具象」的訓練。

所以，西方音樂的「音」，本質上是「聲」，與中華文化中的「音」，特別是與源頭甲骨文中的「音」完全不是同一個概念。但是，在西方音樂的「聲」之後，也存在非常豐富的，中華傳統文化概念的「音」。因為「音」與「聲」是同時重疊存在的，有「聲」就有「音」。

不少西方大作曲家，都是在感受「音」的基礎上創作的「樂曲」，也就是說大作曲家在創作樂曲的時候，並不需要「聲」，比如，貝多芬、斯美塔那都是失聰者，聽不見聲響的。

貝多芬在失聰前寫的是《致愛麗絲》這類輕鬆的作品，而失聰後，卻創作了他所有的偉大作品，我們熟悉的《命運》就是貝多芬失聰後的作品。

這裡還要介紹一下，演奏家在演奏中的作用。

不了解演奏的人一般都會把「樂譜」理解成「程序」，就以為只要按照「樂譜」彈奏，就和「程序」輸入一樣，最終從樂器中輸出的結果都一樣，演奏家在過程中，只是一個熟練、確輸入樂譜的作用。

所以，就有人認為，可以用電腦的輸入替代演奏家的演奏，因為電腦的輸入是不會出錯的。

這是一個嚴重的誤解！

真正演奏家都是「內在聽覺」非常強的人，TA們能夠感受到音樂作品在「聲響結構」背後的「音」，這些「音」在TA們的感受中，是有畫面感、色彩感、溫度感、空間感的，甚至有些演奏家能感受到作品內在的「生命感」。

演奏家除了對樂譜直接感知，還包含了對作曲家在作品創作時內在思想的感知，因為樂譜上的樂曲並不等於作曲家創作的全部內容，到目前為止，人類還沒有發明一種可以呈現作曲家意識中樂曲全部內容的表現方式，從樂譜上呈現出來的，只是一部分，那麼，作品的完整部分，就需要演奏家去感知、理解……

所以，一個演奏家真正的價值就在於，把TA從「內在聽覺」中感受到的這些內涵，用演奏轉達出來 。

因此，對於真正「懂音」的欣賞者來說，同一首樂曲，在不同演奏家的演奏中，都不一樣，而且，同一個演奏家在不同時期，演奏出來也是不一樣的。這就是西方音樂最為有趣、精妙的地方，也是最能訓練欣賞者「內在聽覺」的地方。

對於一個戰略、創新思維者來說，音樂欣賞是一項非常重要的訓練。

喜歡這篇文章嗎？立刻分享出去讓更多人知道吧！