希區柯克：凡是演員都是「牲畜」

娛樂 03-14

希區柯克：凡是演員都是「牲畜」

作者| zhouzhou

公號| 看電影看到死

「凡是演員都是牲畜」。我回憶不起來我是在什麼場合下這樣說的，那或許是在英國有聲電影開始的時候，那裡我與兼職話劇的演員一起拍戲。——希區柯克

這是大導演希區柯克接受採訪時說的，說完後很多電影明星抵制他，後來幾次談話，他不得不變得委婉點，大意是演員是道具，是色塊。我們聽了他的言論，先不忙著下結論，我們先來好好研究下他。

希區柯克：凡是演員都是「牲畜」

希區柯克倒算不上電影大師，而是他的片子有很多人喜歡。為什麼？聽其言觀其行，會有很大的收益。從他在別處經常談到庫里肖夫效應和蒙太奇，這就明確了。電影里不存在演員，演員只是跟演出有關係。電影不是演出，它是製作。導演可以隨時叫CUT！可以拍一百個備用鏡頭。而舞台上的演出過程導演控制不了。因為那是在觀眾面前的演出。

電影製作者中只有希區柯克一個人說了句真心話，所以我特別把他提出來。

希區柯克：凡是演員都是「牲畜」

希區柯克，世人眼中的懸念大師

電影需要表演嗎？不需要。電影里那個人物跟觀眾一點距離都沒有，要表演幹什麼？攝影師擺機位，跟那位主角商量過沒有？用什麼焦距通知過他沒有。打光，跟他商量過沒有，錄音的吊麥克風位置角度跟那位主角商量過沒有，調音師跟他商量過他的音色問題沒有，那些可都涉及到他的臉面形象和聲音形像。剪接師把他的「表演」一刀就剪掉一半，甚至剪沒了，跟他商量過沒有。哪個主創人員不把他當牲口，或者換個說法，活道具。全世界拍電影都是這樣做的。

有的導演一方面強調有表演，可是他自己的影片出現了漏洞剪不起來的時候，十萬火急的時候，他就忘了他所強調的表演，叫剪輯師去借鏡頭了。這是經常發生的事。也許一般觀眾不知道。可是圈內人都知道。我們考慮的是鏡頭與鏡頭間的關係，也就是庫里肖夫效應。你可以慷慨激昂地高喊打倒老蔣，我可以在你的鏡頭後面接上老蔣在專註地聽你講。我們從希區的話里找出他處理演員的竅門。

希區柯克：凡是演員都是「牲畜」

希區柯克作品《驚魂記》

作為主角如何紀錄你對角色的闡釋，那幾位主創人員都不理睬你，他們也不互相商量，各有各自的想法。演員在舞台上如何面對那第四面牆，是由他自己決定的。導演哪怕非常不同意他的闡釋，也只能事後解僱，卻沒有辦法當時叫停。因為存在觀眾要退票的問題。那是演出，不是製作。可是在攝影機前，高一點，近一點，方向變一點，都會完全不一樣，可是方案只有一個。

你只管「表演」，那攝影師機位擺低一些，突出了你的下巴，把你拍成一個胖子。注意看下面，當主創們看工作樣片的時候。攝影師一看，正對他的心意，錄音師覺得有一點不合適，沒有太大關係，算了，就這樣了，那美工師覺得髮型很好，衣服顏色偏了一點。需要重拍，導演認為可以了，有幾個人會徵求那個演員的意見，符合你的闡釋嗎？你覺得某個鏡頭短了，戲沒出來，剪輯師不同意，你堅決要求改，剪輯師只好同意，第二天他給你看，行不行，你覺得可以了，其實他根本就沒動。

我不是電影家協會的會員，但我是剪輯學會的理事，是電影音樂學會的理事。我能得到幕後的情況。尤其在節奏的處理上，美工跟導演說，攝影師為什麼不把人物擺在左邊的背景上。那個環境跟衣服的色塊非常協調，然後綠色塊才進來，形成一個強烈的節奏。作曲家說，我這裡的音樂不需要他的腳步聲。搗亂。楊耀祖是剪輯師，你問問他看，出現過這種情況嗎？作曲家和剪輯師爭得面紅耳赤，沒有人提過那個演員。

希區柯克：凡是演員都是「牲畜」

西班牙著名導演卡洛斯·紹拉

我給學生分析卡洛斯·紹拉的《卡門》：注意遠景，頂光，擊掌。現在鏡頭換了方向，更近了，攝影機開始動，推，然後慢慢地橫移，色彩的變化，對角線，人聲，攝影機加快，黑色塊動，景別變大了，黑色塊回到座位上，現在紅黑色塊在動，注意，卡門穿的是紅衣服，可是披著一條大黑披臂，黑的也動了，兩個不同顏色的色塊在動，景別變得更大，後面一個紅色動了，左邊的粉色也動了，前景藍，再加一個綠，一個紅，一個灰，現在所有的顏色全都分成兩組在對峙。

可是有些人在看這一段的時候是這樣看的：卡門在遠處坐下，燈光打在她身上，大家擊掌，唱。攝影機推向伴唱隊。回過頭來攝影機加快速度，女工頭站起來，走向卡門，挑釁。回來坐下，卡門站起，直接走向工頭，威脅她，要動刀。其他女工一個個參加進來。看這個的是看情節看故事，看人物的動作，而對聲音敏感的比如搞音樂的看到的是這裡面的配樂和音響，音效，搞設計的盯著色塊，顏色在看，做攝影的盯著卡門，工頭臉上的光在看，還有化妝呢，他們在看髮型，妝容和服裝。每個人都可以考慮考慮，你自己是怎麼看的。

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電影《雁南飛》海報

我最近在考慮，電影里的情境設置比斯坦尼表演體系的情緒記憶還要更有效。要演那角色的父親去世了，可是那演員的父親沒有死，怎麼辦。想想看有什麼別的事曾經讓你很悲傷的。可是情境設置是導演給你創造一種條件，比如說，送行的人很多，導演把你擺在外面，叫你往裡擠，你未婚夫的那個參軍隊伍已經出發了。導演同時給那些群眾演員布置好任務，不要讓她擠進來。她要見她的未婚夫最後一面的願望始終沒有實現，未婚夫沒有回來。這個例子參看《雁南飛》，這個片子在蘇聯女主角獲了大獎，而採訪她的同學說，她啊完全不會表演。這裡我們就可以看出導演的功力，通過情景設置來幫助主角「演戲」。

導演肚子里裝滿了各種情境。好萊塢還有一個笑話，叫那人物敲門。門一打開，他看見一個暴露了一大半的胸脯。導演就要那個表情。這個表情他用在故事裡面人物驚訝，害怕或者慌張都可以，就看他前後接什麼鏡頭。

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《精神病患者》中著名的浴室謀殺場景

在《精神病患者》中浴室謀殺的一場戲，演殺人犯的演員不在場，他在紐約。那把刀始終沒有觸到那女人，那女人也是替身，因為女演員不肯脫衣服，那最初的喊聲是一把小提琴發出的高音區的尖銳的失真的聲音，被殺死後的女屍是一張照片，一格格放大，據說全片最貴的就是這個逐漸變遠的幾千張照片。希區利用白牆遮擋換了位置，看第二遍就能發現攝影機運動不合理。

可是它在九十年代北京卧佛寺的一個晚上（禁園後，香山和卧佛寺是一片漆黑，只有來聽課的住的那個小院亮著幾盞燈），把前來聽課的三十多名搞電影的人都嚇得一片亂喊。這是坐第一排的某位女士首先喊出來，馬上引起一片亂喊亂叫，比銀幕上的影像還要更恐怖。我在場，我坐在最後。事後大家都覺得非常可笑。可是都喊了，就是最後一排的幾個人沒有喊。可惜那時老希已經去世。要不然告訴他，他要樂死了。

希區柯克：凡是演員都是「牲畜」

有些研究員，尤其是搞符號學的，到他的作品裡去找哲理。我不，因為希自己說的，不要找，那裡沒有。我只是要嚇唬觀眾，因為觀眾喜歡我嚇唬他們。我只研究他怎麼嚇人。樓梯上殺死那偵探的戲是失敗的。感興趣的朋友這兩段可以單獨找出來好好研究。

我對表演的看法是：演員表演屬於舞台戲劇，不屬於電影。如果用音樂會類比的話，演出就是舞台表演，而電影就好像是把交響樂拆成一個一個不同樂器，甚至一個一個音符，這不需要演技，需要的是對聲音形象的朔造。電影的表演者，是導演、攝影、剪輯、美術、錄音等部門。電影的本質是紀錄。演員只是完成規定動作的被攝體，像一個色塊，活的道具，他是電影製作裡面的素材。演員不需要表演，符合日常行為就逼真，甚至有時演員的肢體語言和面部表情還要比平時日常的行為還要更「淡」。因為角色形象是由視聽語言傳達給觀眾，在觀眾心理完成的。（演員的角色朔造是觀眾想像的，這就是電影的幻覺本質）同樣的情緒，在全景中可以用日常的動作幅度，在特寫鏡頭中則需要淡化。

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