好的唱片設計，是讓音樂回歸音樂本身

創意 04-21

好的唱片設計，是讓音樂回歸音樂本身

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由於犯懶、拖延等種種借口，我們和唱片設計師、日系美男子Annsey Zhao的採訪從2016年的寒冬拖到了這個暖春才完成。

Annsey不是一個健談的人，所以這場「嚴肅認真，曠日持久」的採訪，也有他的一部分責任。他往往越說越小聲，到後來恨不得把耳朵貼到周圍綿密的嘈雜里，才能尋找到他的聲音。然而這並不影響我們最終聊了聊與他有關的一切：他最愛的唱片裝幀設計，吐槽（是的，他的愛好之一），以及，分享了幾位他崇拜的，卻都有點兒像自己那般「喪」的老男人。

好的唱片設計，是讓音樂回歸音樂本身

Annsey 檔案

星座：天蠍座

昵稱：小安

平均每天的聽歌時長：8小時

偏愛的音樂風格：後搖古典冷爵士

最常用的emoji：

最愛吐槽的事：

我是吐槽王，跟熟人會一直叨逼叨

推薦一款音響：

Beoplay的A1藍牙音響小巧又好用

好的唱片設計，是讓音樂回歸音樂本身

阿肆／《若你愛上油麻地》封面。「嘗試過幾個方案都不滿意，最後選了數學元素和香港油麻地的經緯度來表現。」

仔細想想，我們有多久沒買過一張實體CD了？如今，當我們跟人提到唱片封面，好像正在聊一張張躺在手機App里那個指甲蓋大小的縮略圖。

但是坐在我對面的Annsey，卻正是那個為實體唱片設計封面的人。面對著眼前的似乎可以稱之為夕陽產業的工作，卻恆定把目標鎖定在唱片封面上的這位設計師，似乎有種鑽牛角尖的小眾。「買CD變成一種儀式感，或者一種收藏，作為音樂的延伸物，也沒什麼不好。」在他看來，一張唱片的封面不應該是一張閱後即忘的圖片，它還是一種時代的映射，連接著未知的音樂與歌迷間的暗號，當然，也還會影響著唱片銷量的好與壞。

所以，對他而言，討論為唱片設計封面的意義並沒有什麼意義，憑著一種純粹的感受和興趣，他想將唱片一張張做下去。不去管那個明星是大牌還是小眾，也不去管賺錢還是不賺錢。

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阿肆／《我愚蠢的理想主義》。整個唱片的外殼是粉粉的顏色，打開後，卻別有洞天。首先，你先會看到一個多邊形的鏡面，可以照見自己的臉。再往裡翻，10張歌詞卡被設計成三角形、不規則多邊形再到圓形，顏色也是從粉色逐漸過度到凝重的深紅。內頁也是血紅色，而盤面，則直接是一袋盛滿獻血的血袋。看上去，理想主義遭遇過的現實，並不如想像中那麼美好。整個專輯貫穿了反諷意味。與專輯配套，設計師還定做了阿肆真人比例的3D列印玩偶，與專輯一同發售。

音樂是情緒的流動

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這些年，Annsey做過的唱片封面。

都說天蠍座是面冷心熱，這麼看Annsey再典型不過。看上去安靜，文弱，工作上卻是掌控話語權的控制狂。這些年，儘管做了很多好的商業設計，也在大型的商業品牌中遊刃有餘，卻固執地將唱片設計當作自己的「正職」，從未間斷。這些年他合作過的藝人既有李宇春、陳奐仁、羽泉、大張偉等大牌歌手，也有阿肆、旅行團、熱斑這樣的獨立音樂人。相比起是否知名，他覺得對方是否能給到自己發揮的自由，更加重要。

AM：你覺得設計師的能力和顏值有關係嗎？基於此，你屬於哪個水準？

ANNSEY：能力和顏值沒關係。我……算中等偏上水平吧

AM：聊聊你成為平面設計師之路吧？

ANNSEY：剛畢業我去了一家視覺設計工作室，接觸唱片設計、青年文化雜誌和一些落地的設計活動。之後跟節目組做大型舞台視覺美術和MV拍攝，整個工作狀態完全不適合我。像生產快餐一樣，一個禮拜要出大量設計稿，特別浮躁和表面的東西，專業層面也達不到自己的標準，感覺每一秒都在消耗過往的經驗和精力。

2012年底吧，我決定還是回歸自己感有興趣的平面設計。在《新視線》那三年是最舒服的一段工作經歷，設計語言、印刷材質和時間節奏上終於能自己掌控。而且不止是價值觀的認同感，大腦每天都能感受到新鮮的刺激。

AM：每天要聽歌8小時，音樂對你來說意味著什麼？

ANNSEY：音樂對我來說，是和吃飯睡覺一樣重要的必需品，音樂是情緒的流動，不同的時間地點應當聽恰如其分的音樂。

AM：數字音樂時代，專輯封面只是APP里的一張縮略圖，給唱片做設計還重要嗎？

ANNSEY：實體專輯的設計更像是策劃一個視覺項目或微縮品牌。好的設計，會讓人有拿到手上觸摸、欣賞的慾望。專輯的包裝設計仍然是音樂的一部分，印刷品是有層次感的，音樂理念也可以通過材質包裝、視覺設計的層次遞進來強化音樂內容和品質，延伸視覺想像。所以我一直都覺得，挺重要的。

AM：作為設計師，你受益最多的一個技能是什麼？

ANNSEY：專業層面是基礎自然不用多說，除此之外就是溝通能力和搞定事情的能力。工作方面越來越清楚自己想要做什麼，學會說不，拒絕不合適的項目。

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李霄雲／《正常人》。「分別做了黑膠版和CD版。唱片設計概念是大家吃飯喝酒時碰出來的。視覺上貫徹霄雲熱愛的藍色，選了一個極致的克萊因藍。從『正常人』這個名字出發，在攝影的時候就尋找一些非正常的，怪誕和神經質的東西找反差感，封面設計也刻意把這三個字倒放。CD版有很多細節上的設計無法描述，但是我覺得挺特別。比如材質和特殊翻頁、撕開的封面、隱藏的歌詞等等。由這張開始，感覺到自己可以相對成熟地使用自己的設計語言了。」

唱歌唱得好，審美不一定好

就像施德明曾盛讚David Byrne有極高藝術審美時，順口吐槽某些大牌歌手，「像Byrne這麼牛逼的音樂人，一般都把少年時光花在地下室排練上，這有時會導致他們缺乏視覺藝術方面的審美」。

Annsey吐槽深感如是。他覺得這種現象在國內音樂人身上更嚴重。很多人音樂做得很棒，但在藝術審美上差勁極了，如果還要全盤把控唱片設計，結果只會一團糟。所以對他來說，一個好的項目就是「把音樂還給音樂本身」，設計師能掌握視覺表現的話語權，省略設計的形式感，用不多餘的視覺設計語言把音樂表現出來。

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熱斑／《無感人》。「這張CD，我把封面變成了貼紙貼在外殼上，CD盒中間夾了一張染成純紅色的PVC，下面疊了一張海報，可以折出9種不同圖案的底面，盤面也做了特殊紋理的設計。」

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AM：對比國外的唱片設計，國內設計狀況怎樣？

ANNSEY：唱片設計是以圖像表意的東西，不是單純的平面設計，有時候抓住關鍵的內核，差不多就成功了。大多數人對書籍或唱片的封面設計，更多的是靠直觀去感知，並不會從平面設計的層面來評判它。但是我也想說，平面設計也是需要嚴謹和規範的，也會取決於基本功和經驗的訓練，對基礎不紮實的人，他的感覺往往也會不到位，或者「辭不達意」。

在亞洲範圍內，韓國主流唱片的設計呢，是全盤歐美化的。日本就更成熟和多元了，吸收了很多歐美的養分，但是轉化成了本土化的視覺效果。總而言之，日韓都是基於標準水平線之上，再去談創意和視覺的。國內唱片設計沒有規範的行業體系，有些連流水線的設計水準也達不到，好多設計師都是「野路子」的。

還有一種現象，流行偶像會熱衷於用大頭照當封面，但是拍攝創意往往又跟不上，所以我現在挺喜歡幫獨立音樂人做設計。其實我認為，創意和設計本身就不是民主的，我很希望能夠全盤掌握設計的話語權。

AM：將音樂轉化為視覺，過程中最困難的部分是？

ANNSEY：最難的是一張空白紙，要怎麼一點點填上它，是填滿還是留白。不同的音樂類型轉化為視覺表現的方式也不太一樣。流行一點的話，最重要的是策劃概念要清晰，好的策劃團隊加上好的服裝造型、好的攝影、好的視覺設計，最終才能結合得好。獨立一點或者世界音樂的類型，則更需要多從音樂本身來找畫面感。

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旅行團／《10 Day』s》。「這是一張有紀念意義的樂隊10周年專輯，我跟主唱孔陽也認識一陣子了，很喜歡他們音樂里的樂活態度。這張唱片主要功能是讓排練室立體化，以及看上去像一本護照本。護照里有樂隊這些年的創作手稿、照片和大事記，也給歌迷留了一部分互動空間。從挑選材質到盯印刷孔陽全程跟我一起參與，有種朋友們一起完成一件事情的成就感。」

AM：看你朋友圈幾乎每天都有更新，你是嚴重的「低頭族」嗎？

ANNSEY：是的，已經養成了低頭看手機惡習。朋友圈就是分享我個人喜好和日常叨叨的地方，在社交平台碎片化的分享和記錄，可以保持自我認知清醒。我也有很多朋友基本不玩微信和微博，也許到了一定狀態也沒什麼好分享了。不過對我來講，吸收是必須的，很多很好的公眾平台和文章還是值得看看，比如AM CREATIVE。（此處有打廣告嫌疑）

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海龜先生／《Where Are You Going》。「這張唱片中，設計力求和音樂傳達保持同步，它們圍繞著同樣的創意概念：永遠飛不出黑色幕布的鴿子，不知道接下來究竟要去向哪裡。偶然的機會，這張被提名了第15屆華語音樂傳媒獎的最佳唱片設計。」

我的偶像們，都有點兒「喪」

Annsey 關注的領域很廣，無論是音樂、服裝，還是各種設計延伸的領域，也是一個十足的生活美學家。你總能從他的朋友圈，捕獲很多有趣的靈感，有品的推薦。我們請他分享了一些私人的喜好，感性的想法，以及他的偶像。

AM：你的偶像有哪些？任何領域的。

ANNSEY：我受日本文化影響很多，最愛的日本大師幾乎都存在於相同的戰後環境，他們中有音樂家、服裝設計師、攝影師、漫畫家和作家，這一代日本人背負的東西相對沉重與剋制，呈現出的作品整體感覺比較「喪」吧。我自己也不是那麼開朗樂觀的人，所以更容易接受有深度思考和反省意味的東西。

坂本龍一，他的音樂裡面融合了古典和新浪潮再到實驗，有著理性克制的情緒化。

山本耀司，他的人生哲學和生活態度本身很值得敬仰，對工作這件事情有強烈的自我判定，服裝風格統一且精益求精，把自己擅長的事情做到極致。

東松照明，是戰後第一代攝影師，燈塔級別，用紀實手法敏感的捕捉出時代的縮影，可以說完全被作品折服。

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東松照明鏡頭下的戰後日本。

柘植義春，與手塚治虫同期的漫畫大師，運用漫畫和文學的手法表現戰後時代和人性的脆弱感，最喜歡他的短篇漫畫《文鳥》和自傳隨筆《蒸發之旅日記》。

三島由紀夫和太宰治，經常被拿來作比較的兩位作家，相同的時期，同樣是有自殺傾向的兩位天才，共通的地方是作品中的細膩情緒感知以及和式轉瞬即逝帶有哲思的美感，喜歡三島的《豐饒之海》系列和太宰治的《斜陽》。

AM：哪支樂隊是你的Guilty Pleasure?

ANNSEY：YMO，也是我最愛的樂隊。這三位成員每個人都是日本劃時代的傳奇音樂人，從他們1979年在美國的首次演出開始，一直處於發光發熱的狀態直到解散。

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1978年，坂本龍一、高橋幸宏和細野晴臣組成的前衛電子樂團Yellow Magic Orchestra，簡稱YMO，被視為電子合成流行音樂的先驅。

YMO作為電子流行組合，給西方帶去了前所未有的新鮮感受。起初成軍其實是很輕鬆隨意，沒想到會在全世界範圍躥紅，三個人的音樂品味其實並不相同，這也是後來解散的原因之一。他們的舞台服裝也很前衛，高橋同時兼顧時裝設計師的身份，負責設計YMO的演出服。

AM：有沒有一個音樂人，你甘願為他免費做設計？

ANNSEY：如果說偶像的話，好像已經過了那個狂熱年紀了。剛畢業時或許有，但當時做的東西完全不行，所以人也挺矛盾的啊。現在呢，其實合適的時間、條件、人物和機緣，我都挺願意去嘗試的。

AM：唱片設計領域，你最欣賞的幾位設計師？

ANNSEY：施德明，他很擅長在CD盒有限範圍內，利用好每一個空間來增加設計的細節和趣味。例如，他為Lou Reed設計的唱片封面用了他標誌性的字體設計，滾石樂隊的《Bridges To Babylon》用了極繁瑣但契合的工藝。

做滾石這張設計時，樂隊主唱Mick Jagger想要一個能用在棒球帽上的標誌，施德明在大英博物館看到亞述獵獅圖時受到啟發，提取出其中的獅子的象徵作為封面主視覺（Mick Jagger是獅子座，巴比倫皇室圖騰中也有獅子）。

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Jonathan Barnbrook，作為David Bowie的御用設計師，他締造了很多經典，Bowie的遺作《Black Star》是去年設計上我最欣賞的一張唱片，其中很多符號的隱喻（黑色的五角星主圖形和切碎的星圖形正好拼成了Bowie的名字）和工藝材質的碰撞。包括上一張《The Next Day》的巧思也是出其意料卻在情理之中。

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