「不平靜」的安德索夫斯基

波蘭鋼琴家皮奧爾·安德索夫斯基，數年前來過上海音樂廳，當時他演奏的風格和音樂會所呈現的音響與眾不同，給我留下深刻印象，因此一直期待能再次聆聽他的現場演奏。2017年3月5日，他再度光臨上海音樂廳，舉行了一場名為「不平靜的旅行者」的獨奏音樂會。安德索夫斯基是位有故事的鋼琴家，無論是年輕時參加比賽，還是成名後的音樂會，均以不妥協、特立獨行而聞名，各位如有興趣可以上網看一下。本場音樂會冠名「不平靜的旅行者」，取自於他的同名紀錄片，該紀錄片闡述了他對音樂的思考、他的演出以及他的波蘭-匈牙利根源。我當年看了以後，更加深了對他的印象和理解——這註定是一位要彈出不同聲音的鋼琴家。此番的上海音樂會，秉承了他「不平靜」的音樂理念，留給人們更多的是驚訝、思索以及音響上的刺激和審美的挑戰。

音樂會彈了三位作曲家的作品：

莫扎特、雅納切克、肖邦。如果是抱著海布勒、菲爾庫斯尼、魯賓斯坦的感覺來聽（這三位分別是演奏莫扎特、雅納切克、肖邦的標準權威），那恐怕是要失望的,因為安德索夫斯基彈奏的是不同的聲音。

上半場兩首莫扎特：《c小調幻想曲（K.475）和《c小調第14奏鳴曲》（K.457）。前者創作於1785年，比後者晚一年，但出版時是一起發行的。因為兩者在調性和樂思上有關聯，所以演出時經常是合為一體的。如此，《c小調幻想曲》就成為《c小調第14奏鳴曲》的第一樂章（K.457本身有三個樂章）。安德索夫斯基此番演出也是如此，但他在結構上有新的布局，他先是將K.475與K.457的第一樂章連續演奏，然後是一個明顯的停頓和休止，再接著演奏K.457的後兩個樂章。也就是說，他將四個樂章（如果把K.475也算作一個樂章的話）分為兩部分，別出心裁，令人玩味，總體上更有一種平衡感。莫扎特後期的鋼琴音樂（這裡主要指他的奏鳴曲），不像前期那樣的一味輕鬆、明快、優雅，增加了沉思性的厚重、暗淡和悲傷，這與他曾經不如意的經歷和母親早逝有關，我們甚至能在他的K.457第二樂章中聽到貝多芬《悲愴奏鳴曲》的音調（是貝多芬借鑒了莫扎特？），因此需有不同的演奏表達。如果說通常演奏莫扎特是用書法中的行書的話，那麼安德索夫斯基用的是楷書，一點一划，一撇一捺，輪廓分明，金鉤鐵畫，增強了陽剛之氣和悲劇感。演奏用時也比較長，約35分鐘（一般是30分鐘）。寫楷書的速度肯定比寫行書慢。我這裡用的是一種比喻，比喻嘛，只能是比喻，千萬不要生搬硬套，因為安德索夫斯基也有快的時候，那是一種金光燦燦大刀闊斧的快。還有，他善用重音和休止，色調硬朗，高音猶如噴射的激光。

有樂迷不喜歡安德索夫斯基演奏的莫扎特，後來我把這位樂迷的現場錄音帶回家，與海布勒的版本反覆聆聽比較，還是覺得安德索夫斯基的演奏驅動力更強，更有一種現代音響的美學意味。如是觀之，下半場的演奏就是遵循這樣的風格。捷克作曲家雅納切克鋼琴套曲《雜草叢生的小徑》第二部5首小品、肖邦的瑪祖卡（作品56和59）、《降A大調波羅乃茲幻想曲》（作品61），安德索夫斯基始終在發出自己的聲音，你可以有疑惑或不同意，但他依然我行我素，闊步向前。近年來，這樣不同的聲音我們已聽到過多次，如俄羅斯鋼琴家阿凡納西耶夫、波格萊里奇。也許，現在的鋼琴演奏，已進入了演奏家個性化的年代？我們以往認可或欣賞的鋼琴家，大都有以下標準：歌唱性好，聲音圓潤，音色溫暖，悅耳動聽，忠於原譜。用一個字來形容，就是「木」，木味越濃越好。為什麼有樂迷喜歡LP，就是這個原因。而現代音響就像CD，解析力強，有金屬聲，所以聽慣LP的人不太喜歡聽CD。殊不知，當年發明CD，其用意就是為了改進LP的不足之處。

難以有統一標準，那就和平共處吧。藝術欣賞沒有你對我錯、你死我活，個人愛好而已。不過，豐富審美趣味，拓寬藝術眼界，總是不無益處的。「不平靜」的安德索夫斯基，給人以「不平靜」的思考和啟發。

本文摘自《高保真音響》雜誌

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