化學之愛 ARTFORUM展評

最新 08-28

化學之愛

北京·當代唐人藝術中心第一空間

「化學之愛」展覽現場，2017.

「

展覽的組織方式更側重個體藝術家的獨特性，而非著意形成整體敘事。

」

當代唐人藝術中心的群展「化學之愛」無論從視覺還是概念上來說都十分多元化，參展藝術家大多出生於1980、1990年代，所用媒介跨越錄像、裝置、繪畫、攝影和表演。除了年輕這一共性，他們還都有著相當國際化的經歷及簡歷。整個展覽策展思路的出發點是一本題為《PiHKAL：化學之愛》（PiHKAL: A Chemical Love Story）的書。書中研究主要集中在致幻性的化學合成物；作者亞歷山大·舒爾金博士（Dr. Alexander Shulgin）和他的太太安·舒爾金（Ann Shulgin）將這些藥物視作自我認知的絕佳工具。通過使用藥物，那些不真實的、虛構的、人造的感受可以直達大腦皮層，但這個「平行世界」註定會消退，留下的是失落、妄想和空虛。在策展論述中，同樣的妄想是由數碼科技、社交媒體、虛擬的互連性和超鏈接引發的，所有這一切都有賴於感官作用於大腦，但最終結果仍然是孤立。藝術實踐也無法擺脫這種妄想和孤立的影響。

致穎，《夢魘》，2014，數碼照片，150 x 100 cm.

展覽的組織方式更側重個體藝術家的獨特性，而非著意形成整體敘事。一進入展廳，觀眾就可以發現自己正面對著各種或大或小的矛盾。其中一些相對來說更私密和微妙的作品幾乎是以一種逐漸遁去的姿態存在——無論是表現一種臨時狀態還是以轉瞬即逝為主題。卡娜的作品《沌白》（2017）是一組紙上碳粉繪畫，而石至瑩和韓青臻的幾件繪畫作品則極為纖細輕盈。另有一部分作品更加直接，強調物質感，視覺上也更具「侵略性」，比如劉張鉑瀧拍攝的實驗室微觀世界的攝影作品，以及廖斐解構繪畫語言同時又強調繪畫材料屬性的油畫作品。有時矛盾隱藏在同一藝術家的不同作品裡，以致穎的《夢魘》（2014）和《慢跑》（2014）為例，兩件作品南轅北轍又彼此互為補充：一種既嘲諷又令人不安的因素侵入了我們所熟悉的日常，其中人的身體和存在被捲入一套新的邏輯：一個收銀員望著一個人在結帳櫃檯的傳輸帶上慢跑，或者是自然本身成為了一系列荒唐行徑的舞台布景，無不浸透著一種危險的幽默感。同樣的幽默也見於Yorkson的《致伯約：戰爭是只存在於上帝和撒旦之間的》（2017），這件作品安放在一個用中世紀教堂彩繪玻璃做成的壁龕上。象徵公正和法制的聖經人物被法國兒童書里巴巴爸爸的形象和一個卡通小孩兒代替。通向壁龕走廊兩側的塗鴉取材於三位一體以及其他聖經主題，只不過也是用一種輕快、遊戲的筆調加以表現。展覽中視覺和概念上最令人震撼的是劉雨佳的《黑色海洋》（2016），這件錄像作品介於真實和虛構，現實和幻景之間，將觀眾漸漸帶入一個人類的存在實屬多餘的世界。在這些鏡頭裡，自然和人造混合在一起。在劉雨佳拍攝的煉油廠，唯一活動的事物就是機器單調的運動，以及大雪中作業的風力渦輪機，它們同荒蕪且未經污染的風景並存，動物如鬼魅般出沒——這裡是「未來的原始社會」。姚清妹的《雕塑一張100歐元紙幣》（2014）則結合了表演和現成品，在錄像作品裡我們可以看到藝術家在歐洲數個城市裡揉搓一張面值100的歐元。經過持續的揉搓下，藝術家在貨幣上留下了自己的印記，在紙幣的經濟價值上又附加了「藝術的價值」。隨後這張紙幣作為一件「活雕塑」被拍賣，連同紀錄的錄像，賣出了超過400歐的價格。儘管參展作品成熟程度參差不齊，但所有藝術家都明顯更著迷於某種波德萊爾式的憂鬱，而非不可企及的理想。